Die große Jahresumfrage unter den professionellen Fotografen in Deutschland ist ausgewertet und die Daten in kommentierter Form aufbereitet. 

Unter diesem Link kann das PDF herunter geladen werden: BF professionelle Fotografie 2022 Umfrage Auswertung

Sollten Sie ein gedrucktes Exemplar benötigen, schicken Sie gerne eine Email mit der Versandadresse an: mail@berufsfotografen.com mit dem Betreff "Zusendung Umfrage"

Auch freuen wir uns, wenn Sie einen Ort zum Auslegen der Umfrage kennen und dafür mehrere Exemplare benötigen. Melden Sie sich in diesem Fall gerne auch einfach per E-Mail.

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Direkt zur Jahresumfrage: klick hier

Auch in diesem Jahr erfassen wir wieder die wichtigsten Daten in der professionellen Berufsfotografie. Die große Jahresumfrage zum Jahr 2021/2022 ist online und noch bis Ende der Woche zur Teilnahme geöffnet.

Nach der Auswertung werden wir die Daten wie gewohnt veröffentlichen.  Machen Sie mit bei der Umfrage zur professionellen Fotografie: Zur Jahresumfrage Fotografie 2021

Wie in den Vorjahren auch senden wir Ihnen gerne ein PDF mit den Ergebnissen. Dazu senden Sie uns einfach eine Mail an die Adresse am Ende der Umfrage. So sind alle Ihre Angaben 100% anonym.

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In den vergangenen zwei Wochen haben uns viele Nachfragen in Bezug auf das "best of 2021" erreicht. Denn in den letzten Jahren hatten wir den Jahreswechsel immer zum Anlass genommen, einen fotografischen Rückblick auf das Jahr 2021 zu initiieren. Auf einer gemeinsamen Seite konnte dann jeder Fotograf sein ganz persönliches Lieblingsbild aus dem letzten Jahr mit einem kurzen Text vorstellen. Auch in diesem Jahr wird es diese Aktion geben, die Einladungen werden nur deutlich später als gewohnt versendet.

Es hat sich in den letzten zwei Jahren herausgestellt, dass die beste Zeit für die große Jahresumfrage doch wieder im Dezember / Januar ist. Leider kollidiert dadurch die Befragung mit dem "best of "und wir möchten versuchen, die beiden Aktionen zeitlich etwas zu entzerren. 

Ob es eine gute Idee ist, das "best of" erst Ende Januar zu starten oder es Anfang / Mitte Dezember nicht besser aufgehoben ist, wird sich zeigen. Je nach dem Feedback handhaben wir das im nächsten Jahr dann etwas anders.

Also zusammengefasst: Auch in diesem Jahr wird es ein "best of" des letzten Jahres geben, nur halt erst in der KW3/4.

Was planen Fotografen, um neue Kunden zu akquirieren? 

Wie in den vergangenen Jahren auch möchten Fotografen freie Strecken produzieren und damit werben, gefolgt von Werbung im Internet und E-Mail Marketing.

Diese Angaben stehen etwas im Widerspruch, denn für freie Strecken plant nur ein kleiner Teil der Fotografen monatlich Zeit ein – und wenn – dann recht wenig. Auch gaben die Fotografen an, recht wenig Aufträge über E-Mail Aussendungen zu erhalten und dennoch möchten 36% diese Form nutzen. Wahrscheinlich, weil sie eine kostengünstige Werbeform dargestellt.

Wie sehen Fotografen die Zukunft?

2020 war für viele Fotografen ein äußerst schwieriges Jahr. So gering war in noch keiner Jahresumfrage der Anteil der Optimisten unter den Fotografen. Immerhin 38% sind optimistisch, 8% sogar sehr. Dahingegen ist die Gruppe derer, die die nahe Zukunft pessimistisch sehen, von 8% auf 23% gestiegen.

Welche Schlüsse ergeben sich aus der Umfrage in Bezug auf die nächste Zeit?

Niemand weiß, wie lange die Kontaktbeschränkungen noch dauern und wie sich die professionelle Fotografie danach entwickelt. Wird nach Corona alles so sein, wie es in 2019 war? In welchen fotografischen Arbeitsbereichen werden dann die größten Chancen liegen? Was werden sich Auftraggeber dann wünschen und wie kann ich mich darauf vorbereiten?

Diese Fragen kann derzeit kaum jemand mit Sicherheit beantworten. Viel wichtiger ist es deshalb im „Jetzt” zu schauen und sich zu überlegen, ob es vielleicht fotografische Gebiete gibt, die weniger durch Corona betroffen sind und die einem liegen. Oder zu schauen, welche Angebote ich an die Wünsche meiner Bestandskunden anpassen kann. Vielleicht ergeben sich dann völlig neue Ideen für fotografische Arbeitsbereichen.

Gebaut, produziert und konsumiert wird letztlich immer noch, geheiratet natürlich auch. Sicherlich, es gibt gerade keine Firmenevents oder große Hochzeiten, und doch benötigt die Firma für Ihren Jahresbericht Bilder, eventuell ohne Menschen, genauso wie das Brautpaar vor dem Standesamt ein gutes Foto haben möchten.

Wenn es nicht mehr so läuft wie bisher, liegt es an uns, möglichst positiv zu bleiben und flexibel nach neuen Wegen zu suchen, um die Auswirkungen abzufedern und sich neu positionieren.

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Wie viel Gehalt bekommt ein festangestellter Fotograf?

Da freiberufliche Fotografen weniger Erfahrung mit Festanstellungen haben, wurde hier gefragt, was festangestellte Fotografenkollegen verdienen. Darüber hinaus flossen Daten von öffentlichen Institutionen mit ein, die nach Tarifvertrag zahlen.

Auch wenn die Spanne recht groß war, liegt der Durchschnitt der Jahresbruttoeinkommen zwischen 30.000-35.000€. Ausreißer von unter 20 bis weit über 50.000€ waren ebenfalls genannt.

Wie lange arbeitet ein Fotograf bei einer Tagesbuchung?

Je nach Arbeitsbereich und Auftraggeber sind die Einstellung der Fotografen, wie lange man für einen Tagessatz arbeitet, recht unterschiedlich. So ist die zeitliche Begrenzung im Privatkundenbereich wie zum Beispiel bei Hochzeiten oder am Filmset fast immer üblich. In anderen Bereichen hingegen wird eher projektbezogen gearbeitet. Hier kann ein Shooting zeitlich schnell aus dem Ruder laufen und gerade wenn der Fotograf dies nicht zu verantworten hat, stellt sich die Frage nach overtime. Im Durchschnitt berechnen zwei Drittel der Fotografen an langen Tagen overtime. Lediglich 29% arbeiten für einen festen Tagessatz immer so lange, wie das Shooting dauert. 

Wie hoch ist der Tagessatz in der professionellen Fotografie?

Interessanterweise hat sich die Höhe der Fotografenhonorare durch Corona nicht verändert. Die Ausfälle durch höhere Honorare zu kompensieren, scheint kaum möglich zu sein. Genauso wie es für die meisten Fotografen keinen Sinn zu machen scheint, durch geringere Honorare mehr Kunden zu erhalten. Die folgenden drei Charts zeigen die Tagessätze bei werblichen Aufträgen, bei redaktionellen und bei Privatkunden. Die Daten fassen alle Arbeitsbereiche der Fotografen zusammen und stellen somit Mittelwerte dar.

Wie hoch ist der geschätzte Tagessatz von Fotografenkollegen? 

Auch in diesem Jahr ist es spannend zu sehen, dass die Angaben des eigenen Tagessatzes von denen abweichen, wie Fotografen den Tagessatz der Kollegen sehen. So schätzen die Fotografen den Tagessatz der Kollegen deutlich geringer ein, als den eigenen. 38% der Fotografenkollegen hätten demnach einen Tagessatz von unter 1000€.

Wie stark ist der Brutto-Jahresumsatz der Fotografen in 2020 durch Corona gesunken?

Auch wenn es einige Fotografen gibt, die Ihren Jahresumsatz in Coronazeiten stabil halten oder sogar steigern konnten, haben die meisten Fotografen deutliche Einbußen zu verzeichnen. Uns hat interessiert, welchen Brutto-Jahresumsatz die Fotografen in 2020 erwartet hatten, bevor Corona auftrat und welchen Brutto-Jahresumsatz sie mit Corona im Jahr 2020 haben. 

Im Vergleich mit den Angaben der letzten Jahre gibt es hier eine Verschiebung vom Bereich unter 30.000€ in den mittleren Umsatzbereich. Scheinbar sind die Fotografen davon ausgegangen, dass 2020 ohne Corona ein für Fotografen sehr gutes Jahr geworden wäre. 

Fotografen über..

Wir haben die persönliche Meinung der Fotografen zu verschiedenen Themen angefragt. Eine Auswahl der Antworten findet sich hier. Wie in den letzten Jahren auch, lieben Fotografen weiterhin ihren Beruf und möchten ihn größtenteils auch das ganze Berufsleben ausüben. Und auch wenn knapp 40% gut davon leben kann, wünschen sich weniger als 20%, dass die eigenen Kinder in die eigenen Fußstapfen treten. 

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Wie kalkulieren Fotografen ein Jobangebot?

Es gibt etliche verschiedene Möglichkeiten, einen Auftrag zu kalkulieren und abzurechnen. Je nach Arbeitsbereich und Auftraggeber können sich völlig andere Optionen anbieten.

Ist eine Werbeagentur der Auftraggeber, ist ein gesonderter Posten mit Nutzungsrechten nicht unüblich. Fotografiert man für eine Privatperson, ist ein Pauschalpreis vielleicht für beide Seiten die beste Option. In den letzten Jahren stieg auch die Beliebtheit für Paketpreise, bei denen eine bestimmte Leistung vorher zu einem bestimmten Betrag definiert ist. Dies kann bei Hochzeiten sinnvoll sein und bietet den Auftraggebern von Anfang an eine Preistransparenz. Gibt der Fotograf diese Preise auf der Webseite an, kann der Kunde sich schon vor dem ersten persönlichen Kontakt informieren, ob der Fotograf ins Budget passt.

Neben dem BF Honorarrechner, der hilfreich ist um einen generellen Überblick über seine Kosten und den Jahresgewinn zu erhalten, gibt es gerade für Nutzungsrechte die mfm Liste, die gerne genutzt wird. Für die Shootingkalkulation sind weitere Hilfen vom BFF und AGD hilfreich. Mit etwas Erfahrung nutzen viele Fotografen auch häufig einfach ihr eigenes Bauchgefühl. Zudem stellt sich für viele Fotografen die Frage, ob sie bei einem zahlungskräftigen Auftraggeber höhere Preise verlangen, als bei einem zahlungsschwächeren. 

Welche Hilfsmittel nutzen Fotografen für die Shootingkalkulation oder der Kalkulation der Nutzungsrechte?

Für so gut wie alle Fotografen ist das Bauchgefühl die wichtigste Hilfe bei der Kostenkalkulation. Die mfm Tabelle wird auch gerne zur Hilfe genommen. Etwas verwunderlich ist, dass lediglich 10% der Fotografen eine eigene Liste haben. 

Wie viele Fotografen finden es gut, eine Leistung zu einem festen Paketpreis anzubieten? 

Gerade wenn Fotografen Ihre Angebote mit Paketpreisen schon auf der Internetseite veröffentlichen, freut dies den Auftraggeber. Dies bedeutet aber auch, dass der Fotograf keine Möglichkeit hat, einen Kunden zu beraten und vorzufühlen, was er bereit ist auszugeben. Immerhin 38% der Fotografen halten diese Option für einen guten Weg. 

Wie gut finden es Aufttraggeber, wenn der Fotograf Paketpreise anbietet?

Fast die Hälfte der Fotografen sind der Ansicht, dass vorher definierte, feste Paketpreise bei den Kunden sehr gut ankommen. Das ist deutlich mehr, als die 38% der Fotografen, die Paketpreise für eine sehr gute Option halten. Viele Fotografen agieren demnach in Bezug auf Paketpreise eher verhalten. 

Passen Fotografen das eigene Honorar an die Kaufkraft eines Kunden an?

Hier gibt es eine recht gleichmäßige Verteilung von Fotografen, die dieses Mittel der Angebotserstellung nutzen und den Fotografen, bei denen die fotografische Leistung bei allen Auftraggebern gleich hoch kalkuliert wird. Sicherlich ist dies auch von jeweiligen Arbeitsbereichen abhängig.

Ein Porträtfotograf dürfte eher eine feste Preisliste haben. Und ein Fotograf, der für kleine und große Unternehmen arbeitet, dürfte in der Preisgestaltung eher flexibel sein.

Berechnen Fotografen oft Pauschalpreise inklusive aller Nutzungsrechte?

Der Trend in den letzten Jahren geht hin zu Pauschalpreisen, in denen die zeitlichen, räumlichen und inhaltlichen Nutzungsrechte inkludiert sind. Zum einen wünschen dies viele Auftraggeber, weil es einfach komplex ist, etwaige Beschränkungen der Bildnutzung in einem Unternehmen über Jahre hinweg zu gewährleisten und zum anderen ist die Nachverfolgung vor allem für die Fotografen, die viele Bilder produzieren, aufwendig.

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Welche Bereiche in der Fotografie machen am meisten Spaß, in welchen gibt es am meisten Jobs und wo verdient man am besten?

Welche Bereiche haben die meisten Jobs?

Waren 2019 noch der Event- und Hochzeitsbereich weit vorne, wurden diese durch Architektur und Industrie ersetzt.

Diese Bereiche sind die eindeutigen Gewinner in der Coronakrise, da sie nur geringen Kontakt mit Menschen erfordern und somit immer noch gut zu bewerkstelligen sind.

In welchen Bereichen der Fotografie verdient man am meisten Geld?

Waren im letzten Jahr die Fotografen davon überzeugt, dass man mit Hochzeiten am besten Geld verdienen kann, liegen Hochzeiten in diesem Jahr nur noch auf Platz 4.

Dieser starke Rückgang ist durch Corona leicht erklärbar. Große Hochzeiten konnten 2020 kaum stattfinden und somit musste man als Hochzeitsfotograf von der herkömmlichen Arbeitsweise abweichen und stattdessen viele kleine Hochzeitsshootings beim Standesamt fotografieren, oder den Schwerpunkt in andere Arbeitsbereiche verlagern.

Welche Bereiche machen am meisten Spaß?

Sicherlich ist die Frage, welche Bereiche in der Fotografie am meisten Spaß machen sehr subjektiv. Da es weitaus mehr Porträtfotografen als Fotografen in den Bereichen Luftbild oder Transportation gibt, sind die Ergebnisse nicht richtig zu vergleichen. Sieht man von Architektur einmal ab, haben die beliebtesten Arbeitsbereiche gemein, mit Menschen zu tun zu haben. Dies scheint vielen Fotografen Freude zu bereiten und sinnstiftend zu sein. 

In welchen Bereichen machen Fotografen den größten Umsatz?

In der Fotografie bieten sich etliche Möglichkeiten an, neben Fotoshootings Geld zu verdienen. So ist die Bildbearbeitung bei vielen Fotografen ein fester Bestandteil in der Kalkulation geworden. 42% der Fotografen machen hier signifikante Umsätze. Ebenfalls stellt die Einräumung von Nutzungsrechten für fast ebenso viele Fotografen eine wichtige Einnahmequelle dar.

Etwas verwunderlich ist, dass die Einkünfte aus der Vermarktung von Stockbildern einen recht kleinen Anteil haben, ebenso wie der Bereich Film. Hier gibt es seit Jahren zwar immer mehr Fotografen, die davon ausgehen, dass die Bereiche Fotografie und Film irgendwann zusammen wachsen. Noch scheint dieser Moment allerdings nicht, bzw. nur in wenigen Arbeitsbereichen, gekommen zu sein. Wie in den letzten Jahren auch bleiben die eigentlichen Shootings die Haupteinnahme der Fotografen.

Was ist Auftraggebern bei der Buchung eines Fotografen wichtig?

Auch die besten Portfoliobilder nützen nichts, wenn man sich als Fotograf nicht vermarkten kann. Und egal, welchen Weg man für die eigene Präsentation und die Akquise wählt, gibt es seit Jahren einige entscheidende Punkte, die sich kaum verändern. So ist nach der Meinung der Fotografen die Sympathie ein alles entscheidender Faktor bei der Buchung.

Der zweitwichtigste Punkt sind Weiterempfehlungen und erst danach legt ein Auftraggeber wert auf gute Bilder.

Somit wird klar, worum es im Marketing gehen sollte: Sich in den Auftraggeber hineinzuversetzen und ihm auf freundliche Art und Weise das anzubieten, was er möchte. 

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Wie steht es um die klassische Ausbildung zum Fotografen?

Schon seit Jahren wächst die Anzahl der eingetragenen Fotografen-Betriebe, ohne dass sich die Höhe der Gesellenprüfungen ebenfalls erhöht. Bei jährlich über 6000 Betriebsbszugängen werden seit 20 Jahren fast durchgängig jedes Jahr weniger Gesellenprüfungen abgenommen. Mittlerweile sind es nur noch ca. 400 im Jahr. In Deutschland fehlt es an Betrieben, die überhaupt noch zum Fotografen ausbilden. So gaben lediglich 4% in der Befragung an, derzeit auszubilden. Immerhin 10% könnten es sich in der Zukunft vorstellen. Insgesamt gab es 2019 noch 654 Ausbildungsstätten in Deutschland, 10 Jahre vorher waren es noch fast doppelt so viele. Für viele der Fotografen ist es wirtschaftlich kaum sinnvoll, noch auszubilden, selbst bei den im Vergleich mit den anderen Handwerksbetrieben mageren Ausbildungsvergütungen von 240-450€ im ersten und 350-650€ im letzten Lehrjahr.

Den Rückgang im Handwerk sieht man ebenfalls gut an den bestandenen Gesellen- und Meisterprüfungen. Der absolute Tiefstand war hier 2007 mit nur 8 bestandenen Meisterprüfungen im gesamten Jahr erreicht. 2019 gab es 28 Meister- und 366 bestandene Gesellenprüfungen. Diese stehen 6500 Betriebszugängen gegenüber.

Wie haben sich die Zahlen im Handwerk in den letzten 20 Jahren verändert?

In dem nachfolgenden Chart sieht man im zeitlichen Verlauf der letzten 20 Jahre die Anzahl der Betriebe im Fotografenhandwerk, die Anzahl der neuen Betriebe, wie die der abgemeldeten.

Macht eine Meisterpflicht in der Fotografie Sinn?

Auch wenn der Versuch vor zwei Jahren, die Meisterpflicht wieder einzuführen nicht erfolgreich war, würden 17% der Fotografen eine Einschränkung befürworten. Ob eine Abgrenzung wie eine Meisterpflicht sinnvoll wäre, hängt natürlich stark von der eigenen Ausbildung ab. Wie nicht anders zu erwarten war, unterstützten diese Idee vor allem Fotografenmeister selber. Selbst die Fotografengesellen sind sich in dieser Frage überwiegend unsicher. Quereinsteiger haben hingegen wenig Interesse an einer Einschränkung fotografischer Arbeitsbereiche. Schaut man sich die Gesamtzahlen aller Fotografen zu dieser Frage an, ohne in Meister, Geselle und Quereinsteiger aufzuteilen, sind immerhin noch 22% für eine Meisterpflicht.

Was waren die größten Fehler auf dem Weg in das Berufsleben als Fotograf?

Jeder Fotograf ist seinen eigenen Weg ins Berufsleben gegangen. Und doch gibt es einige wiederkehrende Punkte, die Fotografen bedauern. Einer davon ist, nicht häufiger und vor allem bei guten, internationalen Fotografen assistiert zu haben. Ein anderer ist, am Anfang zu wenig akquiriert zu haben und zu zaghaft gestartet zu sein. Der Wunsch freier zu fotografieren, sich weniger nach anderen zu richten und eine eigene Bildsprache zu entwickeln, wurde darüber hinaus, ebenfalls mehrfach genannt. Viele Fotografen bedauern, am Anfang der fotografischen Laufbahn nicht deutlich mutiger gewesen zu sein.

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Teil 3/8 der Jahresumfrage 2020/2021 - Fotografiie im Nebenerwerb

Die Fotografie dauerhaft als Nebenjob auszuführen funktioniert nur für die wenigsten Menschen. Dazu passt, dass über 50% der nebenberuflich als Fotograf arbeitenden mit dem Nebenjob weniger als 30% des Einkommens erwirtschaften. 

Wie viele Fotografen arbeiten derzeit nebenberuflich?

Der Anteil der nebenberuflich tätigen Fotografen liegt mit 15% auf einem ähnlichen Wert wie in den letzten Jahren. Der überwiegende Teil der Fotografen arbeitet hauptberuflich. Neben einem Fotostudium oder einer fotografischen Ausbildung sind nur wenige als Fotograf tätig.

Wie viele Jahre sind Fotografen nebenberuflich tätig?

Gleich bleibt auch der Umstand, dass die meisten nebenberuflich tätigen Fotografen nach spätestens 3-5 Jahren entweder den Beruf hauptberuflich ausführen, oder die nebenberufliche Fotografie aufgeben.

Wie hoch sind die Einnahmen aus nebenberuflicher Fotografie?

Interessant ist hier die Aufteilung, nach der ein knappes Drittel weniger als 10% des Einkommens aus der nebenberuflichen Fotografie erwirtschaftet.

Interessant wäre es zu erfahren, welche Motivation die nebenberuflich arbeitenden Fotografen haben. Ein Teil wird versuchen den Beruf mittelfristig als Vollerwerb auszuüben, ein anderer Teil wird gelegentliche Fotojobs aus der Freude am Fotografieren heraus machen. Wie hoch der Prozentsatz jeweils ist, werden wir im nächsten Jahr erfragen.

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Teil 2/8 der Jahresumfrage 2020/2021 - Beruf Fotografie

Wie ist die Auftragslage in der Fotografie?

Wie bei all den Kontaktbeschränkungen und Unsicherheiten zu erwarten war, lag die Auftragsauslastung in 2020 weit unter der von 2019. Der Anteil derer, die die Auftragslage als existenzbedrohend einschätzen, stieg von 6% in 2019 auf über 20% in 2020. Und dennoch gibt es einen kleinen Anteil von 9% der Fotografen, die auch im Jahr 2020 sehr gut ausgelastet waren und teilweise den Umsatz sogar haben steigern können.
Spannend ist hier auch der Vergleich mit den Vorjahren. So sahen im Jahr 2019 weniger als 50% die Lage als „sehr gut” oder „gut” an.

In der diesjährigen Befragung haben wir neben 2020 auch 2019 erneut abgefragt. 74% haben rückblickend das Jahr 2019 als „sehr gut” oder „gut” eingeschätzt. Mit den Erfahrungen aus dem Jahr 2020 bewerten viele Fotografen das Jahr 2019 scheinbar deutlich positiver, als sie es damals bewertet haben. 

Wie ausgelastet sind Fotografen derzeit?

Hatten wir diese Frage bisher immer auf das ganze Jahr bezogen, macht dies in 2020 natürlich weniger Sinn. Somit ist hier abgebildet, wie ausgelastet sich Fotografen zum Zeitpunkt der Befragung im letzten Quartal 2020 gefühlt haben. Immerhin 25% gaben an, vollständig ausgelastet zu sein. Für den Großteil der Fotografen allerdings ist die Lage unbeständig und besorgnisserregend. 

Wie hoch ist der Anteil der Quereinsteiger, handwerklich ausgebildeten und Autodidakten in der professionellen Fotografie?

Die professionelle Fotografie war schon immer ein Traumberuf, den viele ausüben wollten. Lange Jahre waren die Eintrittshürden relativ hoch. So brauchte man neben fundierten Kenntnissen in Bezug auf Kamera- und Lichttechnik auch einiges an Startkapital. Günstige und einfach zu bedienende digitale Technik und vor allem auch die Öffnung des Handwerks haben die Eintrittshürden derart verschoben, dass sich die Anzahl der Fotografen im letzten Jahrzehnt vervielfacht hat. Viele davon haben den Sprung in die Selbständigkeit auch ohne langwierige Ausbildung einfach aus dem Hobby „Fotografie“ heraus gewagt. 

Und so gab es in den letzten Jahren eine starke Verschiebung von handwerklich ausgebildeten Fotografen hin zu autodidaktischen Quereinsteigern. Dieser Trend scheint sich seit dem letzten Jahr nicht weiter zu verstärken. So ging der Anteil der Autodidakten in 2020 sogar etwas zurück. Ein Grund könnte die wirtschaftlich unsichere Lage und natürlich die Corona Auswirkungen und Kontaktbeschränkungen sein. Weit weniger Menschen scheinen derzeit den Sprung in die Selbständigkeit zu wagen als in den letzten Jahren. 

Haben Fotografen feste Arbeitszeiten?

In Bezug auf diese Frage gibt es seit Jahren kaum Veränderung. So arbeitet der Großteil der Fotografen unabhängig von Wochentagen. Hier waren Mehrfachnennungen möglich. 

Wie viele Tage im Monat verbringen Fotografen mit Akquise?

Fotografen sehen sich meist als Handwerker oder Künstler und eher nicht als Geschäftsleute oder als Marketingenthusiasten. Dennoch verwundert es, wie wenig Zeit Fotografen wirklich für Akquise einkalkuliueren. Knapp die Hälfte verwenden weniger als einen Tag im Monat darauf, neue Kunden anzusprechen oder alte zu bewerben. Es gibt aber auch einige wenige Fotografen, die über das Jahr 2020 pro Monat 10 Tage und mehr für Akquise aufgewendet haben. 

Wie ist das Verhältnis von Jobvorbereitung, Fotoshooting und Nachbereitung? 

Bei den meisten Aufträgen ist die Nachbereitung der Aufträge zeitlich am aufwendigsten. Je nach fotografischem Arbeitsbereich gibt es deutliche Unterschiede, was den zeitlichen Aufwand betrifft. Dennoch kann man sagen, dass auf einen Shootingtag durchschnittlich ein Tag Jobnachbereitung entfällt.

Wie viele Tage beschäftigen sich Fotografen mit freien Arbeiten?

Außenstehende glauben häufig, dass Fotografen viel Zeit damit verbringen, eigene, kreative Bildideen umzusetzen. In der Realität nehmen freie Arbeiten nur wenig Zeit ein, mehr als 3 Tage im Monat sind nur die wenigsten damit beschäftigt. Knapp ein Drittel beschäftigt sich überhaupt nicht mit freien Arbeiten. 

Wie viele Fotografen sichern sich ab?

Für Fotografen gibt es zwei wesentliche Versicherungen. Die obligatorische Berufshaftpflicht und eine Equipment / Technikversicherung, die am besten auch den Datenverlust miteinschließt. Während knapp 80% zumindest die Berufshaftpflicht haben, liegt der Anteil der Fotografen, die Technik versichert haben, nur noch bei rund 50%. Dies mag daran liegen, dass viele Fotografen neben einer Grundausstattung immer weniger ein eigenes Studio-, Licht- und Kameratechnik besitzen und im Bedarfsfall diese dazu mieten. Zum anderen werden Digitalkameras immer besser und viele Aufträge sind schon mit relativ günstigen Kameras in einer für den Auftraggeber zufriedenstellenden Qualität zu bewältigen. Somit ist das Risiko überschaubar und der Bedarf an Technikversicherungen für viele Fotografen nicht gegeben.

Nächste Woche geht es weiter mit Teil 3/8 - Ausbildung in der Fotografie / Wie relevant ist die handwerkliche Ausbildung?

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Die Jahresumfrage 2020/2021 ist ausgewertet und wir werden in den nächsten Tagen die Ergebnisse in acht Artikeln vorstellen. Die bei uns eingetragenen Fotografen bekommen ein Exemplar automatisch als PDF geschickt. Darüber hinaus gibt es auch in diesem Jahr eine gedruckte Version, die wir Ihnen gerne schicken. Schicken Sie uns dazu einfach eine Mail mit Ihrer Postadresse.

Schaut man auf 2020 zurück wird deutlich, dass das letzte Jahr alle professionellen Fotografen vor völlig neue Herausforderungen gestellt hat und war wirtschaftlich so gut wie unkalkulierbar war.

Die andauernden Beschränkungen trafen Fotografen im Privatkundengeschäft, wie auch die Fotografen, die im Unternehmenskundenbereich aktiv sind. Events und Messen wurden abgesagt, Hochzeiten verschoben, oder nur noch im engsten Kreis begangen. Die meisten potentiellen Auftraggeber agierten seit dem Beginn von Corona verhalten, wenn es um die Beauftragung von Dienstleistern geht.

Covid-19 hatte somit starke Auswirkungen auf die Fotografie im Jahr 2020. Vor allem die Unplanbarkeit führte zu einer großen Unsicherheit unter den Fotografen und Auftraggebern.

Und auch wenn sich die Lage nach einem fast völligen Stillstand im Frühjahr ab Juni wieder etwas entspannt hat, haben fast alle Fotografen deutliche Umsatzeinbußen auf das Gesamtjahr 2020 erlitten, die auch in 2021 andauern werden.

Der Fokus dieser Jahresumfrage liegt somit auf den wirtschaftlichen Auswirkungen der Coronakrise. Diese wirkt sich auf all die Fotografen besonders stark aus, die hohe laufende Kosten haben. Wer gewohnt ist im Homeoffice zu arbeiten ist derzeit genauso im Vorteil, wie die Fotografen, die in mehreren Arbeitsbereichen tätig sind und sich der Situation somit flexibler zeitnah anpassen können.

Im Laufe des Jahres haben viele Fotografen versucht, sich möglichst gut an die neuen Herausforderungen durch Covid-19 anzupassen. Auch wurden die Hilfen der Bundesregierung dankbar angenommen.

Inwieweit diese Hilfen einen Umsatzrückgang auffangen konnten, wird in den Grafiken sichtbar.

Teil 1/8 der Jahresumfrage 2020/2021 - Wie groß sind die Auswirkungen von Corona auf die Fotografen?

Wir haben hier gefragt, wie stark die Coronaauswirkungen auf den eigenen Arbeitsbereich sind, sowie was Fotografen denken, wie stark die Auswirkungen auf Kollegen sind.

Über 60% der Fotografen gaben in der Jahresumfrage an, dass sie stark oder sehr stark von den Auswirkungen durch Corona betroffen sind. Und nur 15% der Fotografen gaben an, wenig oder kaum von den Auswirkungen von Corona betroffen zu sein.

Wir hatten zudem gefragt, wie stark die Auswirkungen auf Fotografenkollegen sind. Hier zeigt sich, dass die meisten Fotografen zwar angaben, sehr stark betroffen zu sein, sie ihre Kollegen hingegen aber eher nur als „stark” betroffen ansehen. Nimmt man „stark” und „sehr stark” zusammen, halten die Fotografen die Kollegen dennoch für deutlich stärker betroffener als sich selber (71% zu 60%). Die allgemeine Stimmung scheint somit etwas dramatischer wahrgenommen zu werden, als die eigene persönliche Lage eingeschätzt wird. 

Wie viele Auftragsstornierungen hatten Fotografen durch Corona?

In unserer Coronaumfrage im April 2020 hatten 73% der Fotografen angegeben, „sehr viele” Auftragsstornierungen aufgrund von Corona zu haben. In der Umfrage Ende 2020 ist dieser Wert mit 42% deutlich geringer, was auf eine Entspannung der Lage deuten lässt.

Dass im April lediglich 5% der Fotografen keine Stornierungen hatten und dieser Wert jetzt bei 11% liegt, ist ähnlich zu erklären. Die Vergangenheit wird, aus der Gegenwart heraus betrachtet, als weniger dramatisch angesehen. 

Wie viele Zahlungsausfälle hatten Fotografen durch Corona?

Zahlungsausfälle sagen etwas über die wirtschaftliche Gesamtsituation aus, also über Liquiditätsengpässe im beauftragenden Unternehmen oder über knappe Reserven bei Privatpersonen, wie zum Beispiel durch Kurzarbeit verursacht. Hier zeigt sich die Lage derzeit recht entspannt. Sollten sich die wirtschaftlichen Auswirkungen verstärken, wird sich dies mit einem zeitlichen Versatz sicherlich in einigen Monaten ändern. 

Wie viele längerfristige Verträge wurden gekündigt?

Ähnlich wie bei den Zahlungsausfällen gab es beim überwiegenden Teil der Fotografen keine Kündigungen von Rahmenverträgen oder von längerfristig angelegten Aufträgen. Unternehmen scheinen somit zwar verhalten im Abschluss neuer Verträge zu sein, halten aber überwiegend an den bestehenden Verträgen fest.

Wie viele Auftraggeber wollten in 2020 die Preise wegen Corona drücken?

Auch hier scheint Corona keine größeren Auswirkungen zu haben. So hatten lediglich 8% sehr viele Kunden, die den Preis der fotografischen Leistung mit dem Hinweis auf Corona drücken wollten. Im Gegensatz dazu hatten 78% „wenig” oder „keine” Kunden, die Preise drücken wollten. Dies passt auch zu dem Chart mit den Zahlungsausfällen. Derzeit sind die gesamtwirtschaftlichen Auswirkungen somit noch verhalten

Wie häufig wurden Aufträge verschoben?

Es zeigt sich, dass Aufträge in der derzeitigen Situation eher abgesagt werden (vergl. Chart Seite 6), als verschoben werden (34% „sehr oft”). Sicherlich hat dies mit der Unplanbarkeit zu tun, wann der jeweilige Auftrag sicher durchgeführt werden kann. Auch können viele dieser Jobs, gerade im Bereich Events oder Feiern, nicht nachgeholt werden und somit sind diese Umsätze für Fotografen verloren.

Wie schätzen Fotografen die Lage im Vergleich zum Anfang der Coronakrise ein?

Unter den Fotografen scheint es in dieser Frage zwei Lager zu geben. Bei einem Teil der Fotografen hat sich die Situation wieder etwas beruhigt, bei dem anderen Teil ist sie noch deutlich schlechter geworden als zu Anfang der Krise. Dies kann daran liegen, dass einige Arbeitsbereiche in der Fotografie von den Auswirkungen von Corona weniger betroffen sind als andere.

Möglich ist auch, dass es einigen Fotografen gelungen ist, die Geschäftsbereiche zu verlagern oder anzupassen. Sei es, dass sie vermehrt in Bereichen tätig sind, in denen es wenig Personenkontakt gibt, oder zum Beispiel anstelle einiger großen Hochzeitsreportagen im Monat viele kurze Standesamttermine fotografieren. Nicht verändert hat sich die Auftragslage seit dem Beginn von Corona lediglich bei 15% der Fotografen. 

Wie haben sich die Umsätze 2020 im Vergleich zu 2019 verändert?

Im Chart sehen wir den durchschnittlichen Umsatz im Jahr 2020 im Vergleich zum Vorjahr. Bei den meisten Fotografen lag der Tiefpunkt in den Monaten April bis Juni mit einer langsamen Erholung der Situation zum 4. Quartal.

Wir hatten die Fotografen im April schon einmal zu den Umsätzen befragt. Im Februar hatten über 50% noch ganz normale Umsätze, im April hatte eine ähnlich große Anzahl Fotografen so gut wie keine Umsätze. 

Welche finanziellen Belastungen haben die Fotografen?

Die größten Posten bei Fotografen sind meist die Miete des Fotostudios, des Ladengeschäftes oder Büros. Glücklich kann sich somit derzeit schätzen, wer aus dem Homeoffice heraus arbeitet. Dies ist bei über 40% der Berufsfotografen der Fall.

Ein weiterer Posten sind Angestellte. Hier kommt den Fotografen zu gute, dass sie meist Einzelkämpfer sind. Lediglich 13% haben einen oder zwei Teilzeitangestellte. 

Wie hoch sind die betrieblichen finanziellen Belastungen im Monat?

Rechnet man alle Kosten zusammen, haben die meisten Fotografen eine finanzielle Belastung in Bezug auf betriebliche Aufwendungen von maximal 1500-2000€ im Monat. Realistisch dürften die reinen betrieblichen Kosten oft noch darunter liegen. 

Wie lange können Fotografen in der derzeitigen Auftragslage finanziell überleben?

In unserer Umfrage im April 2020 war die Anzahl der Fotografen, die mit Geldern vom Privat- oder Firmenkonto länger als 12 Monate überstehen können, deutlich geringer als jetzt Anfang 2021.

Dies mag darauf zurückzuführen sein, dass Fotografen die eigenen betrieblichen Kosten reduziert haben und die zukünftige Umsatzentwicklung wieder etwas positiver gesehen wird.

Gleichfalls hat sich aber leider auch die Anzahl der Fotografen, die weder beruflich noch privat finanzielle Rücklagen haben, auf nunmehr 24% deutlich erhöht. Diese Fotografen sind auf laufende Umsätze angewiesen und stehen unter starkem finanziellen Druck. Unvorhersehbare weitere Belastungen können bei diesen Fotografen schnell gravierende Auswirkungen haben. 

Welche Optionen haben Fotografen genutzt, um betriebliche Ausgaben zu reduzieren?

Das Mahnen von offenen Rechnungen, die Reduzierung der Steuervorauszahlungen und der Krankenkassenbeiträge waren häufiger genutzte Ansätze, um Ausgaben in der Coronakrise zu reduzieren. 

Was planen Fotografen, wenn sich die Auftragslage nicht deutlich bessert? 

Freiberufliche Fotografen haben immer schon eine große Liebe zum Beruf bewiesen, egal, wie es gerade wirtschaftlich läuft. Somit ist nicht verwunderlich, dass über 60% vor allem nach anderen Arbeitsbereichen innerhalb der Fotografie suchen.

Eine Festanstellung können sich nur wenige vorstellen. ALG, Ruhestand und Grundsicherung finden sich im Chart unter „weiteres”. Hier waren Mehrfachnennungen möglich.

Wie viele Fotografen haben die staatlichen Corona Hilfen in Anspruch genommen und wie viel Gelder wurden ausgezahlt?

Knapp die Hälfte der Fotografen hat eine Corona-Unterstützung in Anspruch genommen. Davon mussten 18% die erhaltenen Gelder vollständig oder teilweise wieder zurückzahlen.

Je nach Bundesland wurde unterschiedlich stark geprüft, ob die beantragten und ausgezahlten Gelder nur für betriebliche Ausgaben verwendet wurden. Wenn diese Verwendung nicht nachgewiesen werden konnte, mussten Gelder teilweise oder auch vollständig zurückgezahlt werden.

Vergleicht man die durchschnittliche monatliche finanzielle Belastung durch betriebliche Ausgaben von 1500-2000€ (Chart Seite 10) mit den erhaltenen Hilfen, ist dies nicht verwunderlich. Da viele Prüfungen noch ausstehen, dürfte sich dieser Prozentsatz wahrscheinlich noch etwas erhöhen.

Im Chart zu sehen ist die Höhe der Beträge, die an Fotografen ausgezahlt wurden. Mit 45% hat der größte Teil der Fotografen Mitte 2020 rund 9000€ aus Bundes- und Landesmitteln als Corona Soforthilfe zur Überbrückung erhalten.

Nächste Woche geht es weiter mt Teil 2/8 - Beruf Fotograf / Wie ist die Auftragslage in der Fotografie mit Corona wirklich?

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Das letzte Jahr war für alle Fotografen anstrengend und extrem. Und dennoch sind auch in 2020 Fotos entstanden, die besonders sind. 

Egal, ob diese besonderen Fotos auf einem Job oder nebenbei entstanden sind. Egal, ob sie technisch besonders gut sind, oder eine persönliche Bedeutung haben: Lassen Sie uns diesen Arbeiten den Raum geben, den sie verdienen und einen Feed der Lieblingsfotos aus dem vergangenen Jahr zusammenstellen!

Das kann ein lustiger Schnappschuss sein wie der von Tamo Zelle: www.dolphin-systems.de

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oder ein intensives Portrait sein wie das hier von Jochen van Eden: Jochen van Eden

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oder ein persönliches Motiv wie das von H.D.Klein: www.hdklein.de

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oder natürlich auch eine künstlereische Arbeit wie die von Cordula Marienberg: www.https://codoma.de

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Machen Sie mit Ihrem Lieblingsmotiv mit und lassen Sie uns eine Seite zum Stöbern und als Rückblick auf das vergangene Jahr füllen!

Hier geht es zu den Bildern: www.berufsfotografen.com/best-of-2020

Wir freuen uns auf Ihren Beitrag!

Oben auf der verlinkten Seite finden Sie den Link “Ich will mitmachen”. Sie können zu Ihrem Bild gerne ein paar Zeilen schreiben: wie es entstanden ist, warum es Ihnen etwas bedeutet, oder bedanken Sie sich einfach bei Ihrem Kunden oder Ihrem Team!

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Und falls Sie interessiert sind, wie die best of's in den Vorjahren ausgesehen haben, hier die Links auf...

das best of 2019: www.berufsfotografen.com/best-of-2019

das best of 2018: www.berufsfotografen.com/best-of-2018

das best of 2017: www.berufsfotografen.com/best-of-2017 

und das von 2016: www.berufsfotografen.com/best-of-2016

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Direkt zur Jahresumfrage: klick hier

Dieses Jahr stand die professionelle Fotografie fast vollständig unter dem Einfluss von unvorhersehbaren Einflüssen. Aber wie stark haben Ausgangsbeschränkungen, Abstandsregeln und andere Vorsichtsmaßnahmen die professionelle Fotografie wirklich beeinflusst?

Wie sieht die Auftragslage derzeit aus und wie wird das nächste Jahr eingeschätzt?

Machen Sie mit bei der diesjährigen Jahresumfrage zur professionellen Fotografie: Zur Jahresumfrage Fotografie 2020

Wie in den Vorjahren auch senden wir Ihnen gerne ein PDF mit den Daten und der Kommentierung zu. Dazu senden Sie uns einfach eine Mail an die Adresse am Ende der Umfrage. So sind alle Ihre Angaben 100% anonym.

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BF: Hallo Frau Lass, was ist für Sie das Tolle am Beruf, warum sind Sie eigentlich Fotografin geworden?

Imke Lass: Für mich gab es eigentlich nie eine Alternative: ich liebe es, visuell Geschichten zu erzählen, bin unglaublich neugierig und lerne durch Erleben und Erfahrung, und ich möchte nie, wirklich nie aufhören zu lernen. Mein Beruf erlaubt mir, Menschen zu treffen, die ich sonst nie kennengelernt hätte, Einblicke in unterschiedliche Kulturen, Berufe, Lebensweisen, Landschaften zu erhalten, und so mein Verständnis von Leben und Erleben zu erweitern. Dabei können weiterlesen - zum Artikel

Welche finanzielle Belastungen haben die Fotografen?

Die größten Posten sind meist die Miete des Fotostudios, des Ladengeschäftes oder Büros. Glücklich kann sich somit derzeit schätzen, wer aus dem Homeoffice heraus arbeitet. Dies ist bei über 40% der Berufsfotografen der Fall.

Ein weiterer Posten sind Angestellte. Hier kommt den Fotografen zu gute, dass sie meist Einzelkämpfer sind. Lediglich 13% haben einen oder zwei Teilzeitangestellte. Angestellte in Vollzeit haben lediglich 8% der Berufsfotografen.


Wie hoch sind die betrieblichen finanziellen Belastungen im Monat?

Rechnet man alle Angaben zusammen, haben die meisten Fotografen eine betriebliche finanzielle Belastung von maximal 1500-2000€ im Monat. Realistisch dürften die reinen betrieblichen Kosten oft noch darunter liegen.


Wie lange können Fotografen diese Auftragslage finanziell überleben?

Über 60% der Fotografen können aus betrieblichen Rücklagen maximal zwei Monate einen Umsatzeinbruch wie diesen überleben. Mit den privaten Rücklagen sieht der Puffer etwas besser aus. Länger als ein halbes Jahr können aber auch hier nur 23% überstehen.

Wie sieht die Umsatzerwartung der Fotografen für 2020 aus?

Ohne Corona schätzen die Hälfte der Fotografen ihren Jahresumsatz auf 30-40.000€. Mit den derzeitigen Auswirkungen liegt die Prognose der Fotografen nur noch bei der Hälfte. Auch hier spielt die Unsicherheit eine große Rolle und entscheidend wird sein, wann man zum Tagesgeschäft zurückkehren kann.
Alarmierend ist hier der starke Rückgang von 14% auf 1% im Bereich der Fotografen, die einen Umsatz von über 100.000€ in 2020 erwartet hatten.


Was planen Fotografen wenn die Auftragslage sich nicht bessert?

Falls die Einschränkungen länger andauern und die Rücklagen aufgebraucht sind, müssen andere Wege gefunden werden, um den Lebensunterhalt zu verdienen. 29% der Fotografen können sich vorstellen, den Beruf zu wechseln. Zuerst allerdings will die Mehrzahl versuchen, innerhalb der Fotografie nach Verdienstmöglichkeiten zu suchen.


Wie viele neue Jobanfragen gab es in den letzten Wochen?

Wenn eine große Unsicherheit herrscht, planen in der Regel weder Unternehmen noch private Kunden längerfristig. Somit ist nicht verwunderlich, dass es bei den meisten Fotografen gerade kaum neue Jobanfragen gibt. 

Wie viele Fotografen haben die staatlichen Corona Zuschüsse beantragt?

Eine schnelle und unbürokratische Hilfe, um Zahlungsengpässe bei betrieblichen Kosten zu überbrücken, sind die staatlichen Corona Zuschüsse.
Hier haben überraschend viele Fotografen sowohl die Bundes- als auch die Landesmittel in Anspruch genommen.

Das Mahnen von offenen Rechnungen, die Reduzierung der Steuervorauszahlungen und der Krankenkassenbeiträge waren weitere häufiger genutzte Ansätze, um Ausgaben zu reduzieren.

Wie zufrieden sind Fotografen mit den staatlichen Zuschüssen?

Mit den staatlichen Zuschüssen sind die Fotografen: Derzeit gibt es eine hohe Zufriedenheit mit den staatlichen Zuschüssen und der schnellen Auszahlung. Lediglich 1% der Fotografen gab an, dass ihr Antrag abgelehnt wurde. 

Wie finden Fotografen die Einschränkungen, Abstandsregeln und Auflagen grundsätzlich?

Die Zufriedenheit spiegelt sich also auch hier wieder. Trotz der enormen Auswirkungen und finanziellen Einbußen herrscht ein großer Konsens darüber, dass die Einschränkungen sinnvoll und angemessen sind.

Welche Schlüsse kann man aus den Daten und der jetzigen Situation ziehen?

Die Auswirkungen auf professionelle Fotografen sind derzeit enorm und eine riesige Belastung. Einige Tage werden die meisten Fotografen die Verdienstausfälle noch mit Rücklagen auffangen können. Dauern die Beschränkungen bis in den Sommer, wird es für viele existenzbedrohend.
Somit hängt alles davon ab, wie schnell die Arbeit als Fotograf wieder möglich sein wird und ob jeder Fotograf für sich einen Weg findet, vorübergehend auf andere Art und Weise seine Lebensgrundlage zu sichern. Notfalls bietet sich die das vereinfachte Verfahren der ALG II Grundsicherung an, bis die fotografische Arbeit wieder möglich sein wird.
Bis dahin bleibt nur, die Zeit möglichst sinnvoll zu nutzen, offene Rechnungen einzufordern, vielleicht das Archiv zu vermarkten oder sich Gedanken zu machen, wie man sich nach dem Ende der Beschränkungen im Markt positionieren möchte und wie man neue Kunden akquirieren kann. Denn irgendwann wird es irgendwie weitergehen. Diese Zwangspause möglichst sinnvoll zu nutzen und Chancen zu suchen, ist die Herausforderung, vor der alle Fotografen jetzt stehen.

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Die Umfrage ist anonym, eine Auswertung der Daten schicken wir Ihnen gerne zu. 

Einen Artikel zu den staatlichen Corona Hilfe / Zuschüssen für Fotgrafen und worauf man bei der BEantragung achten sollte, gibt es hier: Corona Zuschuss Fotograf - worauf achten

Freiberufliche bzw. selbstständige Fotografen gehören zu den Berufsgruppen, die besonders stark von Auftragsrückgängen infolge der Corona-Maßnahmen getroffen sind.
Allerdings stehen ihnen je nach Bundesland nicht alle der nun bereitgestellten Hilfen zur Verfügung. Dieser Artikel soll einen Überblick über die Zuschüsse und die Voraussetzungen ihrer Inanspruchnahme geben.

Zuschuss aus dem Bundeshaushalt

Die Bundesregierung hat Mittel bereitgestellt, um Selbstständige kurzfristig zu unterstützen. Vorgesehen sind Zahlungen von EUR 9000,- für Unternehmen mit max. 5 Beschäftigten und EUR 15.000,- für Unternehmen mit max. 10 Beschäftigten. Ein selbstständiger Fotograf, der in der Regel keine oder jedenfalls weniger als 10 Beschäftigte hat, kommt also grundsätzlich als Anspruchsberechtigter infrage. Allerdings ist der Zuschuss aus dem Bundeshaushalt ausschließlich zur Zahlung von Betriebskosten bei akuten Liquiditätsengpässen im Unternehmen vorgesehen. Zu den Betriebskosten gehören alle betrieblichen Kosten, also beispielsweise die Büro- und Studiomiete, Versicherungen, Leasingkosten für Equipment, Personalkosten für die Angestellten und betriebsbezogene Kredite. Nicht umfasst sind folglich der Lebensunterhalt (also etwas die private Miete, Krankenversicherung und Essen) des Fotografen.

Soloselbständigen, freiberuflichen Fotografen, die aus dem Homeoffice arbeiten und keine oder kaum Betriebsausgaben haben, ist mit den Zuschüssen aus dem Bundeshaushalt also nicht geholfen, um privat weiter liquide zu bleiben.

Wer dennoch einen Zuschuss aus dem Bundeshaushalt für nicht betriebliche Ausgaben in Anspruch nimmt, kann am Ende eine böse Überraschung erleben, denn zu viel oder unberechtigt erlangte Gelder sind zurückzuzahlen. Auch muss dieser Zuschuss in der nächsten Einkommensteuererklärung angegeben und gewinnwirksam berücksichtigt werden. Und zudem versichert man bei Antragstellung an Eides statt, dass die Angaben wahrheitsgemäß sind. Falschangaben können eine Strafverfolgung wegen Subventionsbetrug (§ 264 StGB) zur Folge haben können. Die private Nutzung der Zuschuss aus dem Bundeshaushalt ist also alles andere als ein Kavaliersdelikt.

Zuschuss aus Landesmitteln

Zusätzlich den den Zuschüssen aus dem Bundeshaushalt haben die Bundesländer Zuschüsse aus Landesmitteln bereitgestellt. Hier ist es je nach Bundesland mehr oder weniger klar, wofür die Zuschüsse verwendet werden dürfen. Hessen schreibt deutlich: “Es geht nicht um Ihren Verdienst- oder Einnahmeausfall, sondern um den Liquiditätsengpass – also um laufende Verpflichtungen wie etwa Büromieten oder Leasingraten, die Sie aufgrund der Corona-Pandemie nicht mehr erfüllen können.” Auch Bayern weist darauf hin, dass Zuschüsse nur für Betriebsausgaben verwendet werden dürfen. Berlin hingegen nennt zum Beispiel auch das “eigene Gehalt” als Grund für die Inanspruchnahme auf den Zuschuss aus den Berliner Landesmitteln, der immerhin EUR 5.000,- beträgt. Allerdings leben Freiberufler meist von Privatentnahmen vom Geschäftskonto und zahlen sich kein Gehalt, sodass hier eine Unklarheit verbleibt. 
Eine Anfrage von Berufsfotografen bei den Pressestellen der einzelnen Bundesländer hat ergeben, dass man die Problematik sieht, aber in eingen Ländern noch keine abschließende Aussage zur Anspruchsberechtigung erteilen kann.

Die Beantragung eines Zuschusses aus Berliner Landesmitteln zur Finanzierung des eigenen Gehaltes scheint derzeit nicht per se missbräuchlich, eine Rückforderung sollte aber nach dem jetzigen Stand nicht völlig ausgeschlossen werden. In Bayern und Hessen wäre diese höchstwahrscheinlich missbräuchlich. In allen anderen Bundesländern sollte man sich vor Antragstellung um eine Klärung bemühen.

Grundsicherung

Wer auf der sicheren Seite sein möchte und aufgrund von Corona die laufenden Kosten der Grundsicherung wie Miete, Heizung, Krankenversicherung und Nahrung nicht tragen kann, sollte sich an die Arbeitsagentur wenden. In einem neuen, erleichterten Verfahren gibt es weder eine Vermögensprüfung vorab noch muss man die Selbstständigkeit aufgeben. In den ersten 6 Monaten erhält man als Erwachsener den Regelsatz für von 432 Euro pro Monat, dazu kommen ggf. Zuschüsse für im Haushalt lebende Kinder. Zudem werden die Kosten der Unterkunft (Miete und Nebenkosten inklusive Heizkosten) und die Krankenversicherung getragen.
Dennoch sollte auch hier bedacht werden, dass Rückforderungen drohen, wenn man sich nicht in einer finanziellen Notlage befunden hat, zB weil der Partner gut verdient oder man ein erhebliches liquides Vermögen hat.

Fazit

Corona Zuschüsse für Fotografen aus dem Bundeshaushalt - für Betriebskosten

Nur wenn der Betrieb aufgrund betrieblicher Kosten in seiner Existenz gefährdet ist, sollte man als Fotograf die Zuschüsse aus dem Bundeshaushalt beantragen und mit diesem auch nur die betrieblichen Verbindlichkeiten bedienen. Hier das Eckpunktepapier zu den Zuschüssen aus dem Landeshaushalt: Downloadhttps://www.bmwi.de/Redaktion/DE/Downloads/E/eckpunkte-corona-soforthilfe.pdf?__blob=publicationFile&v=4

Corona Geld für Fotografen aus dem Landeshaushalt - je nach Bundesland unterschiedlich

Zuschüsse aus dem Landeshaushalt hingegen unterliegen je nach Bundesland anderen Anforderungen. Ob ein Zuschuss aus Landesmitteln für die Grundsicherung verwendet werden darf, ist derzeit fraglich. Jedenfalls sollte die Verwendung “eigenes Gehalt” im Antragsformular offen gelegt werden, falls dort im Angaben zur Verwendung gemacht werden müssen.

Corona Unterstützung für Fotografen über die Grundsicherung - für die Lebenshaltung

Wer aufgrund fehlender Aufträge privat ohne Geld dasteht, sollte sich hingegen an die Arbeitsagentur wenden. Hier die FAQ zur Corona Grundsicherung: https://www.arbeitsagentur.de/corona-faq-grundsicherung

Nachfolgend die Liste der Antragsstellen für Landes und Bundesmittel:

Baden-Württemberg: Antragstellung bei und Vorprüfung durch IHK und HWK, Bewilligung durch L-Bank: Corona Hilfe Baden-Würtemberg

Bayern: Regierungen und Landeshauptstadt München: Corona Hilfe Bayern

Berlin: Investitionsbank Berlin (IBB): Corona Hilfe Berlin

Bremen: BAB Bremer Aufbau Bank BIS Bremerhavener Gesellschaft für Investitionsförderung und Stadtentwicklung mbH: Corona Hilfe Bremen 

Hamburg: Hamburgische Investitions- und Förderbank (IFB Hamburg): Corona Hilfe Hamburg

Hessen: Regierungspräsidium Kassel: Corona Hilfe Hessen

Mecklenburg- Vorpommern: Landesförderinstitut  Mecklenburg- Vorpommern: Corona Hilfe MV 

Niedersachsen: Investitions- und Förderbank Niedersachsen - NBank: Corona Hilfe Niedersachsen

Rheinland-Pfalz: Investitions- und Strukturbank RP (ISB): Corona Hilfe Rheinland-Pfalz

Saarland: Ministerium für Wirtschaft, Arbeit, Energie und Verkehr des Saarlandes: Corona Hilfe Saarland 

Sachsen: Sächsische Aufbaubank - Förderbank (SAB): Corona Hilfe Sachsen 

Sachsen-Anhalt: Investitionsbank Sachsen-Anhalt: Corona Hilfe Sachsen-Anhalt

Schleswig-Holstein: Investitionsbank Schleswig- Holstein (IB.SH): Corona Hilfe Schleswig-Holstein

Thüringen: Thüringer Aufbaubank Die Antragsannahme sowie Vorprüfungen erfolgen auch über die IHKn und HWKn: Corona Hilfe Thüringen

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Egal, ob diese besonderen Fotos auf einem Job oder nebenbei entstanden sind: Lassen Sie uns diesen Arbeiten den Raum geben, den sie verdienen und einen Feed der Lieblingsfotos aus dem vergangenen Jahr zusammenstellen!

Das kann dann ein ganz ruhiges Portrait sein wie das hier von Joachim Viking: www.joachimviking.com

oder ein perfekter Schnappschuss wie der von Jens Ahner: www.jensahner.com

oder ein Landschaftsmotiv aus ganz ungewöhnlicher Perspektive wie das von Oliver Windus: www.windus-fotodesign.de

oder natürlich auch eine spannende Street Fotografie Serie wie die von Martin Langer: www.langerphoto.de 

Machen Sie mit und lassen Sie uns eine Seite zum Stöbern, zum Austausch und als Rückblick auf das vergangene Jahr als Fotograf füllen!

Hier geht es zum best of und zu allen Bildern: www.berufsfotografen.com/best-of-2019

Wir freuen uns auf Ihren Beitrag!

Oben auf der verlinkten Seite finden Sie dann den Link “ich will mitmachen”. Sie können zu Ihrem Bild gerne ein paar Zeilen schreiben: wie es entstanden ist, warum es Ihnen etwas bedeutet, oder bedanken Sie sich einfach bei Ihrem Kunden oder Ihrem Team!

Und falls Sie interessiert sind, wie die best of's in den Vorjahren ausgesehen haben, hier die Links auf das best of 2018 www.berufsfotografen.com/best-of-2018, das von 2017 www.berufsfotografen.com/best-of-2017 und das von 2016 www.berufsfotografen.com/best-of-2016

Im sechsten Jahr in Folge haben wir auch dieses Jahr die Berufsfotografen in Deutschland zur aktuellen Lage in der professionellen Fotografie befragt. Lag der Fokus im letzten Jahr auf den Nutzungsrechten, ist eines der großen Themen in 2019 die mögliche Wiedereinführung der Meisterpflicht in der Fotografie. In dem Zuge stellt sich die Frage, ob Fotografie überhaupt noch ein Handwerk ist oder eher eine künstlerische Tätigkeit. Selten wurde ein Thema so kontrovers diskutiert und selten waren die Ansichten der Fotografen je nach eigener Ausbildung und Dauer der Berufszugehörigkeit so verschieden.

Wie hat sich die Fotografie in Zahlen in den letzten Jahren verändert? Wie viele neue Betriebe, Gesellen, Quereinsteiger und Meister sind dazu gekommen? Wir haben uns die Zahlen im Handwerk und gerade auch die Veränderungen in den letzten 20 Jahren genauer angesehen.

Darüber hinaus liegt ein Fokus in der Umfrageauswertung auf der Ausbildung und der Thematik der nebenberuflichen Fotografie. Wie viel Umsatz macht ein Fotograf, der nebenberuflich tätig ist? Und wie viel Jahresumsatz hat hingegen ein professioneller Fotograf durchschnittlich?

Natürlich gibt es auch in diesem Jahr wieder einen Abschnitt zum Berufsalltag, zu Kalkulationen, Pauschalpreisen, Nutzungsrechten, sowie Beispielkalkulationen zu fiktiven Aufträgen.

Das PDF kann hier heruntergeladen werden: BF Jahresumfrage Fotografie 2019

Gerne senden wir Ihnen auch eine gedruckte Version zu (kostenlos). Bei Interese schicken Sie einfach eine Mail mit Betreff "Jahresumfrage" und Ihrer Adresse an: mail@berufsfotografen.de

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Kaum ein Thema wurde unter den Fotografen so kontrovers diskutiert wie die mögliche Wiedereinführung der Meisterpflicht in der Fotografie.

Nachdem wir die befürwortende Stellungnahme vom CV vor einigen Tagen veröffentlicht haben, stellt sich natürlich die Frage, wie die anderen Verbände dieses Thema sehen. Wir haben um eine Einschätzung gebeten und haben von folgenden Verbänden und Unternehmen Stellungnahmen erhalten:

Lutz Fischmann von FREELENS weist darauf hin, dass eine Meisterpflicht über die Qualität im fotografischen Bereich gar nichts aussagt und stellt die Frage in den Raum, ob die Fotografie überhaupt noch ein Handwerk ist. Denn “alle rein handwerklichen Fähigkeiten in der Fotografie sind im Zuge der Digitalisierung und Popularisierung entfallen. Die Fotografie sollte daher komplett aus der Handwerksrolle gestrichen werden.”

Die Stellungnahme von FREELENS findet man hier

Jürgen Meister vom BFF sieht über einen “möglichen Protektionismus keine sinnvollen Argumente”, die eine Meisterpflicht in der Fotografie rechtfertigen. Gerade auch, da die meisten BFF Mitglieder mit Hochschulstudium oder als Quereinsteiger “mit außerordentlichem Talent sehr erfolgreich” sind.

Die Pressemitteilung des BFF kann man hier nachlesen

Wolfgang Kornfeld vom bpp sieht in einer Rückkehr zur alten Meisterpflicht beruflich keinen Mehrwert. Vielmehr empfiehlt er ein Umdenken in der Ausbildung und eine Spezialisierung und bessere Positionierung jedes einzelnen Fotografen.

Die Stellungnahme vom bpp kann man hier nachlesen

Klaus Lorenz vom AWI hält ebenfalls eher eine fundierte Ausbildung für wünschenswert, als eine Meisterpflicht und sieht nicht, dass eine Wiedereinführung zu höheren Honoraren noch zu einer besseren Qualität führt.

Die Stellungnahme vom AWI kann man hier nachlesen

Hans Starosta vom Centralverband der Berufsfotografen sieht einige Vorteile einer Wiedereinführung und hat diese auch dargelegt.

Die Stellungnahme des CV kann man hier nachlesen

Weitere Informationen zum Thema gibt es in unserem Artikel zur Fotografen Meisterpflicht Umfrageauswertung. Interessant sind auch die Grafiken zu den Veränderungen in der handwerklichen Fotografie in Bezug auf die Anzahl der Betriebe, Meisterprüfungen und dem Lehrlingsbestand: Anzahl der Meister / Gesellen / Betriebe in der Fotografie

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Es handelt sich derzeit um ein kontrovers diskutiertes Thema, bei der die Meinung der Fotografen vor allem von der eigenen Ausbildung abhängt. Wie nicht anders zu erwarten war, gab es in der Umfrageauswertung deutliche Unterschiede. So möchten die meisten Quereinsteiger, dass der Zugang zum Berufsfeld weiter offen bleibt und die handwerklich ausgebildeten Fotografen scheinen sich aus einer Wiedereinführung finanzielle Vorteile und eine Steigerung des Ansehens des Berufes zu erhoffen und sind somit größtenteils für eine Wiedereinführung.

Schauen wir uns die einzelnen Umfrageergebnisse einmal an. Am deutlichsten sieht man die unterschiedlichen Standunkte anhand der Frage, ob es eine grundsätzliche Meisterpflicht für alle Fotografen geben sollte. 97% der Quereinsteiger sind dagegen, 78% der Fotografenmeister sind dafür, immerhin 14% sind unentschieden und 8% sehen das als nicht zielführend an.

Erstaunlich differenziert sehen es die Gesellen. Hier ist ein Drittel dafür, ein Drittel unentschieden und ein Drittel dagegen. Scheinbar liebäugeln nur wenige Gesellen damit, überhaupt einen Meister zu machen. Es scheint einfach derzeit kaum einen Anreiz dafür zu geben. Im Jahr 2018 lag der Prozentsatz der Gesellen, die einen Meister gemacht haben, bei unter 10% (33 bestandene Meisterprüfungen bei 440 Gesellenprüfungen) 2007 gab es sogar nur 7 Meisterprüfungen. Dass dieser Rückgang nicht erst seit 2004 begann, lässt sich in den Grafiken gut erkennen in diesem Artikel zu den Zahlen im Handwerk Fotografie und zu den Veränderungen in den letzten 20 Jahren.

Wie sehen Fotografen einen Bestandsschutz für alle derzeitigen und eine Meisterpflicht für alle neuen Fotografen?

Etwas ausgeglichener antworteten die Fotografen auf diese Frage. Die Fotografenmeister waren hauptsächlich unentschieden, die Gesellen waren größtenteils dafür und die derzeit aktiven Quereinsteiger hauptsächlich dagegen. Eine Reglementierung lehnen diese mehrheitlich ab. Auch wenn dadurch weitere Konkurrenz entsteht.

Wie sehen Fotografen den Vorschlag, dass es weder jetzt noch später eine Meisterpflicht geben sollte?

Interessant sind die Antworten bei dieser Fragestellung. Denn wie bei der ersten Frage sind knapp 80% der Fotografenmeister dagegen, dass es weder jetzt noch später eine Meisterpflicht geben sollte. Die Gesellen hatten auf die Frage ob eine Meisterpflicht für alle aktiven Fotografen geben sollte, nur mit 30% mit nein gestimmt. Jetzt sind 64% dafür, dass jetzt oder eventuell später eine Meisterpflicht eingeführt werden sollte. Scheinbar wollen Sie die Möglichkeit offen halten, dass es einmal doch sinnvoll sein könnte.

Auch bei den Quereinsteigern ist das Bild ähnlich. Ein höherer Prozentsatz könnte sich in Zukunft eine Meisterpflicht vorstellen. Das lässt darauf zurückschließen, dass eine große Unsicherheit herrscht, was eine Wiedereinführung für den Einzelnen bedeuten würde. Gerade in Bezug auf einen Bestandsschutz und welche Auswirkungen / Chancen eine Wiedereinführung beinhalten könnte.

Wie setzten sich die befragten Fotografen zusammen?

64% der befragten Fotografen war hauptberuflich aktiv, 36% nebenberuflich. 75% der nebenberuflichen Fotografen hatten weniger als 1000€ Umsatz im Monat und dürften somit keine Konkurrenz für einen hauptberuflichen Fotografen sein. Bei den hauptberuflichen Fotografen gaben 70% an, sehr gut oder gut von der Fotografie leben zu können. 

Welche Ausbildung hatten die befragten Fotografen?

Knapp die Hälfte der Fotografen hatte eine handwerkliche Ausbildung, 32% waren Quereinsteiger und 22% gaben an, eine Ausbildung zu haben, bei der die Fotografie Bestandteil war. 

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass mit einer strikten Einführung einer Meisterpflicht kein Konsens zwischen Meistern und Quereinsteigern gefunden werden kann. Einer differenzierten Wiedereinführung stehen deutlich mehr Fotografen offener gegenüber.

Mehr zu diesem Thema gibt es unter diesen Links:

5 Argumente zur Wiedereinführung der Meisterpflicht und die Kommentare der Fotografen

In Bezug auf die Debatte um die mögliche Wiedereinführung der Meisterpflicht im Fotografen Handwerk ist es sinnvoll, sich die Daten der Handwerkskammer und auch die Argumente des Centralverbandes der deutschen Berufsfotografen etwas genauer anzusehen.
Gerade die Zahlen der bestandenen Gesellen- und Meisterprüfungen und die der neuen und abgemeldeten Betriebe sind interessant. Der grafische Chart weiter unten zeigt die Entwicklung der letzten 20 Jahre an, diese oberen zwei Grafiken beziehen sich auf den Zeitraum seit der Novellierung der Handwerksordunung im Jahr 2004.
Gerade im Verlauf der letzten 14 Jahre hat sich hier einiges verändert und es wird deutlich, dass die Handwerkskammern dringend Handlungsbedarf sehen.

So hat sich die Anzahl der Lehrlinge seit 1998 (2581) zu 2018 (1248) halbiert, die Anzahl der Gesellenprüfungen hat sich ebenfalls deutlich von 665 auf 440 reduziert. Die Anzahl der Betriebe im Handwerk der Fotografie hingegen ist von 4779 (1998) auf 29547 (2018) geradezu explodiert.
Den dramatischsten Rückgang hingegen gab es bei den Meisterprüfungen. Kamen 1998 auf 665 bestandene Gesellenprüfungen 140 Meisterprüfungen, waren es 2018 nur noch 33 bestandene Meisterprüfungen bei 440 Gesellenprüfungen. Machte also vor 20 Jahren noch knapp jeder fünfte Geselle den Meister, sind es jetzt weniger als 10%.

Dies ist übrigens nicht erst seit 2004 der Fall. Denn wie man in der Grafik weiter unten sehen kann, begann die Anzahl der bestandenen Meisterprüfungen schon im Jahr 1998 (140) deutlich nachzulassen. Im Jahr 2000 lag die Zahl bei unter 100 und erreichte den bisherigen Tiefstand im Jahr 2007 mit nur noch 8 bestandenen Meisterprüfungen. Dem standen im selben Jahr 558 bestandene Gesellenprüfungen gegenüber und 1722 Betriebszugänge. Es scheint für Fotografen derzeit kaum einen Anreiz zu geben, die Meisterprüfung abzulegen.

Dass die Handwerkskammer hier gegensteuern möchte, ist nachvollziehbar. Ob der Weg über staatliche Reglementierung zielführend ist, um den Meister wieder attraktiver zu machen, bewertet jeder sicherlich anders.
Deutlich sind die Veränderungen in dieser Übersicht zu sehen. Die Einteilung ist hier nicht linear, denn ansonsten wären die unteren Daten kaum sichtbar. (Ein linearer Chart, der die Dramatik deutlicher zeigt, ist am Ende des Artikels zu sehen).

Worin genau sieht der Centralverband deutscher Berufsfotografen nun begründet, dass es eine Meisterpflicht für Fotografen geben sollte?

Kurz zusammengefasst die anscheinenden Hauptgründe:
- dass es eine gesellschaftliche Verpflichtung zur Ausbildung geben sollte
- dass sehr viele Betriebe ohne große Ahnung und Ausbildung angemeldet werden
- die Gefahren im Umgang mit billigen Chinablitzen und die Gefahren im C41 Prozess, nassen Kollodiumverfahren und der Ambrotypie.

Ambrotypie ist laut wikipedia ein nasses Kollodiumverfahren, dass zwischen 1852 und 1890 als preiswerter Ersatz für die Daguerreotypie galt. Den genauen Wortlaut in der nachfolgenden Stellungnahme.

Hier die Stellungnahme des CVfoto:

"Der Centralverband kümmert sich um die berufspolitischen Belange aller Fotografen wie Ausbildungsrahmenplan, Gesellenprüfungsordnung, Meisterprüfungsverordnung oder Urheberrechtsfragen. Ein klares Ziel ist es deshalb auch, sich für Wiedereinführung der Meisterprüfung als Voraussetzung zur Berufsausübung stark zu machen, um besonders die Ausbildung zum Fotografen wieder zu stärken.
Hierfür sprechen auch die uns vorliegenden Zahlen: 2003 haben sich 262 Fotografen in die Handwerksrolle eintragen lassen, davon 84 mit Meisterprüfung (MP), also 32,1 %. 2006 waren es 5.022 Eintragungen, davon 36 mit Meisterprüfung, also 0,7 %. 2003 gab es 4.314 Fotografenbetriebe, 2016 waren es 23.918, davon 13.858 Soloselbständige. 2018 sind es sogar schon 29.547 angemeldete Betriebe. Das heisst, es melden sich sehr viele in unserem Gewerk an, ohne große Ahnung und Ausbildung und ohne ihre gesellschaftliche Aufgabe zur Ausbildung ausüben zu können.
2003 boten noch über 35 % aller Fotografen einen Ausbildungsplatz an, 2016 waren es nur noch 3,4 % (Quelle ZDH
Für eine ordentliche Ausbildung spricht auch heute noch die Gefahrengeneigtheit in unserem Beruf wie z.B. der Umgang mit Hochspannung in billigen Blitzequipment aus China oder auch jetzt, wo erstaunlich viele wieder analog arbeiten mit zum teil richtig ungesunden Prozessen (C41 Prozess, nasses Kollodiumverfahren, Ambrotypie etc.)

Selbstverständlich erkennt der Centralverband auch die anderen Ausbildungsformen wie Fotojournalisten oder studierte Fotodesigner an sowie die Ausnahmen die die HWO vorsieht."

Dazu gibt es auch einen Brief vom Bundesinnungsminister des Centralverbandes deutscher Berufsfotografen Hans Starosta an Carsten Linnemann, Vorsitzender der Mittelstands- und Wirtschaftsvereinigung, den man hier lesen kann.

Für die Handwerkskammer ist das vielleicht auch eine zwiespältige Angelegenheit. Denn einerseits sind die hohen Mitgliederzahlen in der Fotografie von den Beiträgen her gesehen wahrscheinlich eine gute Sache, andererseits ist die große Anzahl der An- und Abmeldungen genauso bedenklich, wie dass etliche nur den geringsten Kammerbeitrag zahlen dürften und somit kaum davon leben können. Da die Handwerkskammer auf Nachfrage keine Daten zu der Anzahl der Mindestbeitragszahler herausgegeben hat, ist die einzige Quelle der bpp - in diesem Artikel nachzulesen.

Mehr zum Thema auch unter diesen Links:

Die mögliche Wiedereinführung der Fotografen Meisterpflicht im Handwerk Fotografie - die pro und contra Argumente

Die Umfrageauswertung zur Wiedereinführung der Fotografen Meisterpflicht

Und hier noch der Chart zu den Veränderungen im Handwerk Fotografie in den letzten 20 Jahren mit linearer Einteilung. Die Dramatik der Änderungen ist recht eindeutig zu erkennen. Welche Möglichkeiten der Einflussnahme sinnvoll sind, dürfte jeder Fotograf je nach eigener Ausbildung sicherlich anders beurteilen. Dazu kommt in den nächsten Tagen noch ein Artikel, der die Auswertung der Umfrage zur Meisterpflicht kommentiert.

Im Zuge einer Umfrage, ob die mögliche Wiedereinführung der Meisterpflicht 2020 Im Handwerk Fotografie eine gute Sache wäre, haben die Befürworter und die Gegner recht deutliche Standpunkte. Schauen wir uns die Kommentare und Argumente einmal an, die im Zuge der Umfrage genannt wurden. Es gibt einige Thesen, die gerne genannt werden.

These 1): Eine Meisterpflicht führt zu einer besseren Qualität der Bilder in der Fotografie.

Schon bei dieser Frage zeigt sich ein grundlegendes Dilemma in der Fotografie, denn was eine “gute Qualität” ist, lässt sich kaum beantworten. Ist damit eine technische Qualität gemeint, ein möglichst interessantes Foto oder ein Foto, das den Kunden begeistert? Je nach Ausbildung und Arbeitsbereich gab es in der Umfrage zudem völlig unterschiedliche Ansichten, ob Fotografie ein Handwerk oder eine Kunstform ist. So steht die Aussage “Immer wieder liest man, dass Fotografen ohne Ausbildung besser sind. Das ist Blödsinn, genauso wie den Beruf des Fotografen als künstlerische Tätigkeit zu sehen. In erster Linie ist es eine handwerkliche Tätigkeit“ der Meinung gegenüber: “Fotografie ist eine gestalterische / künstlerische Tätigkeit und viele der besten und erfolgreichsten Fotografen sind Autodidakten.” Egal ob man nun selber die Fotografie als Kunst oder Handwerk sieht, ist die Ansicht “Kein Kunde kann einen Meister anhand der Bilder unter mehreren Fotografen herausfinden.” aufgrund der Verschiedenheit der Portfolios kaum belegbar. So stellt sich für Einige die Frage nach der Ausbildung oder einer Meisterpflicht gar nicht mehr: “Entweder jemand ist gut in dem, was er tut, oder eben nicht. Alleine das entscheidet. Die Ausbildung oder ein Titel spielt dabei keine Rolle. Ob man nun einen Meistertitel hat oder nicht, hat mit dem eigentlichen Können nur begrenzt zu tun.”

These 2): Eine Meisterpflicht erhöht die Innovationsfähigkeit.

Unstreitig ist, dass sich die Fotografie technisch radikal verändert und es immer neue Apps und technische Produkte gibt, die die Aufnahme und Bildberarbeitung signifikant vereinfachen. So ist die Ansicht nachvollziehbar, dass “Die Fotografie mit all ihren Zulieferern auf einem Niveau angekommen ist, das selbst mit einem guten Handy technisch bessere Bilder gelingen als mit professionellen Kameras zu Zeiten mit Meisterpflicht”. Da gerade junge Menschen offen gegenüber technischen Angeboten sind und nicht gelernt haben, wie man handwerklich “richtig” fotografiert, gehen gerade Quereinsteiger oft einen eigenen Weg. Von vielen wird die handwerkliche Ausbildung zudem als nicht mehr zeitgemäß empfunden “Gerade die Kreativität junger Fotografen ohne handwerkliche Ausbildung macht die Fotobranche heutzutage jedoch aus.” Die handwerkliche Ausbildung hinkt “deutlich hinterher”. Eine gegenteilige Ansicht war der Wunsch, Wissen zu bewahren: “Ein klares Ja zu einer fundierten Ausbildung. Denn ohne Meistertitel geht Wissen verloren.”

These 3): Die Meisterpflicht schützt den Verbraucher.

In der Fotografie gibt es keine Risiken für die Gesundheit der Kunden wie bei einem Dachdecker oder Fleischer. Somit lässt sich die Stärkung des Verbraucherschützer wohl nur darauf beziehen, dass man den Verbraucher vor schlechten Bildern schützen möchte, denn: “Ein großes Problem sehe ich bei den Kunden, die Qualität nur schwer erkennen. Hier hilft ein Meistertitel”. Man könnte es aber auch als eine Bevormundung des Verbrauchers sehen, denn “wenn jemand mit den schlechten Hobby Fotografen Fotos zufrieden ist, dann ist das seine Sache”. “Letztendlich sollte der Kunde über die Qualität entscheiden. Und ein Meisterbrief sagt nichts über die Qualität der Bilder aus.” Es ist da ähnlich wie bei einem Imbiss - man geht hin, wenn es schmeckt und nett ist, nicht weil der Betreiber einen Meister hat. So fasste es ein Fotograf in Kommentar zusammen, dass “eine Wiedereinführung in erster Linie wohl die Fotografenmeister, aber nicht den Kunden in der Fotografie schützen” würde.

These 4): Eine Meisterpflicht erhöht die Leistungsfähigkeit.

Für die einen bedeutet Leistungsfähigkeit, sowohl in einem Ladengeschäft zu stehen als auch fachlich korrekte Passfotos und Hochzeitsbilder zu machen, für den anderen in einem einzelnen Bereich möglichst spezialisiert und kreativ erfolgreich zu sein. Genauso verteilen sich dann die Argumente: “Der Meister ist in allen Bereichen ausgebildet.” und “Die Spezialisierung vieler Fotografen ohne Meisterbrief geht meist tiefer, sodass sich die besseren und kreativeren Fotos erklären lassen.” Ein Kommentar beschreibt die Situation recht deutlich: “Der moderne Fotograf ist Influencer / Social Media Gott / Consultant / Community Builder / Cutter / Drehbuchautor und Filmer / Drohnenflieger” und letztlich nur dann erfolgreich, wenn er sich auch vermarkten kann.

These 5): Eine Meisterpflicht verbessert die Wettbewerbssituation der Fotografen.

Je unregulierter ein Markt ist, desto stärker ist das Gewicht der Auftraggeber. Einzig die Entscheidung, ob die Auftraggeber den jeweiligen Fotografen buchen, entscheidet über das wirtschaftliche Überleben: “Die Kunst heutzutage liegt halt auch im Marketing und im Verkaufen seiner Leistungen zu einem angemessenen Wert”. Denn der “technische Fortschritt und veränderte soziale Ansprüche an Qualität, Quantität und Verwendung ist wichtiger, als ein Titel”. Natürlich würde eine Wiedereinführung eines Meistertitels “ einen gewissen Schutz eben gegen die Masse der Quereinsteiger und Möchtegernfotografen sein, die mit Ihren Dumpingpreisen den Markt schwer beschädigt haben” So vertrat ein Kommentator die Ansicht, dass den Umstand zu verändern, dass es aus Kundensicht “einem Kunden herzlich egal ist, wie der Fotograf seine Bilder macht (sowohl von der Ausbildung wie der Ausrüstung) solange am Ende die Motive / Bilder dabei rauskommen, die er sich wünscht.” nicht mehr möglich sein wird.

Wie kann man die geäußerten Meinungen zur möglichen Wiedereinführung der Meisterpflicht im Handwerk in der Fotografie zusammenfassen?

Die Gegner einer Wiedereinführung haben recht viele Meinungen und Argumente vorgebracht. Bei den Befürwortern geht es vor allem darum, etwas zu bewahren und die wirtschaftliche Situation zu verbessern, indem es eine Abgrenzung von Amateuren und Quereinsteigern gibt. Ein weiterer Punkt ist, dass der Beruf wieder mehr Wertschätzung erhalten soll, dass die eigene Arbeit Bedeutung und einen Wert hat.
Um das zu erreichen, scheint eine Wiedereinführung der Meisterpflicht in der Fotografie für Einige ein probates Mittel, um die Anzahl der Fotografen zu verringern und die Preise konstant zu halten. Gerade in Bezug auf die Honorare erhoffen sich viele Fotografen dringend eine Verbesserung. Genannt wurde außerdem der Vorschlag, feste, einheitliche Preise einzuführen. Da jeder Fotograf anders arbeitet, andere Kosten hat und mehr oder weniger Zeit für ein Foto benötigt und es immer schon eine große Spanne in der Qualität der Bilder gab, dürfte dieser Vorschlag, so charmant er auf den ersten Blick auch aussehen mag, auch mit der Wiedereinführung einer Meisterpflicht nicht umsetzbar sein.

Wie die Handwerkskammer dies sieht und wie dramatisch die Zahlen der neu angemeldeten Fotografen Betriebe, Gesellenprüfungen und Meisterprüfungen sich entwicket haben, dazu gibt es in wenigen Tagen einen weiteren Artikel, genauso wie dann die Auswertung der Umfrage zur Meisterpflicht veröffentlicht wird.

Im Herbst dieses Jahres könnte ein Gesetz zur Wiedereinführung der Meisterpflicht verabschiedet werden, von dem alle gewerblich tätigen Fotografen betroffen wären. Einen Betrieb gründen, bzw. ausbilden, dürfte dann nur, wer einen Meister gemacht hat.

Wie stehen Sie als professioneller Fotograf zu einer Wiedereinführung? Welche Argumente finden Sie stichhaltig?
Wir haben eine kurze Umfrage (4 Fragen) zu dem Thema online gestellt, in der die Argumente aufgelistet sind:

https://www.surveygizmo.com/s3/5075358/Meisterpflicht-f-r-Fotografen

Das Gesetz wird jetzt debattiert und soll im Sommer / Herbst verabschiedet werden. Noch ist etwas Zeit, Stellung zu nehmen!

Wie wurde die Meisterpflicht in der Fotografie in der Vergangenheit gehandhabt?

Wer in Deutschland einen Handwerksbetrieb führen wollte, benötigte seit Anfang des 20. Jahrhunderts einen Meisterbrief. Diese Einschränkung in der Berufsausübung wurde Mitte des letzten Jahrhunderts mit dem “Schutz wichtiger Gemeinschaftsinteressen” begründet und gesetzlich geregelt. 

2004 kam es dann aufgrund der hohen Arbeitslosigkeit unter der rot-grünen Bundesregierung zu einer Reduzierung der meisterpflichtigen Handwerksberufe von knapp 100 auf 41. Ziel war es, mehr Wettbewerb und Unternehmensgründungen zu ermöglichen. Seitdem ist die Fotografie ein zulassungsfreies Handwerk und die Zahlen der Fotografen haben sich deutlich erhöht.

Welche Argumente gibt es für eine Meisterpflicht in der Fotografie und welche dagegen?

Angeführt wird eine Erhöhung der Qualität, der Wettbewerbsfähigkeit, eine Verbesserung der Ausbildung, ein höherer Verbraucherschutz, bessere Weiterbildungsmöglichkeiten und Innovationen. Dagegen spricht vor allem, dass die Fotografie kein reguläres Handwerk ist, sondern eher eine Kunstform, die sich zudem schnell verändert. Zudem ist die Gesundheit der Kunden (wie bei einem Fleischer oder Dachdecker) nicht gefährdet. 

Die Jahresumfrage der professionellen Fotografen 2019 ist online - machen Sie jetzt mit!

Tagessätze, Buchungstage, Nutzungsrechte, overtime - wie ist die Lage und wo sind Zukunftschancen?

Machen Sie mit bei der diesjährigen Jahresumfrage und erhalten Sie Einblicke, wie es anderen professionellen Fotografen geht! 
Das ist anonym und dauert nur wenige Minuten. Das hier ist der Link auf die Umfrage der Berufsfotografen 2019 

Nicht erst seit der DSGVO herrscht bei vielen Fotografen eine Unsicherheit: Was darf man noch fotografieren, was veröffentlichen und wirtschaftlich verwerten, wenn fast alles um uns herum von Urhebern erschaffen wurde und jemand anderem gehört? Wenn Bauwerke, Menschen, sogar einzelne Farben geschützt sind? Wem gehört dann eigentlich ein Foto? Dem, der es gemacht hat, oder dem, der abgebildet ist? Und wer und wie werden all die Bilder vermarktet, auf denen man selber abgebildet ist?

Wenn Kameras mittlerweile erkennen, was man aufnehmen möchte und dann in die Bildgestaltung und Belichtung eingreifen, ist das noch die Wirklichkeit, die dann abgebildet wird? Was passiert mit uns, wenn Bilder automatisch aufgenommen werden, Algorithmen daraus Daten gewinnen und zu Profilen zusammenfassen?

Weltweit werden täglich rund zwei Milliarden Bilder auf Plattformen hochgeladen, welche Auswirkungen hat dies auf uns, unsere Wahrnehmung und die Fotografie?

Diese und vielen weiteren Fragen gehen Martin Baer & Claus Wischmann in Ihrem absolut sehenswerten Kinofilm “DER ILLEGALE FILM” nach. Der Dokumentarfilm sucht nach Antworten auf die Fragen beim Umgang mit der Bilderflut: Wer darf was und wen abbilden? Wer darf die Bilder sehen? Wer darf sie zeigen?

DER ILLEGALE FILM zeigt, wie schnell und tief greifend sich unser Umgang mit Bildern verändert, und steuert auf eine entscheidende Frage zu: Wie werden wir uns in einer Welt bewegen, in der „Realität“ und „Bild“ nicht mehr zu unterscheiden sind?

Hier der Link auf den Trailer: https://vimeo.com/278668516

DER ILLEGALE FILM läuft in ausgewählten Kinos, hier der Link auf die aktuellen Kinos. Ein Besuch lohnt auf jeden Fall!

BF: Hallo Herr Köster, Sie haben gerade Ihr erstes Buch veröffentlicht, einen Ratgeber für angehende Landschaftsfotografen. Es richtet sich somit also eher an Einsteiger in diesen Bereich? Was vermitteln Sie in dem Buch?

David Köster: Ja, es ist für Menschen geschrieben, die sich für die Landschafts- und Naturfotografie interessieren, und fotografisch noch recht am Anfang stehen oder gerade nicht so richtig wissen, wie sie anfangen sollen. Das fängt mit den Unsicherheiten bei der Ausrüstung an, über Bildsprache und grundlegende fotografische Elemente bis hin zur Bildbearbeitung. An diesem Punkt hole ich sie ab und zeige Ihnen Schritt für Schritt, was hilfreich ist. Diese Vermittlung der Grundlagen findet man im ersten Teil des Buches. Im zweiten Teil erkläre ich dann anhand von 50 verschiedenen Bildern, wie ich jedes einzelne davon praktisch umgesetzt habe. Das reicht dann vom location scouting über die Kameraeinstellungen bis hin zur Perspektive und dem Licht. Hier geht es dann um eine praxisnahe Erklärung, sozusagen um das Miterleben oder Verstehen, wie man es machen kann oder warum ich mich für eine bestimmte Lichtsituation oder Einstellung entschieden habe.

BF: Das klingt nach einer recht offenen Kommunikation Ihrer fotografischen Ideen und Ihrer Vorgehensweise. Habe Sie keine Bedenken, dass andere Sie nachmachen?

David Köster: Ich mag es einfach, Wissen weiterzugeben und andere Menschen an meinen Erfahrungen und Erlebnissen teilhaben zu lassen. Das tue ich ja ohnehin schon seit Jahren in meinem Blog. Wenn andere Fotografen dann meinen Prozess und Konzepte adaptieren, ehrt mich das ja eher, als das ich Angst hätte, dass mir etwas "weggenommen" würde. Die Gefahr eines Plagiats sehe ich nur bedingt, weil Fotografie ohnehin etwas sehr Persönliches, Subjektives ist und jedes erschaffene Bild unmittelbar immer mit dem Fotografen zu tun hat und daher per se einzigartig ist.

BF: Ein Buch zu schreiben, ist sicher keine Sache, die man mal einfach an einem Wochenende nebenbei erledigt. Wie hat sich das bei Ihnen ergeben?

David Köster: Ich hatte schon länger vor, ein ebook zur Landschaftsfotografie zu schreiben. Als dann der Verlag angefragt hat, ob ich Lust hätte, ein Buch zur Landschaftsfotografie zu schreiben, habe ich nach kurzer Überlegung zugesagt. Aufgrund des bereits angedachten ebooks hatte ich mir schon einige Gedanken gemacht und konnte zudem die Struktur und den didaktischen Ansatz im Buch zumindest teilweise aus meinen Workshops übernehmen. Dadurch war die Zeit, in der ich von der Kontaktaufnahme durch den Verlag bis zum fertigen Manuskript daran gearbeitet habe, mit 5 Monaten auch relativ kurz. Auch wenn es doch sehr viel Arbeit war, hat es Spaß gemacht und es ist natürlich schön, es das eigene Werk jetzt als gedruckte Version in den Händen halten zu können.

BF: Sie haben bereits erste Rezensionen zum Buch erhalten, das Feedback scheint sehr positiv auszufallen.

David Köster: Ja, in der Tat und das freut mich ganz besonders. Es ist ein wirklich schönes Gefühl zu erfahren, dass die eigene Arbeit und der ja recht große Aufwand von denjenigen gewertschätzt wird, für die man das Buch letztlich geschrieben hat: den Lesern. Vor allem auch, dass es nicht nur reine Anfänger sind, die einen Nutzen aus dem Buch ziehen können. Gerade der zweite Teil scheint auch für Fortgeschrittene interessant oder eine Inspirationsquelle zu sein. Und es sind ja auch einige Themen im Buch, die vielleicht auch für alte Fotohasen noch Neuland sind, etwa ein Kapitel über Nachtfotografie.

BF: Jetzt, wo dieses Buchprojekt abgeschlossen ist stellt sich natürlich die Frage, ob es weitere Projekte dieser Art geben wird?

David Köster: Tatsächlich ist schon das nächste Buchprojekt in der Pipeline. Es wird im Herbst 2019 in einem anderen Verlag erscheinen und ist Gemeinschaftsprojekt zusammen mit anderen Naturfotografen. Aber auch mit dem Humboldt-Verlag bin ich bereits im Gespräch zu neuen Titeln. Da wird also sicherlich früher oder später noch ein Nachschlag serviert.

BF: Vielen Dank für das Gespräch und viel Erfolg bei Ihren Projekten!

David Köster: Herzlichen Dank, dass Ihr Euch Zeit für das Interview mit mir genommen habt.

Mehr zu den Arbeiten von David Köster findet man auf seinem BF Profil, auf seiner Internetseite und einen Einblick in das Buch gibt es auf amazon (affiliate link). 

Ein Gespräch mit Herrn Köster gibt es hier zu lesen Beruf Landschaftsfotograf

Gerade ist das neue mfm Heft erschienen und bietet wieder viele Tabellen der marktüblichen Bildhonorare für die Berechnung von Nutzungsrechten.

Für diejenigen, die schon länger in der professionellen Fotografie tätig sind, ist die mfm mit den Tabellen ein Begriff und oft auch eine gute Unterstützung. Dennoch gibt es immer wieder Unklarheiten, wer die mfm eigentlich ist und woher die Daten kommen.

Im letzten Jahr war berufsfotografen in den Prozess der Erhebung und Auswertung involviert und somit ist es an der Zeit, diese möglichen Unklarheiten auszuräumen.

Wer oder was ist eigentlich die mfm?

Hinter der Abkürzung mfm steht die Mittelstandsgemeinschaft Foto-Marketing. Das ist ein Arbeitskreis des Bundesverbandes professioneller Bildanbieter e.V. (BVPA). In diesem sind neben den Bildagenturen auch Dienstleister der Bildbranche organisiert. Zur mfm gehören zudem die korporativen Verbände wie AGD, bff, BVAF, CV, DGPh, DJV, freeLens, ver.di und weitere sowie Portalanbieter der Bildbranche.

Wie lange gibt es schon den mfm Arbeitskreis und was ist der Sinn dahinter?

Die mfm wurde 1983 als Arbeitsgruppe des BVPA gegründet. Die mfm hat die Aufgabe, marktübliche Nutzungshonorare zu erheben und zu publizieren. Seit 2017 treffen sich Mitglieder der mfm, die korporativen Partner und Verbände mit Vertretern aus der Wirtschaft zum mfm round-table, um über die aktuelle Situation der Nutzungsrechte und Bildhonorare zu diskutieren. Die Informationen dieses Austausches fliessen in die Gestaltung der jährlichen Erhebung der Nutzungshonorare ein. Auf Basis dieser Erhebung erscheint dann die Publikation "mfm-BILDHONORARE" als Heft mit den Tabellen.

Woher stammen die Daten Bildhonorare in den mfm Tabellen und welchen Nutzen haben diese Listen?

In der mfm Liste werden die Daten wiedergegeben, die in einer Umfrage von Bildagenturen und einzelnen Fotografen übermittelt wurden. Dadurch entsteht eine Übersicht der marktüblichen Honorare, die dann als Durchschnittswerte dargestellt werden. Es handelt sich bei den Daten in den Tabellen somit nicht um Empfehlungen, sondern um eine Wiedergabe der erfassten Daten. 

Somit ist die Tabelle für Fotografen interessant, die Bildhonorare kalkulieren oder beim Kunden durchsetzen möchten, genauso wie für Bildredaktionen, Agenturen und natürlich auch für Gutachter, Rechtsanwälte und Gerichte.

Was ist neu in der mfm Tabelle 2019 und wie haben sich die Daten verändert? Sind die Preise der Bildhonorare eher gestiegen oder gefallen?

Das Heft ist schlanker geworden, denn einige Nutzungsarten werden nicht mehr erfasst und sind am Ende des Heftes nur noch im Archiv abgebildet. Das hat einfach den Grund, dass sich Märkte verschoben haben. Bei "Einblendungen als Bildschirmschoner" oder "Fotos in Lehrfilmen" und "Fotos auf Telefonkarten" ist der Markt mittlerweile einfach zu klein, um ihn abbilden zu können.

Wir haben uns deshalb einmal die anderen Werte angeschaut und verglichen, was sich in den letzten Jahren an den Bildhonoraren verändert hat. Das ältestes Heft, was wir vorliegen hatten, war die Ausgabe 2011.

So gibt es Bereiche, in denen sich die Bildhonoare kaum verändert haben. Im Bereich der Bildnutzung in Reisekatalogen oder im Fernsehen sind die erhobenen Daten fast identisch. Etwas anders sieht es zum Beispiel bei Prospekten aus, wo sich das ermittelte Bildonorar bei einer Auflage von 100.000 Stück und einer Abbildungsgröße von A6 von 2011 zu 2019 um knapp 20% verringert hat. 

Es gibt aber auch eine gegenteilige Richtung: Bei online Nutzungen haben sich die Bildhonorare in den letzten 8 Jahren teilweise um bis zu 30% erhöht. 

Zusammen gefasst lässt sich sagen, dass die mfm Erhebung nach wie vor ein "Standardwerk" im Bereich der Bildhonorare ist und jedem nahe gelegt werden kann. Darüber hinaus bildet das mfm Heft auch in diesem Jahr wieder weitere Honorarmodelle ab, wie den der VG Bild Kunst oder den der AGD.

Wie unterschiedlich Fotografen Nutzungsrechte handhaben, haben wir in einer eigenen Erhebung vor einigen Wochen herausgefunden. Die Zusammenfassung dazu findet man in diesem Artikel Nutzungsrechte als Fotograf berechnen - bringt das was?

Und wer darüber hinaus noch ganz am Anfang steht und sich vor allem auch noch unsicher ist, wie hoch der eigene Tagessatz sein sollte, dem ist unser Honorarrechner ans Herz gelegt. Denn es hilft wenig, sich um Bildhonorare und Nutzungsrechte zu kümmern, wenn man sich mit dem eigenen Tagessatz wirtschaftlich auf dünnem Eis bewegt.

Bezogen werden kann das Heft mfm Bildhonorare 2019 für 28€ unter diesem Link. Dort findet man auch eine Möglichkeit, das Heft als app auf dem Handy zu nutzen.

BF: Hallo Herr Köster, Sie haben sich mit Landschaftsfotografie auf einen Arbeitsbereich in der Fotografie spezialisiert, der bei vielen in der Beliebtheit ganz oben steht. Allerdings haben die Wenigsten einen Weg gefunden, auch wirklich davon zu leben. Wie ist das bei Ihnen?

David Köster: In der Tat ist es nicht ganz einfach, mit Landschafts- oder Naturfotografie allein seinen Lebensunterhalt zu bestreiten. Fotografisch gesehen ist es bei mir eine bewusste Entscheidung für diese Nische. Landschaftsfotografie ist der Bereich in der Fotografie, für die mein Herz schlägt.

BF: Wenn man sich Ihre Webseite ansieht, hat man das Gefühl, dass Sie ziemlich alle Möglichkeiten ausreizen. Sie geben Kurse, arbeiten für Zeitschriften und Unternehmen, verkaufen Bilder und haben ein Buch veröffentlicht. War das alles von Ihnen geplant, oder hat es sich eher nach und nach ergeben?

David Köster: Das war tatsächlich ein Prozess, teils geplant, teils unvorhergesehen. Auf jeden Fall mit viel trial and error. Nehmen wir das Beispiel Workshops. Das hat sich dadurch ergeben, dass mich vor einigen Jahren ein Fotoreise-Veranstalter angesprochen hat, ob ich mir vorstellen kann, Workshops zu geben. Bis dato hatte ich das Thema Wissensvermittlung so gar nicht auf dem Schirm. Schlussendlich hat es dann so viel Spaß gemacht, dass ich dabei geblieben bin. So ist dann ein Bereich nach dem nächsten dazu gekommen.

BF: Wie sind Sie eigentlich in die Fotografie gestartet, haben Sie eine handwerkliche oder schulische Fotoausbildung?

David Köster: Ich bin der klassische Quereinsteiger, der aus Liebe zur Fotografie zu dem Beruf gekommen ist. Mit allen Vor- und Nachteilen. Beibringen musste ich mir natürlich alles selber, vom Technischen über das Marketing bis hin zu Bildbearbeitung. Dafür konnte ich mir gewissermaßen Zeit und Muße nehmen. Bei jemandem, der eine Fotoausbildung absolviert hat und danach dann ausschließlich mit Fotografie Geld verdienen will, stellt sich das natürlich ganz anders dar.

BF: Wenn aus einem geliebten Hobby ein Beruf wird, führt dies nicht selten zu einer Frustration. Wie war das bei Ihnen?

David Köster: Die Leidenschaft zur Fotografie ist in jedem Fall geblieben, aber auch ich habe gemerkt, wie sich der Fokus schon deutlich verschiebt. Wenn ich anfangs einfach losgefahren bin und mich habe treiben lassen, plane ich jetzt viel stärker und oft auch unter dem Gesichtspunkt der späteren Vermarktung der Bilder. Durch die immer stärkere Professionalisierung hat sich bei mir vor allem die Struktur und die Arbeitsweise geändert. Ich denke aber, dass das ein ganz normaler Prozess ist, den auch viele andere Fotografen mit zunehmender Ambition durchleben, unabhängig davon ob sie mit der Fotografie Geld verdienen oder nicht. Auch ambitionierte Hobbyfotografen haben den Anspruch, möglichst gute Bilder zu fotografieren und planen und strukturieren Reisen und Shootings daher mit zunehmender Erfahrung.

BF: Wo Sie gerade von Planung sprachen. Sie reisen ja relativ viel und oft sind das ja auch keine günstigen Reiseziele. Wie gehen Sie eigentlich mit dem Druck um, Bilder nach Hause bringen zu müssen, auch wenn das Wetter nicht mitspielt?

David Köster: Ich hatte das gerade in Thailand, wo ich tagelang völlig unerwartet im Regen stand. Natürlich ist dann ein gewisser Druck da, den es früher so nicht gab und der vor allem aus einem persönlichen Anspruch heraus herrührt. Mittlerweile versuche ich möglichst vieles im Voraus zu recherchieren und zu planen. Sei es die Auswahl und Prävisualisierung der Fotospots in Google Maps/Earth oder die Planung der idealen Tageszeit und Lichtbedingungen. Im Grunde genommen ist das ein virtuelles Location Scouting im Vorfeld. Wenn dann doch alles ganz anders kommt als geplant, versuche ich das Beste daraus zu machen und flexibel zu sein. So wie in Thailand: dann wurde eben aus der geplanten Bildstrecke am Sonnenstrand ein Urwald- oder Höhlenshooting.

BF: Wie lange hat diese Professionalisierung gedauert, wie viele Jahre beschäftigen Sie sich schon mit der Landschaftsfotografie?

David Köster: Ich fotografiere seit ca. 15 Jahren, die ersten Schritte in die Professionalisierung waren ungefähr vor 6 Jahren. Landschaften begeistern mich aber bereits wesentlich länger. Ich erinnere mich noch gut, wie ich als Kind stundenlang an der Ostsee stehen und fasziniert in die Weite schauen konnte. Oder mit Vorliebe Bücher mit alten Landschaftsmalereien (Caspar David Friedrich, William Turner & Co.) verschlungen habe.

BF: Und wie sieht es eigentlich fotografisch bei Ihnen aus, reizen Sie auch andere Bereiche oder bleiben Sie der Landschaftsfotografie treu?

David Köster: Langfristig will ich der Landschaftsfotografie treu bleiben und mich dort weiter entwickeln. Zum einen gibt es noch so viele Orte, die mich interessieren und Ideen, die ich umsetzen möchte. Aber auch technisch und künstlerisch sehe ich noch viele Entwicklungsmöglichkeiten und neue Ansätze. Für die nahe Zukunft möchte ich mein Workshopprogramm ausbauen, ein zweites Buch ist in Planung und es gibt noch einige Zeitschriftenartikel zu schreiben. Als nächstes großes Fotoprojekt steht zudem Kamtschatka und einige andere osteuropäische Spots auf dem Programm für dieses Jahr. Somit bin ich mehr als ausgelastet.

BF: Wenn Sie neue Ideen wie das Buch oder Workshops haben, gehen Sie das eher spielerisch oder mit bestimmten Erwartungen an?

David Köster: Teils, teils. Natürlich kann ich vorher nicht sagen, ob etwas funktioniert oder nicht. Awards und Ausstellungen sind ein gutes Beispiel. Meine Bilder haben durchaus auch bei mehreren größeren Awards wie den ipa International Photography Awards gewonnen. Das ist einerseits schon hilfreich für die Vita und das Selbstmarketing, kostet aber auch Zeit und Geld. Und einen direkt ableitbaren Nutzen, zum Beispiel, dass eine Zeitschrift darauf Bezug genommen hätte, habe ich fast nicht gesehen. Ähnliche Erfahrungen habe ich mit Ausstellungen gemacht. Dafür laufen wiederum andere Bereiche wie meine Workshops oder Veröffentlichungen ganz gut. Somit teste ich einfach Sachen aus und sehe das als Lernprozess.

BF: Sie sind auch bei Freelens, was auf den ersten Blick eher weniger zu einem Landschaftsfotografen zu passen scheint. Wie kam das und wie sehen Sie das?

David Köster: Zum einen finde ich gut, dass Freelens sich für Belange von Fotografen einsetzt und auch Lobbyarbeit macht. Und auch wenn mein Portfolio sicherlich deutlich von einem typischen Freelens Fotografen abweicht, fühle ich mich dort repräsentiert. Zum anderen sehe ich mich nicht nur als reinen Fotografen, sondern auch als Bildjournalisten. Darunter verstehe ich, dass ich eben nicht nur Einzelbilder, sondern auch Bildstrecken, Reportagen und Fachartikel für Zeitschriften und Verlage erstelle.

BF: Worauf führen Sie eigentlich Ihren Erfolg in der Landschaftsfotografie zurück? Ist der Quereinstieg vielleicht mit einer anderen Herangehensweise verbunden und hilfreich gewesen?

David Köster: Ich denke, es ist eine Mischung aus verschiedenen Aspekten. In erster Linie stehen natürlich die Bilder. Ich glaube, sie sollten es schaffen, die Menschen "mitzunehmen", also Emotionen zu wecken. Zum Beispiel den Wunsch hervorrufen, auch an die abgebildeten Ort reisen zu wollen. Solche Bilder sind dann natürlich auch für Firmen interessant, die damit Produkte oder Reiseziele bewerben möchten. Wichtig ist es aus meiner Sicht auch, nicht jeder fotografischen Mode hinterher zu rennen und einen eigenen, wiedererkennbaren Bildstil zu entwickeln.

Bei mir ist es die eher romantischere, malerische, oft auch mysteriöse Sichtweise. Ich bleibe dem auch technisch treu. Meine Bilder haben meist einen hohen Farb- und Dynamikumfang und eine große Tiefenschärfe. Schwarz/weiß zu fotografieren würde für mich hingegen nicht stimmig sein.

Fotograf zu sein und schöne Bilder zu machen ist allein aber auch nicht ausreichend, um erfolgreich zu sein. Sich ein Netzwerk aufzubauen, Kontakte zu pflegen und Unternehmer zu sein, gehört genauso dazu. Auch das Auftreten gegenüber seinen Kunden und Partnern ist für mein Dafürhalten wichtig. Dabei verlässlich und authentisch zu sein und weder zu defensiv noch zu übertrieben zu agieren, ist sicherlich hilfreich. Zum Thema Quereinsteiger: Ich habe eine wirtschaftliche Ausbildung und eine langjährige Berufserfahrung in der Unternehmenskommunikation gearbeitet. Von diesen Skills profitiere ich natürlich heute. Der Mix aus diesen Punkten macht dann meines Erachtens den Erfolg aus.

Weitere Arbeiten und Informationen über David Köster findet man auf seinem BF Profil und auf seiner Webseite.

Über seine neue Buchveröffentlichung „Der Start in die Landschaftsfotografie“ (2019, Humboldt Verlag)“ kann man sich bei amazon (affiliate link) oder auf der Seite zum Landschaftsfotografie Buch informieren. 

Im Bereich der street photography herrscht bei vielen Fotografen seit der DSGVO eine große Unsicherheit in Bezug auf das Recht. So ist für viele nicht mehr klar, was man als Fotograf darf und worauf man in Deutschland gerade bei street photography achten muss. Wir haben Rechtsanwältin Dorothee Thum und Rechtsanwalt Frank Richert, von der Kanzlei DTS Patent- und Rechtsanwälte aus München, um eine Einschätzung gebeten.

Was Streetfotografie, die Aida und ein Möbelkatalog gemeinsam haben - Ein kurzer Abriss zu den rechtlichen Rahmenbedingungen der street photography in Deutschland.

von RAin Dorothee Thum und RA Frank Richert, DTS Patent- und Rechtsanwälte, München. 

Dank moderner Smartphonekameras ist Streetfotografie heutzutage rein technisch ein Kinderspiel. Über Bildsprache und Motiv bestimmt aber immer noch der Fotograf.

Gerade die Motivauswahl beeinflusst dabei nachhaltig die spätere Verwertbarkeit der angefertigten Straßenfotografien. Hierbei sind einige rechtliche Vorgaben zu beachten, damit die Fotografie, unabhängig von Stil oder Genre, später bestmöglich professionell verwertet werden kann.

Denn Straßenfotografien können eine Vielzahl von Rechtspositionen Dritter berühren, darunter insbesondere das Persönlichkeitsrecht von Passanten, das Urheberrecht des Architekten an dem Entwurf einer Gebäudefassade oder das Urheberrecht des Bildhauers an seiner Skulptur auf einem öffentlichen Platz.

Dass man dennoch nicht bei jeder street photography eine kleinteilige Rechteklärung durchführen muss, ist einer Reihe von rechtlichen Regelungen zu verdanken, die berücksichtigen, dass die Arbeit eines Fotografen im öffentlichen Straßenraum nicht unnötig erschwert werden darf, um nicht die Meinungs- und Kunstfreiheit – immerhin Grundrechte in Deutschland und Europa – negativ zu beeinflussen.

Die Panoramafreiheit in der street photography

Eine der bekanntesten dieser Regelungen ist die sogenannte Panoramafreiheit in § 59 UrhG. Hiernach dürfen Fotografien von urheberrechtlich geschützten Werken, die sich bleibend an öffentlichen Wegen, Straßen oder Plätzen befinden, nicht nur angefertigt, sondern auch nahezu uneingeschränkt kommerziell verwertet werden („zu vervielfältigen, zu verbreiten und öffentlich wiederzugeben“). Die Verwertungsfreiheit nach § 59 UrhG gilt dabei für Bauwerke und Kunstwerke im öffentlichen Raum gleichermaßen.

Zu beachten ist allerdings, dass die Fotos grundsätzlich nur aus der Perspektive eines Fußgängers auf der Straße gemacht werden dürfen. Sofern der Fotograf hingegen Hilfsmittel wie einen Kran, eine Drohne oder auch eine Verlängerungsstange verwendet, auf Bäume steigt oder aus anderen Gebäuden heraus fotografiert, werden die so angefertigten Fotografien nicht mehr von der Panoramafreiheit erfasst. Und die Nutzung abgebildeter Bau- oder Kunstwerke wird, soweit keine anderen Ausnahmen greifen, unzulässig.

Auch gilt die Panoramafreiheit grundsätzlich nur für Werke, die sich bleibend im öffentlichen Raum befinden. Hieran fehlt es, wenn Werke nur vorübergehend im öffentlichen Raum präsentiert werden. Dies war zum Beispiel beim verhüllten Reichstag von Christo und Jeanne-Claude der Fall. Da es sich nur um eine vorübergehende Präsentation handelte, durften Fotografien vom verhüllten Reichstag nicht auf Postkarten verwertet werden (BGH, 24.01.2002 - I ZR 102/99). Auch Fotografien anderer im Rahmen zeitlich beschränkter Aktionen und Ausstellungen sichtbarer Kunstwerke, etwa auf Plakaten, werden somit von der Panoramafreiheit nicht umfasst, auch wenn sie sich im öffentlichen Straßenraum befinden. Lediglich dann, wenn sich die zeitliche Beschränkung allein aus der natürlichen Lebensdauer eines zerfallenden Kunstwerks ergibt, wie es zum Beispiel bei Straßenmalereien, Eis-, Sand- oder Schneeskulpturen der Fall ist, wird das Merkmal „bleibend“ als erfüllt und die Verwertung entsprechender Abbildungen als zulässig angesehen.

Andererseits ist „bleibend“ nicht gleichbedeutend mit „ortsfest". So durften Fotografien des Kussmunds der Aida-Kreuzfahrtschiffe – als einem urheberrechtlich geschützten Werk der angewandten Kunst – aufgrund der Panoramafreiheit nach § 59 UrhG frei verwertet werden (BGH, 27.04.2017 - I ZR 247/15). Entscheidend und ausreichend war, dass sich Kreuzfahrtschiffe ihrer Bestimmung nach grundsätzlich an öffentlichen Orten befinden (z.B. Häfen und Wasserstraßen) und der Kussmund daher dauerhaft von der Öffentlichkeit wahrgenommen werden kann, ihr somit zeitlich uneingeschränkt „gewidmet“ ist.

Schließlich deckt die Panoramafreiheit grundsätzlich auch das Ablichten von Werken ab, die sich zwar nicht selbst auf bzw. an einem öffentlichen Ort befinden, die aber von einem solchen öffentlichen Ort aus von Passanten gesehen werden können. Alles, was zum öffentlichen Straßenbild zählt, kann grundsätzlich abgelichtet und verwertet werden. Die Panoramafreiheit dient insoweit dem Interesse der Allgemeinheit an der Freiheit des Straßenbildes und ist der zentrale Grundpfeiler jeglicher professioneller street photography.

Umgekehrt kann demnach alles, was nicht mehr zum Straßenbild zählt, auch nicht unter dem Mantel der Panoramafreiheit abgelichtet und verwertet werden. So endet die Panoramafreiheit insbesondere am Hausrecht von Gebäudeinhabern. Weder Fotografien in Innenräumen noch von Personen, die sich in den Gebäuden aufhalten, werden von ihr gedeckt. Einerseits haben Grundstückseigentümer nach geltender höchstrichterlicher Rechtsprechung die umfassende Befugnis, die Anfertigung und Verwertung von Fotografien von ihrem Grundstück aus zu regeln und zu verbieten (BGH, 17.12.2010 - V ZR 44/10; BGH, 20.12.2018 - I ZR 104/17). Andererseits kann insbesondere das Anfertigen sowie Verwerten von Fotoaufnahmen aus dem höchstpersönlichen Lebensbereich sogar strafbar sein (§ 201a StGB).

Beiwerk-Regelung in der street photography

Zweite Säule professioneller street photography ist die sogenannte „Beiwerk“-Regelung in § 57 UrhG. Nach dieser Regelung darf man Fotografien, auf denen fremde Werke abgebildet sind, anfertigen und umfassend verwerten, wenn die abgebildeten fremden Werke nur unwesentliches Beiwerk neben der eigentlichen Verwertung (kurz: der Fotografie) darstellen. Bei unbefangener Betrachtung scheinen damit auch sämtliche Werke im öffentlichen Straßenraum abgebildet und verwertet werden zu können, die sich entweder nur vorübergehend im öffentlichen Raum befinden oder die zwar öffentlich sichtbar sind, aber nicht zum Straßenbild gehören und damit nicht der Panoramafreiheit unterfallen.

Allerdings hat der Bundesgerichtshof entschieden, dass ein auf einer Fotografie abgebildetes Werk nur dann unwesentlich im Sinne von § 57 UrhG ist, wenn es überhaupt keine Rolle für die Bildaussage spielt und frei austauschbar ist (ohne dass es auffällt). Das Werk dürfe also in keiner Weise „erkennbar stil- oder stimmungsbildend […] oder eine bestimmte Wirkung oder Aussage unterstreichend […] in den eigentlichen Gegenstand der Verwertung einbezogen sein, einen dramaturgischen Zweck erfüll(en) […] oder sonst charakteristisch“ sein. Diese Aussagen traf der Bundesgerichtshof im Zusammenhang mit einer Fotografie in einem Möbelkatalog, in dem für die Produktpräsentation einer Wohnlandschaft ein zu diesem Zweck gezielt ausgewähltes Gemälde über eine Sofalandschaft gehängt und mit abgebildet worden war (BGH, 17.11.2014 - I ZR 177/13).

Auch wenn der konkreten Entscheidung des Bundesgerichtshofs, dass die Ausnahme für „unwesentliches Beiwerk“ nicht ein gezielt für die Produktpräsentation einer Sofalandschaft aufgehängtes Gemälde erfasst, zuzustimmen ist, sollten die im Zusammenhang mit einem kommerziellen Möbelkatalog aufgestellten Grundsätze auf die Streetfotografie jedoch nicht unreflektiert übertragen werden.

Denn da Streetfotografie gerade davon lebt, Atmosphäre und Geschehen eines öffentlichen Ortes in Momentaufnahmen einzufangen und somit nahezu jedes sichtbare (fremde) Werk stimmungsbildend für die konkrete Fotografie ist, liefe die Beiwerksregelung nach § 57 UrhG im Bereich der Streetfotografie im Ergebnis ansonsten leer. Es sollte daher zwischen dem gezielten Arrangement im Rahmen einer kommerziellen Produktpräsentation einerseits und dem künstlerischen Einfangen eines zufällig vorgefundenen Moments, wie er für die street photography charakteristisch ist, unterschieden werden. Der Straßenfotograf greift nicht dramaturgisch in das Geschehen ein, sondern er fängt einen vorgefundenen dramaturgischen Moment mit der Kamera ein. Soweit daher urheberrechtlich geschützte Werke, die nicht ohnehin der Panoramafreiheit nach § 59 UrhG unterfallen, auf einer Straßenfotografie mit abgebildet sind, sollte die Beiwerksregelung nach § 57 UrhG im Lichte der Kunstfreiheit nach Art. 5 Abs. 3 Grundgesetz weiter ausgelegt werden als bei einem Möbelkatalog. Denn da das Wesentliche einer Straßenfotografie das (vorgefundene) Straßenbild als Ganzes ist, mögen die Einzelheiten und auch ein mit abgebildetes Kunstwerk zwar „stimmungsbildend“ sein, sie sind jedoch als solche nicht wesentlich. Wesentlich ist die Straßenfotografie in ihrer künstlerischen Gesamtheit. Somit sollte die Verwertung einer künstlerische Straßenfotografie nach § 57 UrhG immer dann zulässig sein, wenn nicht das mit abgebildete Kunstwerk, sondern das Straßenbild als solches wesentlicher Bildinhalt ist. Rechtsprechung hierzu steht jedoch noch aus. Als Faustregeln sollte man jedenfalls im Hinterkopf behalten: die Beiwerksregelung könnte  grundsätzlich dann zur Anwendung kommen, wenn sich Objekte nur vorübergehend im Straßenraum befinden. Gezielte Arrangements (des Fotografen) unterfallen jedoch nicht der Beiwerksregelung.

Abbildung von Menschen in der street photography

Besondere Aufmerksamkeit ist bei der Streetfotografie schließlich auch stets der Abbildung von Personen zu widmen.

Hierbei sind nunmehr seit 2018 – jedenfalls im Bereich der Digitalfotografie – insbesondere die Vorgaben der europäischen Datenschutzgrundverordnung (DSGVO) zu beachten. Die Verwertung von Personenfotografien bedarf danach stets einer Berechtigung (Art. 6 DSGVO). Neben der Einwilligung und der Vertragserfüllung kennt die DSGVO vor allem eine Rechtfertigung bei Vorliegen berechtigter Interessen (Art. 6 Abs. 1 S. 1 lit. f) DSGVO). 

Ob „berechtigte Interessen“ vorliegen, ist anhand einer umfassenden Interessenabwägung festzustellen. Gegenüberzustellen sind die Interessen des Abgebildeten am Schutz seiner personenbezogenen Daten und die Interessen des Fotografen im Rahmen seines Rechts auf freie Meinungsäußerung und Informationsfreiheit. Zur letzteren zählen auch journalistische, wissenschaftliche, literarische oder eben auch künstlerische Zwecke.

Diese Aufzählung erinnert dabei zwar an die deutsche Regelung des Kunsturhebergesetzes (§§ 22f. KUG). Es ist derzeit jedoch sehr umstritten, ob die Regelungen des KUG nach Inkrafttreten der DSGVO überhaupt noch anwendbar sind. Auf die Einzelheiten soll an dieser Stelle nicht eingegangen werden. (Hierüber berichteten wir schon im Beitrag: "Personenfotos nach DSGVO - was muss ich als Fotograf beachten"). Auch wenn die grundsätzlichen Wertungen des KUG sowie der „alten“ deutschen Rechtsprechung zum KUG die zukünftigen Entscheidungen der deutschen Gerichte beeinflussen werden, steht jetzt schon fest, dass die Letztentscheidung der Europäische Gerichtshof treffen wird. Denn die DSGVO ist europäisches Recht.

Bei der Anwendung der DSGVO auf Straßenfotografien wird dabei in Zukunft auch den Grundrechten gemäß der Europäischen Grundrechtecharta, insbesondere der Kunstfreiheit eine besondere Bedeutung zukommen (Art. 13 GRCh). Denn obwohl Straßenfotografien regelmäßig „nur“ ein unverfälschtes Abbild der Realität wiedergeben wollen, handelt es sich aufgrund der vom Fotografen getroffenen „bewussten Auswahl des Realitätsausschnitts“ und „Gestaltung mit fotografischen Mitteln“ bei Straßenfotografien gleichwohl um „freie schöpferische Gestaltungen“ und somit um Kunstwerke. Dies hat kurz vor Inkrafttreten der DSGVO das Bundesverfassungsgericht zur parallelen Vorschrift des Grundgesetzes (Art. 5 Abs. 3 GG) festgestellt (BVerfG, 08.02.2018 - 1 BvR 2112/15). Denn auch in Straßenfotografien werden „Eindrücke, Erfahrungen und Erlebnisse des Künstlers durch das Medium einer bestimmten Formensprache, hier der Fotografie, zur Anschauung gebracht.“

In dem vom Bundesverfassungsgericht entschiedenen Fall durfte der Fotograf eine Straßenfotografie, die eine Frau erkennbar und identifizierbar in einem Kleid mit Schlangenmuster und Plastiktüte vor einem Leihhaus zeigte, unter Berufung auf die Kunstfreiheit (Art. 5 Abs. 3 GG) in einem künstlerischen Kontext (= Ausstellung) zeigen. Die Fotografie war laut BVerfG gerade deshalb nicht zu beanstanden, weil sie unverfälscht die Realität zeigte. Unzulässig war allerdings die blickfangmäßige Bewerbung der Kunstausstellung mit einem großformatigen Plakat der Fotografie an einer stark frequentierten Straße in Berlin. Die konkrete Art der Präsentation der Fotografie stellte eine zu gravierende Beeinträchtigung des Persönlichkeitsrechts der abgebildeten Frau dar.

Diese vom Bundesverfassungsgericht aufgestellten grundsätzlichen Wertungen dürften auch unter der DSGVO und den Grundrechten gemäß der Europäischen Grundrechtscharter weiter gelten. Der Fall der Dame im Kleid mit Schlangenmuster macht insoweit auch deutlich, dass nicht entweder immer das Persönlichkeitsrecht der abgebildeten Person oder die Kunstfreiheit des Streetfotografen überwiegt. Im Ausgangspunkt dürften daher auch unter der Geltung der DSGVO Streetfotografien im künstlerischen Kontext Personen erkennbar zeigen dürfen, ohne dass eine Einwilligung vorliegen muss. Es kommt jedoch immer auf die konkreten Umstände des Einzelfalls an. Ähnliche Überlegungen gelten für eine journalistische Verwertung im Bereich der Presseberichterstattung (so zumindest das OLG Köln, hier nachzulesen). Hingegen wird eine rein kommerzielle Verwertung von Straßenfotografien mit abgebildeten Personen ohne deren Einwilligung regelmäßig unzulässig und verboten sein.

Die Rechtsanwälte Thum und Richert sind Mitglieder der Kanzlei DTS Patent- und Rechtsanwälte Schnekenbühl und Partner mbB. Sie vertreten u.a. Fotografen, Agenturen, Archive und Museen aus ganz Deutschland in Fragen des Fotorechts und Bildrechts. Näheres dazu unter diesem Link der Kanzlei.

BF: Hallo Herr Rathay, auf Ihrer Internetseite finden sich neben der klassischen Business- und Porträtfotografie auch viele Landschaftsbilder von nah bis fern. Auch Regionen wie Brandenburg sind zu finden, die nicht unbedingt als klassische Urlaubsziele bekannt sind.

Thomas Rathay: Für mich hat Brandenburg einen persönlichen Bezug. Zum einen bin ich dort aufgewachsen, zum anderen mag ich diesen Mix aus dichten Buchenwäldern und Seen sehr. Es gibt natürlich auch andere spannende Orte in Deutschland, diese Ruhe und Einsamkeit in Brandenburg ist für mich dennoch etwas ganz Besonderes.

BF: Das klingt nach einer starken Bindung zur Natur? Kam das durch die Fotografie oder war das immer schon so?

Thomas Rathay: Ja, ich bin ganz klar ein Mensch, der sich draußen wohl fühlt und tatsächlich hat sich das erst über die Jahre entwickelt. Ich war ja etliche Jahre im elterlichen Konditoreibetrieb beschäftigt, bevor ich zur Fotografie kam. Natürlich habe ich schon damals gerne fotografiert und war draußen unterwegs. Das waren dann aber eher die klassischen Urlaube in Hotels und Pensionen. Erst in der fotografischen Ausbildung entwickelte sich es dazu, dass ich wirklich gerne unter Sternen im Zelt schlafe. Diese zwei Interessen zu verknüpfen und fotografisch in der Natur unterwegs zu sein, war eine Entwicklung, die sich für mich gut angefühlt hat.

BF: Die Outdoorfotografie scheint ein Standbein von Ihnen zu sein. Sehen Sie dabei die wirtschaftliche Komponente oder die Verknüpfung zweier Leidenschaften im Vordergrund?

Thomas Rathay: Ich bin relativ breit aufgestellt und biete neben Outdoor-, Business- und Eventfotografie auch Fotokurse an. Somit ist die Outdoorfotografie eines meiner Standbeine. Mittlerweile zählen auch einige Tourismusregionen zu meinen Kunden und beauftragen mich neben der klassischen Eventfotografie auch für Fototermine, die sich um Outdooraktivitäten oder Städteporträts drehen. Weitere Reisereportagen wurden in verschiedenen Magazinen und Blogs veröffentlicht. Als zweites Standbein bleiben aber immer noch Jobs im klassischen Businessbereich: Firmenpräsentationen, Events, Mitarbeiterporträts und Werbung. Mit den Fotokursen als drittes Standbein (drei Beine wackeln nicht ;) ) bin ich natürlich dann auch hauptsächlich draußen unterwegs.

BF: Mit Ihren Kursen sind Sie dann also immer aktiv draußen unterwegs?

Thomas Rathay: Ich biete keine reinen Kurse an, bei denen ich vor anderen in einem Kursraum stehe und etwas erzähle. Das spannende an den Kursen ist, dass mein Publikum durchmischt ist. Ich hatte einmal jemanden dabei, der seine erste Kamera frisch gekauft hatte und die haben wir gemeinsam ausgepackt. Da ging es dann erst einmal um elementare Grundlagen.
Aber es war auch einmal ein Franzose auf einem Workshop in Schweden, der sich kurz danach als Fotograf selbstständig gemacht hat.

BF: Das klingt, als würden sie gerne unterrichten.

Thomas Rathay: Es macht mir sehr viel Spaß eine Gruppe zu moderieren, sodass sich jeder weiter entwickelt. Gerade auch bei Menschen, die schon lange Fotografieren ist es toll zu sehen, wie viel Spaß sie haben, neue Sichtweisen oder Herangehensweisen auszuprobieren. Es ist auch schön zu sehen, dass sich die Teilnehmer untereinander unterstützen und das egal, welches Vorwissen sie mitbringen. Mit vielen bin ich immer noch in Kontakt und freue mich immer, wenn der ein oder andere etwas veröffentlicht oder ein tolles Foto schickt, was er ohne den Workshop vielleicht so nicht gemacht hätte.

BF: Nach welchen Kriterien suchen Sie sich eigentlich die Orte aus, an denen Sie Kurse geben? Gerade Schweden ist ja doch etwas entfernt und die Organisation sicher nicht einfach.

Thomas Rathay: Ich mache das ja mittlerweile schon im 12. Jahr und da hat es sich so ergeben, auch da ich mit einem Reiseveranstalter zusammen arbeite. Dadurch habe ich weniger diese organisatorische Komponente und kann mich mehr auf die Teilnehmer fokussieren. Auf Schweden bezogen gibt es zwei Regionen, im Sommer bin ich immer in Värmland und im Winter in Dalarna.

BF: Sie fotografieren ja auch viel in Deutschland. Wenn Sie dann einen Auftrag von einem Tourismusanbieter haben, wie gehen Sie dann vor? Das Wetter muss ja erst einmal passen und dann packen Sie Zelt und Verpflegung ein und machen sich auf die Reise?

Thomas Rathay: Das Wetter muss passen und da ist es von Vorteil, wenn die zu fotografierenden Regionen in der Umgebung liegen. Einfach loszuziehen würde aber auch nicht funktionieren. Es gibt meist einen konkreten Zweck, zudem ein Auftraggeber die Bilder benötigt. Wenn zum Beispiel ein neuer Wanderweg beworben werden soll, sind Bilder gefragt, die zeigen wie viel Spaß es macht, dort unterwegs zu sein. Das ist dann oft ein Mix aus Bildern mit Menschen und Naturaufnahmen. Für mich führt das nicht zwangsläufig dazu, dass ich den gesamten Weg wandere. Ein Fokus bei meiner Arbeit ist aber natürlich zu zeigen, was diese bestimmte Region landschaftlich ausmacht.

BF: Was macht denn Ihre Art der Fotografie aus, wo liegen die Unterschiede zu anderen Fotografen?

Thomas Rathay: Mir ist es wichtig, dass sich der Betrachter möglichst mit ins Geschehen auf dem Bild hineingezogen fühlt und nicht von außen auf die Situation schaut. Ich würde es eher als eine direkte, freudige Art der Fotografie bezeichnen. Wenn ich Spaß an der Fotografie habe, merkt das auch der spätere Betrachter und natürlich auch derjenige, den ich fotografiere. Diese Freude an der Natur und am Geschehen zu vermitteln ist mir schon ziemlich wichtig in meinen Bildern.

BF: Sind die Personen auf den Bildern dann Menschen, die zufälligerweise vor Ort waren oder ist das geplant?

Thomas Rathay: Gerade wenn ich für Tourismusverbände fotografiere handelt es sich oft um Mitarbeiter der Verbände. Was natürlich auch schön ist, denn die kennen sich in der Region aus, mögen die Natur und haben Spaß mitzumachen. Diese authentischen Menschen machen letztlich auch meine authenthischen Bilder aus

BF: Können Sie für sich selber festlegen, wann ein Foto ein gelungenes, gutes Foto ist?

Thomas Rathay: Wenn es mich emotional anspricht, es Lust darauf macht mehr zu erfahren. Sei es mehr über eine Region oder über den Menschen, der auf dem Bild abgebildet ist. Natürlich bin ich aber auch Dienstleister und meinen Auftraggebern müssen die Bilder gefallen. Es nützt dann nichts, wenn nur ich es schön finden würde.
Bei meinen freien Arbeiten ist es dann eher persönlicher. Wenn ich ein Bild anschaue und es ein Gefühl vermittelt, was ich bei der Aufnahme oder auch jetzt erst beim Ansehen habe, ist es für mich ein gelungenes Foto.

BF: Gibt es denn eine Region, in die Sie immer wieder gerne fahren und dennoch auch immer etwas Neues entdecken?

Thomas Rathay: Ich muss zugeben, Skandianvienfan zu sein, denn gerade dort entdecke ich immer wieder etwas Neues, gerade auch im Winter ist Schweden mit den sternenklaren Nächten und eventuellen Polarlichtern toll. Ich mag aber genauso Südfrankreich. Das Essen, die freundlichen Menschen und natürlich die Natur hat es mir angetan. In Deutschland ist es die schwäbische Alb, eine Region, die felsiger und schroffer ist, als man erst einmal denkt und sehr viele Reize hat. Luxemburg hat mich landschaftlich auch überrascht. Ich war für einen Auftrag dort und erst vor Ort ist mir bewusst geworden, dass das Land ein Wanderparadies ist. Und natürlich fühle ich mich Brandenburg immer noch sehr verbunden.

BF: Gibt es in der nahen Zukunft fotografische Projekte, auf die Sie sich freuen?

Ich bin im Sommer wieder in vier unterschiedlichen Städten auf der Schwäbischen Alb gebucht und zwei Touren mit dem Wohnmobil für ein noch sehr neues Magazin stehen an. In den Alpen und vielleicht auch wieder mal in Brandenburg.

BF: Vielen Dank für das Gespräch.

Weitere Arbeiten und die Kursangebote von Thomas Rathay findet man auf seiner Internetseite oder in seinem BF Profil Thomas Rathay. Seine Fotokursangebote findet man unter Das Abenteuer Fotografie

Von der Gründung von Berufsfotografen vor knapp 20 Jahren hat es etwas gedauert, aber jetzt ist es so weit: Auf Basis von Berufsfotografen startet jetzt unter dem Domainnamen fotografen.ch ein neues Portal in der Schweiz.

Mit den Verbänden sbf und uspp gibt es zwar schon etablierte Anlaufstellen für professionelle Fotografen. Und diese bieten neben inhaltlicher Arbeit natürlich auch Online-Präsentationen.

Dennoch bietet fotografen .ch zwei Vorteile. Eine Fokussierung auf die Präsentation der Arbeiten der Fotografen, so dass gerade mittelständige Unternehmen und Privatpersonen schnell einen passenden Fotografen anhand der Bilder finden können. Und zum anderen natürlich den Namen: Sucht man einen Fotografen, ist gerade aus Kundensicht dieser beschreibende Domainname selbsterklärend und einprägsam.

Zu finden ist die Seite für Schweizer Fotografen natürlich unter: fotografen.ch

Einträge sind ab sofort möglich und es wird spannend, wie sich das Projekt entwickelt. Gerade auch da neben der Konkurrenzsituation der deutschsprachige Raum in der Schweiz doch recht klein ist.

Egal, ob diese besonderen Fotos auf einem Job oder nebenbei entstanden sind: Lassen Sie uns diesen Arbeiten Raum geben und gemeinsam einen Feed der schönsten oder persönlichsten Lieblingsfotos aus dem vergangenen Jahr zusammenstellen!

Das kann dann ein emotionales Motiv sein das von Daniel Kondratiuk www.dako-photography.de

ein intensives Portrait wie das von Alexander Klebe https://alexanderklebe.de 

ein perfekter Schnappschuss wie der von Steven Herrschaft www.stevenherrschaft.com 

oder natürlich auch ein persönliches Motiv wie das von Nick Harwart http://www.nickharwart.com

Lassen Sie uns eine Seite zum Stöbern, zum Austausch und als kleine Rückschau auf das vergangene Jahr als Fotograf zusammen gestalten!

Machen Sie mit: www.berufsfotografen.com/best-of-2018

Wir freuen uns auf Ihren Beitrag!

Oben auf der verlinkten Seite finden Sie dann den Link “ich will mitmachen”. Und selbstverständlich können Sie zu Ihrem Bild dann auch ein paar Zeilen schreiben: wie es entstanden ist, warum es Ihnen etwas bedeutet, oder bedanken Sie sich einfach bei Ihrem Kunden oder Ihrem Team!

Und falls Sie interessiert sind, wie die best of's in den Vorjahren ausgesehen haben, hier die Links auf das best of 2017 www.berufsfotografen.com/best-of-2017 und 2016 www.berufsfotografen.com/best-of-2016

Wie wichtig sind Nutzungsrechte im Fotografen-Alltag im Jahr 2019? 

Die gute Nachricht zuerst: Bei der Zweitverwertung sind sich die Fotografen so gut wie einig. Der Großteil berechnet Nutzungsrechte und am häufigsten wird bei der Kalkulation die mfm Tabelle genutzt, aber dazu später mehr.

Wie sieht es aber beim eigentlichen Shooting aus, wie häufig nutzen Fotografen die Möglichkeit, dem Kunden Nutzungsrechte zu berechnen, oder die Nutzung des Bildes zu begrenzen?

Interessant ist bei der Frage, ob Nutzungsrechte bei der Kalkulation eines Shootings derzeit überhaupt eine Rolle spielen, vor allem auch die Verteilung. Nutzungsrechte sind für Fotografen entweder sehr wichtig, oder gar nicht. Es gibt bei dieser Fragestellung scheinbar kein Mittelfeld. Sicherlich wird das dann aber auch immer noch vom Arbeitsbereich und den jeweiligen Auftraggebern abhängig sein. 26% gaben an, dass Nutzungsrechte in 0% Ihrer Shootingkalkulationen eine Rolle spielen, bei 31% spielen sie in 100% der Fälle eine Rolle.

Wir wollten im nächsten Schritt herausfinden, ob es unter den Fotografen, die Nutzungsrechte kalkulieren, eine gemeinsame Handhabung gibt. Es scheint aber, als würde jeder Fotograf die Kalkulation der Nutzungsrechte beim Shooting völlig unterschiedlich handhaben. Schauen wir uns die drei größten Gruppierungen im Umgang mit der Kalkulation nun einmal genauer an:

Pauschalangebot mit uneingeschränkter Nutzung

Hier wollten wir herausfinden, wie häufig ein Fotograf die Nutzungsrechte in das Gesamtangebot mit einschließt, also einen Pauschalpreis macht, mit dem die Nutzung der Bilder uneingeschränkt möglich ist.

Für 13% der Fotografen ist es völlig normal, alle Nutzungsrechte mit einem Pauschalpreis abzugeben. Sie gaben an, dies in 100% aller Angebote so zu handhaben. Bei 17% kommt dies im Gegenzug nie vor.

Pauschalangebot mit eingeschränkter Nutzung

Wie häufig schließt ein Fotograf die Nutzungsrechte in das Gesamtangebot mit ein, macht also einen Pauschalpreis, begrenzt aber die Nutzung zeitlich, räumlich oder inhaltlich?

Auch in diesem Fall ist die Verteilung der Antworten recht gleichmäßig. Die Option dem Kunden Pauschalpreise mit inkludierten, begrenzten Nutzungsrechten anzubieten, wird von einem Großteil der Fotografen mehr oder weniger häufig genutzt.

Angebot unterteilt in Nutzungsrechte und Fotografenhonorar

Wie häufig nennt ein Fotograf in der Kalkulation Optionen für Nutzungsrechte getrennt vom Shootinghonorar und verhandelt diese mit dem Kunden separat?

Auch hier zeigt sich ein ähnliches Bild: Die Fotografen nutzen auch diese Option mehr oder weniger oft. Lediglich 21% nutzen sie nie, 19% so gut wie immer.

Ein einheitliches Bild unter den Fotografen ist somit nicht vorhanden. Das spiegelt sich auch in den Kommentaren wieder. Ein kleiner Auszug, wie unterschiedlich Fotografen die Berechnung von Nutzungsrechten beim Shooting handhaben:

"Nutzungsrechte berechne ich nur bei Archivbildmaterial"

"Neukunden erhalten ein Paket mit den uneingeschränkten Nutzungsrechten"

"Bei Neukunden werden Nutzungsrechte vereinbart. Bei Altkunden ist die Nutzung unbegrenzt, nur Weitergabe und Nutzung durch Dritte wird begrenzt."

"Ich berechne immer pauschal ein Drittel des Tagessatzes als ausschließliches Nutzungsrecht."

Holt ein Auftraggeber mehrere Kostenvoranschläge ein, werden sich diese fast immer auch in der Berechnung der Nutzungsrechte unterscheiden. Für beide Seiten ist dies verwirrend und aus Sicht eines Auftraggebers einfach oft nicht nachvollziehbar.

Wir wollten im nächsten Schritt wissen, wie die Fotografen, die Nutzungsrechte kalkulieren, deren Höhe festlegen.

Auf welcher Grundlage kalkulieren Fotografen die Nutzungsrechte bei einem Shooting?

So unterschiedlich wie Fotografen den Einsatz von Nutzungsrechten handhaben, stellt sich natürlich die Frage, auf welcher Grundlage die Kalkulation stattfindet. Hier haben wir zum einen nach der Kalkulation bei dem Shooting gefragt und zum anderen nach der Kalkulation bei einer Zweitverwertung des Bildmaterials.

Bei beiden Vorgängen spielt das Bauchgefühl eine wichtige Rolle. Also die Einschätzung dessen, was bei diesem Kunden möglich sein könnte unter Einbeziehung der Erfahrungen der Vergangenheit. Bei der Kalkulation der Nutzungsrechte beim Shooting spielt das Bauchgefühl sogar die wichtigste Rolle.

Um Nutzungsrechte beim Shooting festzulegen nutze ich:

Um Nutzungsrechte bei der Zweitverwertung festzulegen nutze ich:

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass Nutzungsrechte in der Fotografie von Fotograf zu Fotograf völlig unterschiedlich gehandhabt werden. Manche Fotografen versuchen Neukunden mit dem Verzicht der Berechnung zu ködern, andere verzichten gerade bei Bestandskunden darauf. 

Nicht wenige sind mit der Kalkulation überfordert und so ist es nicht verwunderlich, dass es derzeit eine Tendenz zu Pauschalpreisen gibt. Denn auf den ersten Blick scheint es sowohl für den Fotografen als auch den Auftraggeber schwierig zu sein, die Einhaltung der vergebenen Nutzungsrechte zu kontrollieren. Deshalb sich mit ihnen nicht auseinanderzusetzen, ist einfach, aber ob das dann auch langfristig wirtschaftlich sinnvoll ist, ist vom jeweiligen Arbeitsbereich und den sonstigen Ertragsmöglichkeiten abhängig und sollte letztlich sehr gut überlegt sein.

Erstaunlich ist, dass lediglich 19% der Fotografen den Beruf für einen zukunftssicheren Job halten, aber dennoch über 70% optimistisch in die Zukunft schauen.

Das dürfte damit zu tun haben, dass Fotografen langfristig unsicher sind, wie sich die Fotografie insgesamt entwickelt, aber für die nahe Zukunft und in ihrem eigenen Arbeitsbereich durchaus positiv eingestellt sind.

Diese auf lange Sicht unsicheren Zukunftsaussichten dürften auch der Grund sein, warum lediglich 22% der Fotografen den Beruf den eigenen Kindern ans Herz legen würden.

Fest steht, dass nur der Fotograf wirtschaftlich überleben wird, der sich neuen technischen Anforderungen anpasst und offen auf veränderte Kundenwünsche eingeht.

Auch in Zukunft wird es mehr Fotografen geben, als es wirtschaftlich sinnvoll wäre und das wird zu einem ständigen Verdrängungswettbewerb untereinander führen. Überleben und dazu noch wirtschaftlich erfolgreich zu sein werden vor allem diejenigen, die Nischen besetzen, sich gut vermarkten können und es schaffen, Kunden nicht nur ein gutes Foto, sondern das Shooting als Erlebnis zu gestalten.

Zum ersten Mal hatten wir bei dieser Umfrage fiktive Jobs vorgegeben, zu denen Fotografen eine grobe Kalkulation abgegeben haben. Wie zu erwarten war, gab es enorme Unterschiede - sowohl was die Anzahl der Stunden angeht, die die Fotografen für die Abwicklung kalkulieren, als auch in der Höhe der Honorare. 

Verdeutlicht hat sich, dass jeder Fotograf seine ganz eigene Kostenstruktur, eigene Erfahrungswerte und eine eigene Arbeitsweise hat. Nur so ist zu erklären, dass einige Fotografen den Auftrag "8 Architekturaufnahmen für ein mittelständisches Unternehmen inklusive Anfahrt, Fotografie und Nachbearbeitung" in weniger als 5 Stunden angeboten haben und andere dafür 2 Tage kalkulierten. Hier ist letztlich dann der Auftraggeber gefragt, der entscheiden muss, welche Qualität der Aufnahmen er benötigt und welches Angebot vom zeitlichen Rahmen seinen Erwartungen entsprechend plausibel klingt.

Eine anderer Grund für derart unterschiedliche Kalkulationen dürfte die Art sein, wie die Fotografen kalkulieren. Tabellen und Kalkulationshilfen sind weit abgeschlagen, 6% nutzen eine eigene Vorlage, 22% die mfm Tabelle. 90% hingegen kalulieren aus dem Bauch heraus.

Die Höhe des Honorars und die Berechnung der Nutzungsrechte machen so gut wie alle Fotografen abhängig vom jeweiligen Auftraggeber. Das heißt sie beziehen eigene Erfahrungen mit ein und machen die Höhe eines Angebotes davon abhängig, wie zahlungskräftig der jeweilige Auftraggeber scheint. 

Diese Herangehensweise in Verbindung mit unterschiedlichen Arbeitsweisen und Qualitätsansprüchen der Fotografen führt dann zu derart großen Unterschieden in Kalkulationen.

Das Oberlandesgericht Köln hat inzwischen in zwei Entscheidungen das Verhältnis von KUG zu DSGVO abgewogen. Wir haben zu den Auswirkungen für Fotografen Rechtsanwalt Frank Richert befragt, einen Fachanwalt für Urheber- und Medienrecht.

BF: Herr RA Richert, das Inkrafttreten der Datenschutzgrundverordnung (DSGVO) liegt jetzt schon etwas zurück. Trotzdem besteht immer noch Verunsicherung, welche Auswirkungen das neue Datenschutzrecht auf die Arbeit von Berufsfotografen hat, vor allem im Bereich der Personenfotografie.

RA Richert: Das ist leider richtig und auch angemessen. Die Datenschutzgrundverordnung wurde nicht für oder gegen Fotografen geschrieben, sondern hatte eigentlich ganz andere Player am (Daten-) Markt im Blick. Trotzdem gilt sie auch für Berufsfotografen als Unternehmer. Die meisten Fotografen dürften heute mit Digitalkameras arbeiten. Wenn dann Personen fotografiert werden – sei es als Einzelperson oder in der Gruppe – enthalten die Fotografien Informationen, die datenschutzrechtlich relevant sein können. Es geht nicht nur um die Metadaten der Bilddateien, sondern gerade auch darum, was man auf den Fotos erkennen kann.

BF: Wo liegt denn jetzt der Unterschied zur alten Rechtslage?

RA Richert: Vor Inkrafttreten der DSGVO galt in Deutschland der Grundsatz, dass die allgemeinen datenschutzrechtlichen Vorschriften nur dann Anwendung finden, wenn keine speziellere Regelung vorhanden war. Im Bereich der Verwertung von Personenfotografien war das sog. Kunsturhebergesetz (KUG) spezieller und damit vorrangig. Heute gilt dieser Vorrang nicht mehr. Die DSGVO enthält bspw. keine speziellen Regelungen zu Fragen der Veröffentlichung von Personenfotografien. Es gelten nun die allgemeinen Vorschriften. Hierzu zählt bspw. der Umstand, dass eine Einwilligung nach der DSGVO stets frei widerruflich ist (Art. 7 Abs. 3 DSGVO). In der Rechtsprechung zum KUG war anerkannt, dass eine Einwilligung (§ 22 KUG) grds. nicht widerruflich ist und ein Widerruf ggf. sogar Erstattungsansprüche auslöst.

BF: Herr RA Richert, man hat aber immer wieder gehört, dass das KUG auch unter der DSGVO weiter gelten würde. Hat bspw. das OLG Köln hierzu nicht sogar schon Entscheidung getroffen?

RA Richert: Das OLG Köln hat nunmehr bereits zum zweiten Mal zur Fortgeltung des KUG unter der DSGVO entschieden. Das OLG Köln kam beide Male zum Ergebnis, dass das KUG im Bereich der redaktionellen Bildberichterstattung immer noch Anwendung findet. Das bedeutet, dass nach Auffassung des 15. Senats des OLG Köln eine Bildberichterstattung in der Regel zulässig ist, wenn nach dem abgestuften Schutzprinzip des KUG bspw. (a) ein zeitgeschichtliches Ereignis vorliegt (§ 23 Abs. I Nr. 1 KUG) und (b) keine überragenden Interessen der abgebildeten Person entgegen stehen (§ 23 Abs. 2 KUG). Es handelt sich um folgende Entscheidungen: • OLG Köln, Beschluss v. 18.06.2018, Az. 15 W 27/18 (link) • OLG Köln, Beschluss v. 08.10.2018, Az. 15 U 110/18 (link) Das OLG fasst seine Rechtsansicht in der Entscheidung vom 08.10.2018 nochmals sehr prägnant zusammen: „Die Zulässigkeit von Bildveröffentlichungen ist nach der gefestigten und ständigen Rechtsprechung des Bundesgerichtshofes (...) nach dem sog. abgestuften Schutzkonzept der §§ 22, 23 KUG zu beurteilen (...). Jedenfalls im – hier betroffenen - journalistischen Bereich steht der Anwendung dieser Grundsätze, die im Zuge der Abwägung ohne weiteres auch mit den Vorgaben der Grundrechte-Charta in Einklang zu bringen sind, auch das Inkrafttreten der DS-GVO nicht entgegen (...).“

BF: Aber dann ist doch alles wie gehabt, oder?

RA Richert: Leider nein. Denn die Entscheidungen befassen sich nur mit der redaktionellen Bildberichterstattung und nicht mit der werblichen Nutzung von Fotografien. Ob das KUG im Rahmen der Unternehmenskommunikation (z.B. einer Kundenzeitschrift oder einem Imagevideo) oder in der klassischen Werbung überhaupt noch Anwendung finden kann, hat das Gericht nicht untersucht und auch nicht entschieden.

BF: Herr RA Richert, wie schätzen Sie denn allgemein die Situation ein?

RA Richert: Nach meiner Meinung kann das KUG nur noch im Bereich der Presse oder der Kunst Anwendung finden. Im Bereich der werblichen, kommerziellen Nutzung von Personenbildnissen hingegen nicht. In Art. 85 DSGVO finden sich sog. Öffnungsklauseln, die es den einzelnen Mitgliedstaaten (wie Deutschland) ermöglichen, durch eigene (nationale) Rechtsvorschriften einen gerechten Ausgleich zwischen dem Recht auf Schutz personenbezogener Daten und der Informationsund Meinungsfreiheit herzustellen: „1. Die Mitgliedstaaten bringen durch Rechtsvorschriften das Recht auf den Schutz personenbezogener Daten gemäß dieser Verordnung mit dem Recht auf freie Meinungsäußerung und Informationsfreiheit, einschließlich der Verarbeitung zu journalistischen Zwecken und zu wissenschaftlichen, künstlerischen oder literarischen Zwecken, in Einklang. (...)“ Hier ist aber nicht die Rede von werblichen bzw. kommerziellen Zwecken.

BF: Wann wird es denn Rechtssicherheit geben, ob sich Fotografen oder deren Kunden bei einer werblichen Bildnutzung wieder auf das KUG berufen können?

RA Frank Richert: Einen genauen Zeitpunkt kann man hier nicht nennen. Letztendlich ist es aber kein deutsches Gericht, sondern der Europäische Gerichtshof (EuGH), der letztendlich über die Auslegung der DSGVO entscheiden wird. Vermutlich wird es aber ein nationales Gericht sein, dass im Rahmen eines Gerichtsverfahrens diese Frage dem EuGH zur Entscheidung vorlegen wird. Wir müssen uns also noch etwas gedulden.

BF: Wie sollten sich professionelle Fotografen aus Ihrer Sicht bis auf Weiteres verhalten?

RA Frank Richert: Aus meiner Sicht sollte man sich – schon im eigenen Interesse – noch mehr um eigene Klarheit und Transparenz bemühen. In welchem Zusammenhang fertige ich die Fotografien an? Wozu sollen die Fotografien benutzt werden? Für eine eigene Vernissage? Für eine Werbekampagne eines Kunden? Für einen Pressebericht? Die Verarbeitung von personenbezogenen Daten darf nur zweckgebunden erfolgen, d.h. es muss von Anfang an feststehen, zu welchem Zweck die Personenfotografien angefertigt werden. Dies muss im Streitfall auch beleg- und nachweisbar sein. Daher wären Protokolle und Auftragsbeschreibungen sehr hilfreich. Aus dem Zweck die Personenfotografien ergibt sich dann wiederum, aufgrund welcher Rechtsgrundlage man die Fotografien auch datenschutzrechtlich konform verarbeiten, d.h. nutzen, kann. Dies ergibt sich in erster Linie aus Art. 6 DSGVO. Nur im Kontext redaktioneller Berichterstattung und der Kunst könnte sich überhaupt eine Rechtsgrundlage aus Art. 85 DSGVO i.V.m. §§ 22, 23 KUG ergeben. Soweit man Fotografien für Produkte anfertigt, die sowohl redaktionellen, als auch werblichen Charakter haben (bspw. eine Kundenzeitschrift eines Unternehmens) sollte man zur Sicherheit von einem werblichen, kommerziellen Zweck ausgehen.

Ferner sollte man im Hinterkopf haben, dass in der Regel zusätzliche Informations- und Hinweispflichten gegenüber der abgebildeten Person bestehen (Art. 12 ff. DSGVO). Hiervon gibt es zwar Ausnahmen. Ob diese gegeben sind, sollte man aber eingehend prüfen. Jedenfalls ist oftmals der Fotograf als erste datenverarbeitenden Stelle für die Erfüllung dieser zusätzlichen Pflichten verantwortlich. Hier liegt bereits der erste Ansatzpunkt für die Vertragsgestaltung mit dem Kunden. Im Bereich der Auftragsproduktion für Unternehmen oder (Werbe-) Agenturen sollte man nach Möglichkeit auf gecastete Darsteller setzen und nicht auf Mitarbeiter oder Kunden des Auftraggebers. Dies eröffnet wiederum gewisse vertragliche Möglichkeiten, die auch die Frage der Einwilligung regeln können. Dies sollte man gerade auch bei der Anfertigung von Fotografien für Fotostocks berücksichtigen.

BF: Herr RA Richert, vielen Dank für das Interview.

Rechtsanwalt Frank Richert ist Mitglied der Kanzlei DTS Patent- und Rechtsanwälte Schnekenbühl und Partner mbB dts-law.com und vertritt u.a. Fotografen und Agenturen aus ganz Deutschland in Fragen des Fotorechts und Bildrechts.

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Dieser Frage nachzugehen ist nicht ganz einfach, denn es gibt große Unterschiede unter den Fotografen. Und das selbst dann noch, wenn man sich nur auf einen Arbeitsbereich beschränkt. Nehmen wir beispielsweise die Porträtfotografie. Ein Fotograf, der ein Ladengeschäft in einer Kleinstadt betreibt, arbeitet meist für Privatkunden und hat dann oft mehrere Kunden am Tag. Ein großer Teil der Einnahmen sind Zusatzverkäufe wie Abzüge oder Alben, das eigentliche Aufnahmehonorar bzw der Tagessatz ist nur ein Teil der Kalkulation. Ein Porträtfotograf in einer Großstadt, der hauptsächlich für Unternehmen oder Werbeagenturen arbeitet, kann nur einen Auftraggeber am Tag bedienen. Meist sind diese Shootings aufgrund der Vorgaben der Auftraggeber aufwendiger, sowie zeit- und kostenintensiver. Um wirtschaftlich arbeiten zu können muss dies dann auch im Tagessatz eingepreist werden.

Wir haben deshalb in der Befragung drei andere Bereiche gewählt: Redaktionelle, werbliche und private Shooting und nicht nach Arbeitsbereichen unterteilt. 

Wie hoch ist der Tagessatz eines Fotografen bei redaktionellen Aufträgen? 

Im redaktionellen Bereich lagen die Honorare recht nah beieinander. 44% der Fotografen gaben hier einen Wert zwischen 600 € und 899 € an.

Im Durchschnitt berechneten Fotografen im letzten Jahr im redaktionellen Bereich 750 € Honorar als Tagessatz.

Dies mag vor allem daran liegen, dass viele Redaktionen einen festen Satz zahlen und es viel weniger Verhandlungsspielraum als in der Werbung oder bei privaten Auftraggebern gibt.

Wie hoch ist der Tagessatz eines Fotografen in der Werbung?

Im Durchschnitt berechneten Fotografen im Jahr 2017 im werblichen Bereich 1400€ Honorar als Tagessatz.

Erstaunlich ist hier, dass 21% weniger als 1000 € angegeben hat. Allerdings können diese recht geringen Tagessätze auch darauf zurückzuführen sein, dass jeder Fotograf unter dem Bereich “Werbung” etwas anderes versteht und somit auch kleinere Produktfotojobs oder Eventfotografie mit eingeflossen sind.

Im Privatkundenbereich variieren die Tagessätze noch extremer. Hier sind sowohl Portraitfotografen, Schulfotografen, als auch Hochzeitsfotografen vertreten.

Wie hoch ist der Tagessatz eines Fotografen bei Privatkunden? 

Im Durchschnitt berechneten Fotografen bei Privatkunden im Jahr 2017 rund 800 € Honorar als Tagessatz.

Interessant in diesem Zusammenhang ist, dass beinahe drei Viertel aller Fotografen ihren Tagessatz von Auftraggeber zu Auftraggeber variieren und sich bei der Einschätzung des Kunden vor allem auf das eigene Bauchgefühl verlassen. 

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Wir haben noch einige Restexemplare der diesjährigen Jahresumfrage. 30 Seiten voll mit Statistiken und kommentierten Charts zu all den Punkten, die für jeden Berufsfotografen interessant sein dürften.

Die meisten der auf BF eingetragenen Fotografen haben bereits ein Exemplar per Post erhalten. Für alle anderen ergibt sich jetzt die Chance, eines der letzten gedruckten Exemplare kostenlos zu erhalten. Und so gehts:

Einfach eine Mail an mail@berufsfotografen.de senden mit dem Betreff "Jahresumfrage" und der eigenen Postadresse, an die das Heft gesendet werden soll.

Wir schicken es dann in den nächsten Tagen gerne kostenlos zu (solange wir noch Restexemplare haben).

Bei weiteren Fragen zur Umfrage melden Sie sich natürlich ebenfalls gerne einfach per Mail.

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Es gab in Deutschland noch nie so viele Fotografen wie heutzutage. In den letzten 10 Jahren hat sich die Anzahl der in der Handwerkskammer gemeldeten Betriebe auf 24000 verdreifacht - und das hat natürlich Folgen. Denn auch wenn sich der Bedarf an Bildern in den letzten Jahren ebenfalls erhöht haben mag, übersteigt die Anzahl der Fotografen die Nachfrage deutlich. Dies führt in vielen Bereichen zu einem starken Konkurrenzdruck und dieser schlägt sich auf die durchschnittlichen Umsätze nieder.

Schauen wir uns die Zahlen etwas genauer an. Leider geben die einzelnen Verbände nicht einheitliche Daten heraus. So werden einmal nur Angaben zum Ertrag (nach Abzug der Ausgaben) gemacht, einmal nur der Umsatz genannt. So lag der Duchschnittsertrag der in der KSK registrierten Fotografen in 2017 (nach Ausgaben und vor Steuern) bei 17.800 € (männliche Fotografen knapp über 20 000 €, weibliche bei ca. 13 000 €).

Etwas besser sah es bei den den in der Handwerkskammer gemeldeten Fotografen aus. Der Durchschnittsumsatz, allerdings vor Ausgaben und Steuern, lag bei 57.000 € (2015)

Vor 10 Jahren war dieser noch bei über 100 000 €. Wie viele dieser Betriebe nebenberuflich arbeiten, wird nicht erfasst. Auch werden die Daten, wie viele dieser Fotografen nur den geringsten Kammerbeitrag zahlen und somit nach Abzug der Kosten unter 8400 € (Berlin) und 12 200 € (Düsseldorf) Jahresertrag erwirtschaften, nicht herausgegeben.

Allerdings hat der bpp diese Zahlen einmal für die Region Düsseldorf veröffentlicht: Im Jahr 2014 zahlten 86,5% der Fotografen dort nur den Mindestbeitragssatz. Es ist davon auszugehen, dass sich diese Werte nicht deutlich verändert haben dürften. Als Selbstständiger und eventuell mit Familie kann man mit diesen Erträgen dauerhaft sicherlich nicht über die Runden kommen.

Bei den von uns befragten Berufsfotografen war die Bandbreite des Jahresumsatzes enorm: Einige Spitzenreiter lagen bei über 500.000€, der durchschnittliche Jahresumsatz lag bei knapp 45.000€ im Jahr 2017. 

Dennoch ist erfreulich, dass recht viele Fotografen die wirtschaftliche Situation als positiv einschätzen. So gaben über 40% an, "eher ja" oder "absolut" gut von der Fotografie leben zu können. 

Zusammenfassend kann man sagen, dass der größte Anteil der Fotografen die wirtschaftliche Situation derzeit neutral bis leicht positiv sieht. Neben den Auftragsarbeiten waren die Einräumung von Nutzungsrechten und Bildverkäufe die umsatzstärksten Nebeneinkünfte im Jahr 2017.

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Eigentlich hatten wir erwartet, dass die Antworten auf die Fragen "wie man als Fotograf neue Kunden findet" und "welche Aktivitäten geplant sind, um Kunden zu akquirieren" ziemlich ähnlich sind. Dennoch verhält es sich anders:

So haben lediglich 16% über Facebook oder Google Werbung Kunden akquiriert und dennoch planen 50% den Einsatz einer dieser Werbeformen in der nahen Zukunft. Scheinbar überzeugt der relative einfache Einsatz dieser Werbung viele Fotografen, es trotz geringer Erfolgsaussichten erneut zu versuchen.

Ähnlich verhält es sich mit der Aussendung von PDFs. Lediglich 9% gaben an, mit Aussendungen erfolgreich zu akquirieren, zugleich planen aber 33% für die nächsten Monate die Aussendung von PDFs. 

Welche weiteren Faktoren Fotografen für wichtig oder Erfolg versprechend halten, kann man den beiden Grafiken entnehmen:

Neben der Vermarktung des bestehenden Dienstleistungsangebotes im Zuge der Kundenakquise kann der Umsatz natürlich auch gesteigert werden, indem die Fotografen ihre Angebotspalette erweitern.

Zusätzliche Einnahmequellen waren im letzten Jahr vor allem die Nutzungsrechte, Bildverkäufe, Studio- und Equipmentvermietung, Bildbearbeitung und Workshops.

Langfristig denken mittlerweile 50% der Fotografen, dass Video- und Fotobereich zusammenwachsen und dieser Markt dann gerade für Fotografen aussichtsreich sein könnte.

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Wie viele Tage arbeitet ein Fotograf in der Woche?

Die Arbeitszeiten sind zudem meist alles andere als regelmäßig und familienfreundlich. Ein knappes Drittel arbeitet häufig auch am Wochenende und solange, wie der Job an dem jeweiligen Tag dauert, ohne Overtime zu berechnen. Lediglich 14% der Fotografen haben feste Arbeitszeiten, eine 6 Tage-Woche ist für die meisten zudem Normalität.

Wie viele Fotografen haben feste Arbeitszeiten und wie üblich ist es, Overtime zu berechnen?

Wie strukturiert sich der Arbeitstag eines Fotografen?

In der Übersicht sieht man, wie die Berufsfotografen in einem durchschnittlichen Monat ihre Arbeitstage verbringen: Auf 6 Shootingtage kommen 6-7 Tage der Vor- und Nachbereitung. Akquise und Büroorganisation nimmt 4-5 Tage in Anspruch. Freie Arbeiten und Weiterbildung bilden das Schlusslicht mit lediglich einem Tag.

Interessant ist die Abweichung zwischen den Wochenarbeitszeiten und der Monatsaufteilung. So gaben 57% an, gewöhnlich an 6 oder 7 Tagen in der Woche zu arbeiten, was bei durchschnittlich 4,35 Wochen / Monat 26 Tagen entspricht. Zählt man die Angaben der Tätigkeiten zusammen, kommt man aber lediglich auf 20 Tage. Erklären lässt sich dies wohl am ehesten mit dem Gefühl eines Selbstständigen, „mit dem Job verheiratet zu sein“, so dass er die Fotografen, auch an freien Tagen, gedanklich begleitet.

Wer als Fotograf bestehen möchte, hat vor allem das Ziel, seinen Umsatz zu erhöhen, die eigene Marke zu stärken und sich zu spezialisieren. Denn nur wer vom Beruf leben kann, kann auch die Freiheiten genießen, die die Fotografie bietet. Auch wenn sich viele Menschen vorstellen, dass ein Fotograf ständig in der Weltgeschichte herumreist, ist dies nur für einen kleinen Teil der Werbe-, Architektur-, oder Reportagefotografen Realität. Die meisten Aufträge finden im 100km Umkreis um den Wohnort des Fotografen statt.

Ist als Fotograf zu arbeiten ein Traumberuf?

Dem gegenüber stehen aber unbestreitbare Pluspunkte des Berufslebens: Fotograf zu sein bietet ein selbstbestimmtes Arbeiten, einen kreativen Spielraum, freie Zeiteinteilung, sowie ein hohes Maß an Abwechslung bei guten Verdienstmöglichkeiten, sofern man es schafft, sich zu spezialisieren und am Markt zu etablieren. Alle diese Punkte führen zu einer starken Identifikation mit dem Job und dazu, dass für über 80% der Fotografen der Beruf ein Traumjob ist.

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Kann man als Fotograf Nutzungsrechte kündigen und worauf sollte man beim Vertragsschluss unbedingt achten?

Ein Gatsbeitrag von Rechtsanwalt Christian Kramarz, LL.M. (Medienrecht), Fachanwalt für Urheber- und Medienrecht

Wenn es zum Streit zwischen Fotografen und Auftraggeber über den Umfang der Rechteeinräumung kommt stellt sich die Frage:

Wonach bestimmt sich, wer welche Rechte an einer Fotografie hat?

In erster Linie bestimmt sich dies nach dem zwischen den Parteien geschlossenen Vertrag. Die Parteien müssen sich also über die Rechteübertragung einig sein. Ein solcher Vertrag muss nicht notwendigerweise schriftlich abgefasst sein. Immer wenn Sie als Fotograf jemandem die Möglichkeit geben die von Ihnen erstellte Fotografie zu nutzen, schließen sie einen Vertrag, auch wenn ihnen das in diesem Moment nicht bewusst ist. 

Nutzungsrechte

Wenn ein Vertrag über Nutzungsrechte schriftlich abgeschlossen wird, ist es im Interesse beider Parteien klar und eindeutig festzulegen, welche Nutzungsrechte überhaupt übertragen werden. Dabei unterscheidet man grundsätzlich das einfache vom ausschließlichen Nutzungsrecht. Bei Ersterem hat der Fotograf die Möglichkeit, weitere einfache Nutzungsrechte einzuräumen, beim ausschließlichen Nutzungsrecht erhält der Vertragspartner das alleinige weitere Nutzungsrecht an der Fotografie, sofern sich der Urheber nicht ein Nutzungsrecht zu seinen eigenen Gunsten vorbehält (§ 31 Abs. 3 S.2 UrhG). Der Inhaber eines ausschließlichen Nutzungsrechts hat das Recht Unterlizenzen an der Fotografie zu vergeben. Der Inhaber eines einfachen Nutzungsrechts hat dieses Recht nicht.

Daneben kennt das Gesetz die Beschränkung bezüglich des räumlichen, zeitlichen oder inhaltlichen Gehaltes des Nutzungsrechts. Zur Bestimmung, welche Nutzungsrechte überhaupt übertragen werden sollen, bietet sich der Katalog der §§ 15 ff. Urhebergesetz an. Dort unterscheidet der Gesetzgeber zwischen den körperlichen und den unkörperlichen Verwertungsformen. Für den Bereich der Fotografie ist insbesondere das Vervielfältigungsrecht, als das Recht, Kopien von der Fotografie herzustellen, wie das Verbreitungsrecht von Relevanz. Das Verbreitungsrecht bedeutet, dass die Abzüge der Fotografien in den Verkehr gebracht werden dürfen.

Die unkörperlichen Verwertungsrechte an Fotografien sind insbesondere das Recht der öffentlichen Zugänglichmachung, mit dem eine Fotografie im Internet gezeigt werden darf, wie das Recht der Wiedergabe durch Bild- oder Tonträger.

Schwierige Vertragsbeendigung

Beim Abschluss von Nutzungsverträgen kommt es immer auf die individuellen Verhältnisse und Bedürfnisse der Vertragsparteien an. Es ist aber insbesondere von großer Wichtigkeit sich vor Augen zu führen, dass ein einmal abgeschlossener Nutzungsvertrag nur im Ausnahmefall nachträglich gekündigt werden kann. Enthält der Vertrag ein ordentliches Kündigungsrecht, hat sich die Kündigung eben am Maßstab dieser Klausel zu richten. Ein außerordentliches Kündigungsrecht kommt überhaupt nur in Betracht, wenn der Vertragspartner seine vertraglichen Pflichten nicht nachgekommen ist.

Daneben lässt sich die Nutzungsrechteeinräumung zeitlich begrenzen. Ist vereinbart, dass die Nutzungsrechte nur für ein Jahr eingeräumt werden, kann sich der Fotograf wenigstens darauf verlassen, dass die Rechte nach einem Jahr an ihn zurückfallen.

Beim mündlichen Vertrag

Ein Vertrag über die Nutzungsrechte an Fotografien kann auch mündlich geschlossen werden. Aber dann beginnen natürlich die Probleme mit der Bestimmung der Reichweite der Rechteeinräumung.

Der Gesetzgeber hat in § 31 Abs. 5 UrhG eine Bestimmung getroffen, wie in Fällen zu verfahren ist, in denen es keine ausdrückliche Regelung der Rechteeinräumung gibt.

Ausschlaggebend für die Bestimmung der Reichweite der Rechteeinräumung ist demnach der Zweck des Vertrages. Stellt zum Beispiel ein Kfz Sachverständiger für sein Gutachten Fotografien des Schadens am Fahrzeug, dann ist der Vertragszweck die Erstellung des Gutachtens. Dieser Zweck erfordert es nicht, dass der Kfz Sachverständige als Fotograf umfassend das Recht der öffentlichen Zugänglichmachung der von ihm erstellten Fotografien an seinen Auftraggeber einräumt (BGH, Urteil vom 29. April 2010 – I ZR 68/08 –).

Ein Fotograf der einem Zeitschriftenverlag in den Jahren 1989-1993 das Recht der Vervielfältigung und Verbreitung seiner Fotografien eingeräumt hat, hat damit nicht automatisch auch das Recht eingeräumt, dass seine Bilder auf CD-ROM Sammelausgaben der Zeitschriftenjahrgänge verbreitet werden (BGHZ 148, 221-233). Dies ergibt sich bereits aus der Überlegung, dass die Nutzungsart der Verbreitung auf CD-ROM damals noch nicht bekannt war.

Sind die Nutzungsrechte nicht ausdrücklich einzeln im Vertrag benannt, gilt das nur diejenigen Nutzungsrechte eingeräumt werden, die zur Erfüllung des Vertragszwecks unbedingt erforderlich sind. Dies führt in der Konsequenz dazu, dass sich sagen lässt, dass in einer solchen Konstellation die Tendenz besteht, dass die Nutzungsrechte so weit wie möglich beim Fotograf verbleiben.

Fazit

Wer Nutzungsrechte an seinen Fotografien vergibt, tut gut daran sich das jeweilige Lizenzmodell gut zu überlegen. Lassen sich die Anforderungen der Kunden und die Wünsche des Fotografen standardisieren bietet es sich an allgemeine Geschäftsbedingungen zu formulieren. Auch diese müssen sich aber am Maßstab des Paragrafen 31 Abs. 5 UrhG messen lassen.

Rechtsanwalt Kramarz berät Fotografen und vertritt deren Interessen außergerichtlich und vor Gericht. Mehr Information zur Tätigkeit des Rechtsanwalts finden Sie unter www.kanzlei-kramarz.de. Mehr Information zur unberechtigten Nutzung von Fotografien und was man dagegen tun kann finden Sie im Internetangebot des Rechtsanwalts.

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Wichtig sind erst einmal zwei Begriffe und ihre Unterscheidung: Urheberrecht und Nutzungsrecht. Urheber ist derjenige, der das Foto erschaffen hat. Es besteht keine Möglichkeit, dieses Urheberrecht weiterzugeben. Wenn ein anderer das eigene Bild nutzen möchte, kann man ihm zur Verwertung ein einfaches oder ein ausschließliches Nutzungsrecht einräumen.

Darüber hinaus ist es grundlegend zu verstehen, dass eine fotografische Designleistung sich aus mehreren Komponenten zusammen setzt. Aus der Entwurfsleistung, sprich dem Foto, aus den Rechten an der Nutzung des Fotos, sowie aus allen anderen Produktionskosten wie Hotel, Verbrauchsmaterial, Assistenten, Kurieren, ect.

Sofern ein Foto eine künstlerische Gestaltungshöhe aufweist, ist es durch das deutsche Urheberrecht geschützt. Das bedeutet, dass jemand, der es nutzen möchte, dies nur mit der Zustimmung des Nutzungsrechteinhabers, sprich im Normalfall des Fotografen machen darf.

Die Vergabe von Nutzungsrechten ist in mehreren Abstufungen und Einschränkungen möglich und individuell an die Wünsche des jeweiligen Auftraggeber anpassbar.

So ist ein einfaches, räumlich, zeitlich und inhaltlich eingeschränktes Nutzungsrecht genauso möglich wie ein voll ausschließliches. Aber schauen wir uns die Begriffe einmal genauer an:

Wird für ein Bild ein einfaches Nutzungsrecht vereinbart, darf der Urheber daran auch Anderen einfache Nutzungsrechte einräumen. Der Fotograf kann ein Bild also zeitgleich mehrfach verwerten.

Bei einem ausschließlichen Nutzungsrecht ist eine Zweitverwertung ausgeschlossen. Der Fotograf kann das Foto keinem weiteren Kunden zur Nutzung überlassen.

Was viele dabei nicht wissen: Dieses ausschließliche Nutzungsrecht kann in zwei Abstufungen vereinbart werden: Als "eingeschränkt ausschließliches Nutzungsrecht", wodurch der Fotograf das Bild noch für sich nutzen kann, oder als "voll ausschließliches Nutzungsrecht". Bei diesem darf der Fotograf als Urheber das eigene Foto nicht mehr nutzen.

Sowohl das einfache, als auch das ausschließliche Nutzungsrecht können zudem zeitlich, räumlich und inhaltlich begrenzt werden.

So kann beispielsweise vereinbart werden, dass ein Foto für 2 Wochen (zeitlich) auf einem Aufsteller (inhaltlich) und nur auf dem Messegelände (räumlich) genutzt werden darf. Ebenso kann natürlich ein Nutzungsrecht weltweit, auf unbestimmte Zeit und / oder nur für Printprodukte vereinbart werden. Hier gibt es keine Einschränkungen und dies ist für beide Seiten gut: Der Fotograf behält die Möglichkeit nachzuverhandeln, wenn dem Kunden das Bild so gut gefällt, dass er es in einem weiteren als dem geplanten Umfang nutzen möchte und der Kunde zahlt nur für genau die Nutzung, die er benötigt.

Leider kommt es in der Praxis natürlich recht häufig vor, dass Kunden sich nicht auf Nutzungsrechte einlassen möchten. Hier liegt es dann im Ermessen des Fotografen abzuschätzen, welchen Vorteil das Foto für das Unternehmen bringt und diesen Wert in der Kalkulation anzusetzen. 

Derzeit handhaben Fotografen die Einräumung der Nutzungsrechte sehr unterschiedlich. So gibt es je nach Arbeitsbereich und auftraggeber große Unterschiede, ob Fotografen Pauschalangebote machen, in denen die Nutzungsrechte eingeschlossen sind oder diese separat aufschlüsseln und kalkulieren.

Für den Auftraggeber liegt der Vorteil eines zeitlich, inhaltlich und räumlich unbegrenzten Nutzungsrechtes auf der Hand: Er zahlt nur ein einziges Mal und muss sich keine Gedanken über mögliche Rechtsverletzungen machen, egal, wie er das Bild irgendwann einmal nutzen möchte.

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Unabhängig von den Einnahmen bieten Nutzungsrechte aber vor allem eine Planungssicherheit auf beiden Seiten. Der Fotograf wird bei einer intensiven Nutzung eines Bildes am wirtschaftlichen Erfolg beteiligt und der Auftraggeber zahlt nur für die Nutzung, die er wirklich benötigt.

Dennoch handhaben Fotografen die Einräumung von Nutzungsrechten recht unterschiedlich. Knapp 30% der Fotografen berechnen grundsätzlich keine Nutzungsrechte und ein ähnlich großer Anteil von 25% fast immer.

Wie üblich Nutzungsrechte sind, hängt immer auch von dem jeweiligen Arbeitsbereich und der Unternehmensgröße ab. Sie als Fotograf zu vernachlässigen und generell alle Nutzungsrechte abzugeben, mag aus Bequemlichkeit geschehen, oder ist dem Auftraggeber gegenüber nett gemeint, birgt aber das Risiko, dass ein Foto jahrelang genutzt wird, ohne dass der Fotograf am Erfolg teilhat.

Schauen wir uns einmal an, wie viele Einnahmen Fotografen aus Nutzungsrechten erzielen konnten und ob es lohnt, sich darum zu bemühen.

Bei 5% der Befragten lagen die erzielten Einnahmen durch Nutzungsrechte eines einzelnen Fotos bei über 15 000 €. Absolute Spitzenreiter waren zwei Fotografen, die über 70 000 € an einem Bild alleine durch Nutzungsrechte verdient haben. Aber auch wenn man diese Superlative weglässt und sich die durchschnittlichen Einnahmen anschaut, wird deutlich, dass auch hier Geld zu verdienen ist.

Aber wie genau kalkuliert man als Fotograf Nutzungsrechte?

Hier gibt es verschiedene Möglichkeiten. Zum einen bietet die Mittelstandsgemeinschaft Foto-Marketing ("mfm") eine Tabelle an, die sehr detailliert die üblichen Beträge für Nutzungen auflistet. Diese Tabelle ist vor allem für Zweitverwertungen nützlich. Zum anderen gibt es von der Allianz deutscher Designer ("AGD") und vom Berufsverband Freie Fotografen und Filmgestalter e.V. ("BFF") den Ansatz in Form von Nutzungsrechtefaktoren.

Jede Methode hat Vor- und Nachteile und ist letztlich auch immer nur eine Empfehlung, die an das jeweilige Unternehmen bzw an den Nutzen, den das Unternehmen aus der Nutzung des Bildes ziehen kann, angepasst werden muss. Viele Fotografen verlassen sich deshalb bei der Kalkulation der Nutzungsrechte auch eher auf ihr Bauchgefühl, denn auf starre Vorgaben.

Wichtig ist aber vor allem, schon bei der Kalkulation eines Auftrages das Thema nicht unter den Tisch fallen zu lassen. Und auch wenn der Auftraggeber partout keine Nutzungsrechte zu zahlen gewillt ist, man den Auftrag aber dennoch machen möchte, sollte man zumindest einen Kompromiss suchen und nur ein einfaches Nutzungsrecht einräumen, bei dem die Nutzung zeitlich und inhaltlich begrenzt ist. Dadurch kann man zumindest verhindern, dass ein Foto dann wider Erwarten dauerhaft genutzt wird, ohne dass man als Fotograf am Erfolg partizipiert.

Um genauer zu erheben, ob, wann und welche Nutzungsrechte von Fotografen im Jahr 2018 kalkuliert werden und wie einfach es ist, diese beim Auftraggeber durchzusetzen machen wir derzeit eine Umfrage. Herausfinden wollen wir auch, ob   die gängigen Kalkulationsmodelle ausreichend sind. Bitte machen Sie unter diesem Link mit und teilen Ihre Erfahrungen als Fotograf: Ihre Meinung zu Nutzungsrechten 2018 - die kurze Umfrage

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Denn auch wenn sich in den letzten 10 Jahren die Anzahl der in der Handwerkskammer eingetragenen Fotografen verdreifacht hat, nimmt der Anteil der Betriebe, die handwerklich ausbilden und die der Auszubildenden, immer weiter ab.
So machten zuletzt jährlich zwischen 500 und 600 Auszubildende die Gesellenprüfung, während jedes Jahr knapp 1000 Fotografen über andere Wege in den Beruf starteten.

Deutlich wird diese Dynamik auch in unseren Jahresumfragen. So gaben 2014 noch 41% der Befragten an, eine handwerkliche Ausbildung durchlaufen zu haben, wohingegen 2017 die größte Gruppe der Fotografen autodidaktisch oder über Assistenzen und Praktika den Weg in die professionelle Fotografie gefunden hat. Gerade bei absoluten Quereinsteigern dürfte es sich in den ersten Jahren um ein “learning by doing” im Job mit ungewissen Erfolgsaussichten handeln.

Diejenigen, die vorab zumindest Praktika und Assistenzen absolviert haben, dürften auf den Arbeitsalltag besser vorbereitet sein und sich den Chancen und Risiken durchaus bewusst sein. Ob dies ausreicht, um ohne Ausbildung langfristig bestehen zu können, hängt zum großen Teil von der Motivation und dem Durchhalte- und Lernvermögen jedes Einzelnen ab.

Der Rückgang der handwerklichen Ausbildung spiegelt sich auch in der Meinung der Fotografen wieder, ob die Ausbildung noch zeitgemäß ist: Lediglich 27% hielten die Ausbildung in der jetzigen Form für zielführend.

Schaut man etwas genauer hin, kommen auf 24 000 handwerkliche Betriebe im Jahr 2017 nur noch 530 bestandene Gesellenprüfungen und 1390 Auszubildende. Somit bildet mit rund 5% nur noch ein ganz kleiner Anteil der Betriebe aus.

Das ist umso trauriger, da viele Fotografen in der Umfrage angegeben haben, Ihre Erfahrungen gerne weitergeben zu wollen. Somit scheint ein deutlicher Handlungsbedarf bei einer Erneuerung der handwerklichen Ausbildung zu bestehen.

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Nutzt ein Unternehmen die Fotos eines Fotografen intensiver, als es im eigentlichen Auftrag vereinbart wurde, verhandelt man gewöhnlich eine nachträgliche Lizenzgebühr.

Sofern der Umfang der Nutzung klar ersichtlich ist, ist dies nicht sonderlich aufwendig. Was aber, wenn ein Unternehmen die Bilder an seine Kunden weitergibt, die damit dann die Produkte verkaufen?

In einem solchen Fall haben Dirk Feldmann und Dr. Sebastian Rengshausen von der Kanzlei UNVERZAGT VON HAVE ein rechtskräftiges Urteil des Bayerischen Oberlandesgerichts (OLG München) erstritten.

Dies ist für Fotografen wegweisend, denn es handelt sich nicht um eine untergerichtliche Entscheidung, sondern um ein rechtskräftiges Urteil, bei dem keine Revision zugelassen ist.

Die Kanzlei UNVERZAGT VON HAVE hat darin erstritten, dass der Fotograf nicht nur eine Lizenzgebühr erhält, sondern auch den Gewinn abschöpfen kann, der mit dem Verkauf der beworbenen Produkte erzielt wird. Das eröffnet ganz neue Dimensionen im Umgang mit unerlaubt verwendeten Fotos eines Fotografen.  

 
Der Kläger, ein Modefotograf erstellte für einen Bademodenhersteller aufwendige Bademodenfotografien mit Modellen an Südseestränden und lizenzierte die Bilder dem Hersteller für die Nutzung in seinen Katalogen.
Der Hersteller gab die Bilder ohne Genehmigung des Fotografen an seine Händler weiter, die die Bilder auf ihren Internetseiten und ihren Online-Shops zum Verkauf der fotografierten Bademode nutzten. So auch die Beklagte, von der der Kläger Unterlassung, Auskunft und Feststellung der Schadensersatzpflicht verlangte. Der Kläger verlangte u.a. Auskunft über Umsatz und Gewinn aus den Verkäufen der Bademodenprodukte. Das Landgericht und das OLG München gaben dem Kläger recht. Die Beklagte muss dem Kläger jetzt den Umsatz und Gewinn offenlegen, den sie mit den Bademodenprodukten erzielt hat. Der Kläger kann dann auf der zweiten Stufe den angemessenen Gewinnanteil (oder die angemessen fiktive Lizenz) für die Nutzung seiner Fotografien herausverlangen.
 
Das Urteil ist deswegen bemerkenswert, da die Beklagte nicht die Fotografien, sondern die fotografierten Bademoden verkauft hat. Beide Instanzen haben den Anspruch des Fotografen auf Herausgabe des anteiligen Gewinns bestätigt, da die Fotografien kausal für die Verkäufe der Bademoden waren. Die Revision wurde nicht zugelassen. Das Urteil ist rechtskräftig.  
 
Im Vergleich zur fiktiven Lizenz, die dem Fotografen bei widerrechtlichen Nutzungen seiner Fotografien ebenfalls zusteht, ist die anteilige Gewinnherausgabe immer dann interessant, wenn es um teure Produkte oder um hohe Verkaufszahlen geht.
 
 Das Urteil ist noch unveröffentlicht, aber kann vorab schon hier nachgelesen werden: Urteil Fotorecht - Gewinnabschöpfung bei unerlaubter Fotonutzung

Mehr über die Kanzlei UNVERZAGT VON HAVE findet man unter diesem Link: https://unverzagtvonhave.com

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Was wichtig ist, um als Fotograf gebucht zu werden, bleibt somit eine der zentralen Fragen und deshalb sind die Antworten in der diesjährigen Jahresumfrage auch so spannend. Wie bei der Befragung vor einem Jahr wurde von den Fotografen auch in diesem Jahr wieder die Sympathie noch vor guten Bildern an erster Stelle und die fotografische Ausbildung an letzter Stelle genannt. Was jeder Fotograf unter sympathischer Kommunikation versteht, dürfte recht unterschiedlich sein.

Letztlich ist dies aber auch gut, denn die Auftraggeber sind ja ebenso unterschiedlich, wie die Fotografen selbst. Interessant sind die Ergebnisse zu der Frage, ob günstige Preise wichtig sind, um gebucht zu werden. Lediglich ein Anteil von 18% der Fotografen definieren ihre Leistungen vor allem über den Preis und sagen, dass günstige Preise sehr wichtig sind. Für "wichtig" halten dies 24 %. Fast die Hälfte sind aber unentschieden und für diese Fotografen ist der Preis dann nur ein Teil des Gesamtangebotes an den Kunden.

Selten wird der günstigste Fotograf gebucht, sondern meist jemand, der eine gute Mischung aus allen Punkten, die dem jeweiligen Auftraggeber wichtig sind, darstellt. Selten wird der günstigste Fotograf gebucht Ebenfalls spannend sind die Ergebnisse, ob eine transparente Preisstruktur wichtig ist, um gebucht zu werden. Dies halten 60% für “wichtig” oder sogar für “sehr wichtig”. Allerdings sagen ebenfalls 72% der Fotografen, dass sie Preise “fast immer” oder “oft” an den jeweiligen Kunden anpassen.

Diese beiden Ergebnisse stehen im deutlichen Widerspruch zueinander und sind nur dadurch zu erklären, dass Fotografen zwar wissen, dass sich Kunden eine Preistransparenz wünschen, diese aber aus taktischen Gründen nicht umsetzen. Eine andere Möglichkeit bestünde darin, dass Fotografen eine preisliche Transparenz nur innerhalb der Auflistung bei der Kalkulation für wichtig halten.

Eine interessante Frage wäre hierbei auch, wie viele Fotografen Pauschalangebote machen und wie viele in einer Kalkulation alle Posten auflisten. Wir werden diesen Punkt in der nächsten Umfrage aufnehmen. Einig sind die Fotografen in der Frage, ob eine Ausbildung wichtig ist, um gebucht zu werden. Lediglich 14% halten dies für wichtig oder sehr wichtig. 

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Manche Fotografen berechnen bei fast jedem Auftrag Nutzungsrechte und verdienen gut daran. Andere haben es schwer, Ihre den Auftraggeber davon zu überzeugen, dass es so etwas wie Nutzungsrechte überhaupt gibt.

Wie sieht es bei Ihnen aus - berechnen Sie gewöhnlich Nutzungsrechte in Ihren Arbeitsbereichen und akzeptieren Auftraggeber diese dann problemlos?

Um Ihnen die Verhandlung von Nutzungsrechten zukünftig zu erleichtern, möchten wir Empfehlungen erarbeiten, auf die Sie sich in Zukunft berufen können, wenn Sie mit einem Auftraggeber verhandeln.

Bitte teilen Sie uns deshalb kurz Ihre Erfahrungen bei der Berechnung von Nutzungsrechten im Jahr 2018 mit: Ihre Meinung zu Nutzungsrechten 2018 - kurze Umfrage

Diese Thematik wurde übrigens vor einigen Wochen auch beim “round table” des MFM besprochen, bei dem Berufsfotografen zusammen mit Vertretern vom AGD, dem BFF, dgph, DJV, AWI bis hin zu verdi über die aktuelle Bildhonorarsituation diskutiert haben und darüber, wie man eine zeitgemäße Abbildung der üblichen Nutzungsformen abbilden kann.

Wir von BF möchten dies zusammen mit Ihnen angehen. Wir möchten ein tragfähiges Modell entwickeln, das über das bisher verfügbare hinausgeht. Ein Modell, das uns Fotografen Argumente an die Hand gibt, mit denen es einfacher wird, Nutzungsrechte bei Auftraggebern durchzusetzen und die Höhe fair und transparent für beide Seiten zu kalkulieren.

Machen Sie deshalb bitte bei der kurzen Befragung mit und teilen Sie Ihre Erfahrungen und Ihre Meinung zu den Foto Nutzungsrechten im Jahr 2018!

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BF: Hallo Herr Sawer, schön, dass Sie sich die Zeit für ein Interview nehmen! Sie fotografieren hauptsächlich im Peoplebereich, was ist für Sie eigentlich das Tolle am Beruf des Fotografen?
Thomas Sawer: Mir gefallen am Fotografenberuf die Abwechslung, sowie die Arbeit mit Menschen diverser Backgrounds. Man kriegt Einblicke in verschiedene Arbeitsbereiche und –konzepte unserer Gesellschaft und trifft sich auf Augenhöhe mit Vorständen, Models oder Kindern. Dadurch hat jeder Arbeitstag seine eigene Dynamik und sein eigenes Tempo. Durch Gespräche am Set kann man oft etwas Neues lernen, interessante Impulse finden oder einfach zusammen lachen.
Zudem gibt es auch eine familiäre Komponente: man arbeitet von Job zu Job idealer weise mit seinem Stamm-Team – quasi eine Patch-Work-Arbeitsfamilie. Dadurch hat man in jedem Kontext immer einen heimischen Kern, Kollegen die deine eigene Arbeitsweise spiegeln oder fördern und produktorientiert und freundlich mit dir deine Abenteuer beschreiten. Diese Atmosphäre überträgt sich in 99% der Fälle auf die Kunden und wird einem auch im Nachhinein noch häufig gespiegelt.
Dass ich oft ausschlafen kann ist auch ein definitives Plus.

BF: Welche fotografische Ausbildung haben Sie eigentlich und seit wann sind Sie als Fotograf selbstständig? Wie schnell kamen dann die ersten Aufträge?
Thomas Sawer: Ich habe ein eher technisches Studium absolviert – das des Photoingenieurs. Vor und während des Studiums habe ich bereits regelmäßig bei Fotografen assistiert und die Basics der Lichtsetzung kennengelernt. Nach dem Abschluss wurde mir schnell klar, dass für mich eine Vollzeitstelle in einem Angestelltenverhältnis nicht infrage kommt. Daher habe ich mich 2013 selbstständig gemacht und sukzessiv mein Equipment und meinen Kundenstamm aufgebaut. Die ersten Jahre musste ich mich dabei noch durch Assistenzen und Nebenjobs querfinanzieren, um über die Runden zu kommen. Seit ca. 2 Jahren lebe ich hauptsächlich von der Fotografie.

BF: Gibt es einen Bereich in der Fotografie, in dem Sie besonders gerne arbeiten?
Thomas Sawer: Für mich macht’s der Mix – wenn man eine Woche im Studio geshootet hat, freut man sich auch wieder, abends auf einem Event zu fotografieren. Jeder Bereich hat seine Tricks und Tücken und ich finde durch diesen Wechsel kann man sein fotografisches Auge vielfältiger schulen. Unterm Strich kann man jedoch sagen, dass mir die Arbeit mit Menschen am meisten gefällt - also der Bereich People oder Portrait.

BF: Manche Aufträge sind emotional oder inhaltlich besonders schön. Hatten Sie einen Auftrag, der Ihnen besonders in Erinnerung geblieben ist?
Thomas Sawer: Die Aufträge, die man nicht primär für Geld macht, sind oft die schönsten. Wenn man z.B. auf einem Event nette Künstler trifft, oder man mit herzlichen Menschen einen schönen Tag verbringen kann und man nicht nur auf das Foto als Produkt hinarbeitet. Da sind Momente der Inspiration häufig der eigentliche Lohn.

BF: Sehen Sie sich eigentlich als Künstler und die Fotografie als Berufung oder ist das ein ganz normaler Job für Sie?
Thomas Sawer: Ich sehe mich irgendwo dazwischen. Für bestimmte Auftragsarbeiten sehe ich definitiv, dass das Foto keinen künstlerischen Anspruch hat. Also sehe ich mich dort auch nicht als Künstler. In manchen neueren Arbeiten versuche ich durch Inhalt, Formsprache, Farbgebung und Setting einen künstlerischen Mehrwert zu generieren. Daraus entstehen dann (hoffentlich) Bildwelten, welche eine Geschichte erzählen, die der Betrachter für sich entschlüsseln kann. Im Mittelpunkt steht aber immer der Mensch als Individuum. Das ist der Ausgangspunkt und bestimmt den Inhalt, sowie das Setting.



BF: Wie wird man Ihrer Meinung nach als Fotograf erfolgreich und wie behauptet man sich dann auch möglichst lange im Job?
Thomas Sawer: Ich denke generell gilt, dass man seinen Job gerne machen sollte und das hilft einem am Ball zu bleiben, auch wenn mal schwierige Zeiten auftreten. Je nach Bereich gibt es wahrscheinlich bessere oder schlechtere Akquise-Plattformen, die man nutzen kann. Heutzutage hilft es definitiv eine suchmaschinenoptimierte Webseite zu haben und diese regelmäßig zu pflegen. Dann ist die soziale Komponente wichtig – denn universelles Gesetz ist: Kunden, Agenturen und Modelle sollten gerne mit dir zusammenarbeiten wollen. Wenn man es darüber hinaus schafft, eine eigene fotografische Handschrift zu kreieren, welche die Menschen anspricht - das sollte der Clou sein.
Vielleicht hilft es auch einfach im Kopf nicht einzuschlafen, die Welt um einen herum immer wieder auf’s neue wahrzunehmen und seine Fotografie nicht zu statisch werden zu lassen. Die eigene Bildsprache zu modernisieren oder vielleicht einen gewissen Spielraum bei der Lichtsetzung zuzulassen, die idealerweise dann zum aktuellen Produkt passt. Es gibt nicht das eine „richtig“ oder „falsch“.

BF: Was dürfen Kunden von Ihnen erwarten, wenn sie Sie buchen? Was zeichnet Ihre Fotografie aus?
Thomas Sawer: Ich bin der Ansicht, dass bei Auftragsarbeiten ein spezifischer Bildlook nicht immer vordergründig ist – da stellt man sich oft auf die Wünsche des Kunden oder der Werbeagentur ein. Das ist recht flexibel. Was mir jedoch wichtig ist, ist eine freundliche und professionelle Atmosphäre am Set. Das gilt für das gesamte Team. Ich bin in erster Linie der Regisseur am Set, jedoch ist mir ein produktorientiertes Arbeiten wichtiger, als mein Ego durchzusetzen. Durch eine gewisse Offenheit im Prozess können alle Akteure – ob Art Director, Stylist/in oder Fotoassistent – einen wertvollen Beitrag leisten und zum Erfolg des Bildes beitragen. Trotzdem muss eine gewisse Bestimmtheit beim Inszenieren vorhanden sein, damit das Soll erfüllt wird.



BF: Welchen Weg raten Sie jungen Menschen, die heutzutage Fotograf werden wollen?
Thomas Sawer: Es gibt kein richtig oder falsch. Einfach viel mit der Kamera loslaufen - um sein fotografisches Auge kultivieren – kann nie schaden. Diese Praxis dürfte für alle fotografischen Bereiche gültig sein. Möchte man Studiofotograf sein, helfen z.B. Praktika oder Assistenzen bei Fotografen mit eben diesem Fokus, um die Infrastruktur kennenzulernen: die Kamera- und Lichttechnik, den persönlichen Umgang mit Models und Kunden, die Bürokratie und Selbstorganisation einer Selbständigkeit, Kosten und Honorare. In der Regel darf man sich als Mitarbeiter dann auch mal im Studio ausprobieren, sofern kein Shooting für den Tag ansteht. Möchte man Reise- oder Lifestyle-Fotograf auf Instagram werden, sieht der Weg wahrscheinlich anders aus. Das muss man je nach Typ unterschiedlich agieren.

BF: Was denken Sie, wann wird ein Bild letztlich zu einem richtig guten Foto?
Thomas Sawer: Ein Foto ist für mich gelungen, wenn es schafft beim Betrachter einen Eindruck zu hinterlassen. Das ist unabhängig von Technik, Form, Farbgebung oder Sujet. Was das Foto ausdrückt muss – innerhalb der Welt, in welcher dieses Foto kreiert wurde - eine Authentizität und einen Sinn haben.

BF: Vielen Dank!

Mehr Arbeiten von Thomas Sawer gibt es auf seinem BF Profil oder seiner Internetseite

Im Bereich Fotografen und Fototechnik gab es im Jahr 2017 rund 39 000 Beschäftigte, davon waren 43% weiblich, 48% hatten eine Lehre absolviert und 17% ein Studium. 24 000 arbeiteten selbstständig, was einen Prozentsatz von 61% ausmacht. Dieser recht geringe Prozentsatz dürfte darauf zurückzuführen sein, dass Menschen in fototechnischen Berufen meist angestellt arbeiten. Von den Selbstständigen waren lediglich 33% weiblich.

Schauen wir uns als nächstes die Zahlen im Handwerk an. Hier waren 2017 knapp 24 000 fotografische Betriebe erfasst (2007 waren es noch 7150).

Davon werden sicherlich nicht mehr alle aktiv sein. Wir haben hier knapp 10% erloschene, aber nicht abgemeldete Betriebe geschätzt. Somit ergeben sich ca. 22 000 aktive Handwerksbetriebe. In diesem Zusammenhang ist vor allem auch die Anzahl der Auszubildenden interessant. Im Jahr 2007 lag diese bei 1948, im Jahr 2017 bei 1390. Kamen im Jahr 2007 also noch 27 Auszubildende auf 100 fotografische Betriebe, waren es im Jahr 2017 lediglich noch 6.

Das bedeutet, dass trotz einer Verdreifachung der Anzahl der im Handwerk gemeldeten Betriebe innerhalb der letzten 10 Jahre heutzutage nicht nur prozentual weniger Betriebe ausbilden, sondern sich die Anzahl der Auszubildenden insgesamt ebenfalls um 30% reduziert hat.

Eine Ausnahme von dieser rückläufigen Entwicklung gibt es aber dennoch:

Denn zwischen 2006 - 2008 haben durchschnittlich 17 Fotografen die Meisterprüfung abgelegt ( 2006: 24 / 2007: 8 / 2008: 20), bis 2017 stieg die Zahl dann auf 36 (2007 war ein Jahr mit unterdurchschnittlich wenigen Meisterprüfungen, deshalb haben wir den Durchschnitt angeführt).

Auch wenn es weniger Gesellen gibt, legen deutlich mehr später einmal die Meisterprüfung ab. 

Wir können jetzt sagen, dass die Anzahl der Fotografen irgendwo zwischen 22 000 (handwerkliche Fotografen) und 39 000 (Fotografen und Fototechniker) liegt.

Versuchen wir die Zahl noch etwas genauer einzugrenzen. Nicht alle Fotografen arbeiten gewerblich, sondern es es gibt natürlich auch noch die Fotodesigner, die nicht in der Handwerkskammer vertreten sein müssen. Der Großteil dieser Fotografen dürfte dann in der Künstersozialkasse ("KSK") versichert sein. Im Jahr 2017 gab es knapp 9.000 in der KSK gemeldete Fotografen.

Da diese aber zusätzlich in der Handwerkskammer ein Gewerbe angemeldet haben können, wäre eine Addition dieser 9.000 Fotografen auf die 22.000 Handwerksbetriebe irreführend. Daher schätzen wir, dass 30% der in der KSK versicherten Fotografen zugleich ein Gewerbe angemeldet haben.

Somit ergibt sich ein erneuter Zwischenwert der Anzahl der Fotografen von 22.000 + 6.300 = 28.300 Fotografen.

Um diesen Wert zu überprüfen, schauen wir uns die Anzahl der sozialversicherungspflichtig Beschäftigten an. Hier dürften alle Fotografen in der KSK enthalten sein, aber nur ein Teil der Gewerbetreibenden. In 2017 gab es 11.399 sozialversicherungspflichtig Beschäftigte im Bereich Fotografie und Fototechnik, was der Beantwortung unserer Frage nur bedingt dient. Allerdings wird dort weiter aufgeschlüsselt: Von den 11.399 Personen waren 4.200 Fototechniker. Wenden wir diesen Prozentsatz auf die Daten des Statistischen Bundesamtes an, müssten von den 39.000 Beschäftigten im Bereich Fotografie rund 14.300 Fototechniker sein.

Somit ergibt sich nach dieser Rechnung eine Anzahl von 24 700 Fotografen. Dieser Wert liegt etwas unter den geschätzten 28 300 Fotografen aus der Berechnung KSK+ Handwerk. Wenn wir daraus den Mittelwert bilden, ergibt sich, dass die Anzahl der Fotografen in Deutschland im Jahr 2017 / 2018 bei etwa 26.500 liegt.

Und auch wenn davon nicht alle Fotografen in Vollzeit tätig sein dürften, ist die stetige Zunahme der Fotografen ein deutliches Zeichen, dass der Beruf nach wie vor sehr beliebt ist. Zugleich bedeutet dies aber natürlich auch eine deutlich stärkere Konkurrenzsituation.

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Was ist bei der Umsetzung der Datenschutzgrundverordnung (DSGVO) als Freiberufler, Fotograf und Selbstständiger zu beachten?

Um eines Vorweg zu nehmen: Ja, die DSGVO betrifft jeden Fotografen und Freiberufler. Die Annahme, dass kleine Betriebe befreit sind, oder dass man personenbezogene Daten gar nicht oder nur unregelmäßig verarbeitet, trifft auf einen professionellen Fotografen nicht zu. Denn IP-Adressen zählen genauso zu den personenbezogenen Daten, wie E-Mailadressen oder Telefonnummern.

Die gute Nachricht ist allerdings, dass die Umsetzung bei den meisten Fotografen und Freiberuflern zwar einige Stunden in Anspruch nehmen wird, aber nicht so weitreichende Änderungen nötig macht, wie viele meinen. Somit ist sie auch jetzt noch - rechtzeitig zum Stichtag am 25. Mai 2018 - zu schaffen.

Der Grundgedanke der DSGVO ist, dass personenbezogene Daten nur rechtmäßig, für einen festgelegten Zweck, transparent und in möglichst geringem Umfang erhoben werden und dauerhaft geschützt werden sollen.

Eigentlich sollte das im Interesse Aller sein und im nachfolgenden beschreiben wir anhand einer typischen Internetseite eines Fotografen / Freiberuflers, welche Punkte beachtet werden müssen.

Aufgrund der Komplexibilität der Materie und der teilweise noch nicht vorhandenen Rechtsprechungen sind unsere Empfehlungen allerdings weder vollständig noch rechtlich verbindlich. Eine weiterführende Recherche oder der Kontakt zu einer fachlichen Stelle ist bei Unklarheiten unbedingt zu empfehlen.

Um Ängsten vorzubeugen: Die DSGVO schränkt niemanden in der Ausführung seiner Dienstleistung ein. Die Erhebung und Weitergabe von Daten, die zur Vertragserfüllung einer angebotenen Dienstleistung notwendig sind, ist zulässig. Allerdings ist man in der Pflicht dafür zu sorgen, dass der Umgang mit den Daten und die Weitergabe an externe Dienstleister den Vorgaben der DSGVO entspricht.

Wie gehe ich bei der Umsetzung der DSGVO als Fotograf oder Freiberufler konkret vor? Hier eine Schritt für Schritt Anleitung mit Muster für das Verarbeitungsverzeichnis.

- Herausfinden, wo on- und offline personenbezogene Daten erhoben, verarbeitet und weitergegeben werden

- alle Vorgänge an die DSGVO anpassen (falls notwendig)

- Verarbeitungsverzeichnis erstellen

- Datenschutzerklärung aktualisieren

Der erste Schritt bei der Umsetzung der DSGVO als Fotograf sollte eine Bestandsaufnahme sein, an welchen Stellen auf der eigenen Seite personenbezogene Daten erhoben, verarbeitet, bewusst weitergegeben oder unbewusst durch plug-ins erfasst werden. Bei der gewöhnlichen Seite eines Fotografen sind meist die folgenden Punkte zu beachten:

- Hoster

- SSL Verschlüsselung

- IP-Adressen

- Kontaktformular

- Analysetool / google analytics

- Facebook plugin / widget

- Eingebundene Videos

- Newsletter

- Share tool

- Cookies

- google fonts

- Datenweitergabe an externe Dienstleister wie Steuerberater, Mailingdienste, Buchungssyteme, Shops, CRM, Cloud Lösungen

Aus dieser Auflistung ergeben sich sofort etliche Fragen, denen die Überlegung, auf welche Tools man verzichten kann, vorangestellt werden sollte. Denn je weniger Plug-ins man nutzt und je weniger Daten man an Externe weitergibt, desto unkomplizierter ist die Umsetzung der DSGVO. Muss es beispielsweise ein facebook Plug-in sein, oder genügt eine Verlinkung? Kann der Newsletter über den eigenen Server versendet werden, anstatt über einen US-Anbieter? Benötige ich wirklich ein Kontaktformular?

Gehen wir nun aber der Reihe nach durch, wo man mit einer gewöhnlichen Seite mit personenbezogenen Daten in Berührung kommt und worauf man achten sollte:

Hoster, bei dem die eigene Seite liegt:

- Da hier immer personenbezogene Daten gespeichert sind, besteht Handlungsbedarf. Zuerst ist ein Vertrag zur Auftragsdatenverarbeitung mit dem Hoster abzuschließen. Bei den meisten Hostern gibt es dazu Vordrucke.

- Es muss dauerhaft sichergestellt sein, dass die eigene Webseite sicher ist, also dass sichere Passworte verwendet werden und regelmäßig Sicherheitsupdates gemacht werden.

- Da die IP-Adressen der Besucher beim Hoster in Logfiles gespeichert werden, muss dies deaktiviert oder die IP-Adressen anonymisiert werden.

SSL Verschlüsselung:

- Eine SSL Verschlüsselung führt zu einem Schutz der Daten und ist somit jedem - nicht nur im Hinblick auf die DSGVO - anzuraten. Für alle Seiten, die Formulare (und sei es nur ein Kontaktformular) haben, ist eine SSL Verschlüsselung sogar Pflicht.

IP-Adressen

- gelten als personenbezogene Daten und dürfen nur gespeichert werden, wenn sie zur Funktionsfähigkeit des Dienstes notwendig sind. Dann gilt

- Sie sollten möglichst immer anonymisiert werden.

- Es muss eine Widerspruchsmöglichkeit in der Datenschutzerklärung auf der Webseite geben.

- IP-Adressen werden meist in Logfiles gespeichert - siehe “hoster”.

Kontaktformular

- Eine SSL Verschlüsselung der Seite ist Pflicht.

- Ferner ist darauf zu achten, dass die IP Adresse nur anonymisiert gespeichert wird.

Analysetool wie google analytics

- Wie auch beim hostinganbieter muss hier ein Vertrag über die Auftragsdatenverarbeitung geschlossen werden. Dies geht im analytics account einfach per Klick.

- Die IP muss anonymisiert werden.

- Der Nutzer muss in der Datenschutzerklärung auf sein Widerspruchsrecht und auf technische Möglichkeiten dazu (opt out cookie) aufmerksam gemacht werden.

- Es muss sichergestellt sein, dass dies auch auf Smartphones funktioniert (dafür muss zusätzlich etwas Code eingefügt werden)?

Facebook Plug-in

- Alle Plug-ins sollten entfernt werden oder mit der Shariff-Lösung neu eingebunden werden. Selbst eine 2-Klick-Lösung ist nicht ausreichend.

Eingebundene Videos

- youtube bietet zwar keinen Auftragsdatenverarbeitungsvertrag (mit der DSGVO nur noch Auftragsverarbeitungsvertrag genannt), dafür aber einen “erweiterten Datenschutzmodus” an, mit dem Videos neu auf der eigenen Seite eingebunden werden können. Dies reduziert die übermittelten Daten.

- Die Datenschutzerklärung muss ergänzt werden.

Newsletter

- Die Nachweispflicht mit Double-Opt-In, elektronischer Protokollierung und Widerrufsrecht bleibt bestehen.

- Die Datenschutzerklärung muss unter anderem auch die Rechtsgrundlage, Dauer und den Zweck der Verarbeitung erhalten.

- Die Versendung über einen externen Anbieter unterliegt Vorgaben. Siehe “Weitergabe von Daten an externe Dienstleister”.

Share tools

- viele Tools übermitteln Daten schon vor dem Klick und sollten nicht mehr eingesetzt werden.

Cookies

- da Cookies als personenbezogene Daten gelten, gilt auch hier der nach der DSGVO der Grundsatz des Verbots mit Erlaubnisvorbehalt. Das bedeutet, dass auch weiterhin eigene Cookies und auch Cookies von Drittanbietern gesetzt werden dürfen, sofern das wirtschaftliche Interesse des Seitenbetreibers überwiegt und die Cookies notwendig und rechtmäßig sind.

- Beim ersten Besuch der Seite sollte auf die Cookies hingewiesen werden. Meist geschieht das durch ein Cookie Consent Plugin, was auf dem eigenen Server liegen sollte.

Google fonts

- Eine Einbindung sollte lokal erfolgen, damit beim Seitenaufruf keine Font-Daten geladen werden, denn dabei wird die IP-Adresse übermittelt.

Weitergabe von Daten an externe Dienstleister (Steuerberater, Mailingdienste, Buchungssyteme, Shops, CRM, Cloud Lösungen, etc.)

- Wie auch beim Hoster muss bei einer Weitergabe von Daten an Externe ein Vertrag über die Auftragsdatenverarbeitung (Data-Processing-Agreements) geschlossen werden und die eigene Datenschutzerklärung ergänzt werden. Gerade bei Anbietern außerhalb der EU sollte hier besondere Vorsicht walten. 

Hat man dies alles geklärt, müssen für die Umsetzung der DSGVO noch folgende Punkte bedacht werden:

Verarbeitungsverzeichnis (bisher: Verfahrensverzeichnis):

Die Führung eines Verzeichnisses aller Datenverabeitungstätigkeiten ist mit der DSGVO auch für einen einzelnen Selbstständigen Pflicht, denn er ist zwar kleiner als 250 Mitarbeiter, verarbeitet aber "nicht nur gelegentlich" personenbezogene Daten zum Beispiel durch die Internetseite und E-Mail Kundenkontakt. Es gibt keine Vorgabe, wie das Verzeichnis auszusehen hat.

Eine leicht zu nutzende Vorlage, die man als Muster für das Verarbeitungsverzeichnis nach DSGVO als Fotograf nutzen kann, findet man hier: https://www.activemind.de/datenschutz/dokumente/verfahrensverzeichnis

Weitere Erklärungen findet man hier:

https://www.gdd.de/downloads/praxishilfen/GDD-Praxishilfe_DS-GVO_5.pdf

Recht auf Vergessen-werden:

Auf Verlangen des Nutzers müssen alle personenbezogenen Daten gelöscht werden. Allerdings haben die gesetzlichen / steuerlichen Aufbewahrungspflichten Vorrang.

Auskunftsrecht:

Jeder Betroffene kann Auskunft darüber verlangen, ob und welche personenbezogenen Daten von ihm erhoben, verarbeitet und weitergegeben werden. Die Beantwortung muss innerhalb eines Monats geschehen. Eine Muster findet man hier: https://www.wko.at/service/wirtschaftsrecht-gewerberecht/eu-dsgvo-musterschreiben-auskunftserteilung.pdf

Datenschutzerklärung als Fotograf - sie muss in Bezug aufi die DSGVO angepasst werden:

Je nachdem welche Tools man auf der Internetseite einsetzt und welche Inhalte sie hat, muss die Datenschutzerklärung individuell angepasst werden. Es gibt Baukastensysteme, mit deren Hilfe man sich eine Datenschutzerklärung nach DSGVO als Fotograf zusammenstellen kann. Ein Anbieter ist www.e-recht24.de

Je nach Aufbau, Inhalten und verwendeten Tools wird es bei jedem Fotografen noch weitere Punkte bei der Umsetzung der DSGVO geben, die bedacht werden müssen.

Wenn man sich aber klar darüber ist, an welchen Stellen man Daten erfasst oder weitergibt, kann man das eigene Unternehmen mit dieser Anleitung relativ zügig DSGVO konform gestalten und sehen, an welchen Punkten weiterer Handlungsbedarf besteht.

BF: Hallo Herr Menke, viele Ihrer Arbeiten stammen aus dem Filmbereich und zeigen bekannte Gesichter..

Martin Menke: Ich arbeite jetzt schon seit 17 Jahren bei ganz unterschiedlichen Filmprojekten als Standfotograf. Meist fotografiere ich dann das Bildmaterial für die Pressearbeit, die Filmplakate oder das Internet und über all die Jahre habe ich natürlich auch sehr viele bekannte Schauspieler fotografieren dürfen. Die Standfotografie ist zwar eine recht kleine Nische im Fotografiebereich, aber ich fühle mich sehr wohl mit dieser Arbeit. Angefangen habe ich damit noch im Studium.

BF: Dieser Bereich spielt gewöhnlich keine große Rolle in einer Ausbildung, wie sind Sie dazu gekommen?

Martin Menke: Ich hatte immer schon eine starke Affinität zu Filmplakaten. Als ich dann im Studium in einem Fotolabor gejobbt habe, kam ich auch mit Standfotografen in Kontakt. Meinen ersten Job habe ich dann über einen dieser Kunden vermittelt bekommen. Ich mache diesen Job sehr gerne, weil ich für etwas bezahlt werde, was ich sowieso liebe: Situationen beobachten und diese dann auf dem Foto festhalten.

BF: Sie haben Ihren ganz eigenen Stil, aber wie bekommt man den diesen bestimmten Look, diese Ausdrucksstärke hin?

Martin Menke: Wie jeder andere Fotograf auch versuche ich möglichst intensive Bilder zu machen. Die Standfotografie hat darüber hinaus aber noch eine wichtige Einschränkung: Die Personen müssen erkennbar sein und gerade bei Profilaufnahmen ist das manchmal eine Herausforderung. Aufnahmen von hinten gehen bei Kinofilmen eigentlich nur als moods, wenn die Stimmung des Fotos der Stimmung des Films entspricht. Ich mache relativ viele Fotos bei einem Auftrag und bin dann auch eher kritisch bei der Auswahl. Die Art der Auswahl führt letztlich dann zu einer eigenen Bildsprache.

BF: Machen Sie die Fotos eigentlich während des Drehs?

Martin Menke: Das werde ich oft gefragt. Ich nutze bei Proben und auch während des Takes einen blimp Schallschutz. Damit kann ich dann vorsichtig Fotos machen. Die zweite Möglichkeit ist, die Szenen oder Einstellungen später nachzustellen. Ich bitte die Schauspieler dann eine bestimmte Szene nachzuspielen und wenn sie nett sind, machen sie das für mich, sodass ich dann ein gestelltes Foto bekomme. Oft sind die ungestellten Fotos aber von der Emotion her besser.

Auf meiner Internetseite sieht man ein Bild aus dem Film "der Staat gegen Fritz Bauer" von einem Mann am Schreibtisch, der raucht. Dieses Bild ist während des Originaltakes des Drehs entstanden, denn wenn ein Schauspieler für eine Szene schon etliche Male eine Zigarette rauchen musste, ist die Bereitschaft, dies für mich zu wiederholen, meist recht gering. Bei solchen Szenen muss ich dann als Fotograf bei Proben und der eigentlichen Aufnahme präsent sein. Es gibt aber auch gestellte Fotos, wie zum Beispiel das Zweierportrait von Axel Prahl und Jan Josef Liefers oder das Portrait von Götz George.

BF: Wie erreichen Sie eigentlich diese Klarheit in Ihren Bildern?

Martin Menke: Das kommt wahrscheinlich durch meine lange Erfahrung und die selbstkritische Bildauswahl. Es gehört aber immer auch etwas Glück mit dazu. Ich glaube nicht, dass man ein gutes Foto wirklich planen kann, denn Magie kann man nicht erzwingen. Im kreativen Bereich gibt es meiner Meinung nach immer auch einen Zufallsfaktor.

BF: Gab es diesen Zufallsfaktor bei dem Standbild aus dem Film Paula ?

Martin Menke: Was ich toll an dem Bild finde, ist der Gesichtsausdruck von den beiden Schauspielerinnen. Ich wusste sofort, dass das Foto super ist. Es ist zwar gestellt, hat aber diese Mystik. Beim Dreh war es zu dunkel zum Fotografieren, wir haben das dann mit extra hellen Kerzen nachgestellt. Bei technisch etwas schwierigeren Aufnahmen bereite ich mich eine Weile darauf vor und weiß dann genau, wie ich die Kamera einstelle, sodass ich später nur wenige Sekunden brauche, um das Foto zu machen.

BF: Wenn man das Standbild der beiden Frauen im Kerzenschein sieht, möchte man unbedingt die Geschichte dazu hören.

Martin Menke: Das empfinde ich ähnlich. Die rechts stehende Person ist Carla Juri, eine Schweizerin, die die Hauptrolle der Paula spielt und die links stehende Person heißt Roxane Duran und spielt ihre beste Freundin. Die Szene, spielt in dem Atelier von Rodin in Paris, aber eigentlich wurde sie in Merseburg gedreht. Für den Film sind wir sehr viel herumgereist, unter anderem auch nach Worpswede, einem Originalschauplatz. In dieser Künstlerkolonie hat Paula Modersohn-Becker ihren Mann Otto Modersohn kennengelernt. Als Fotograf finde ich es immer spannend, an viele verschiedene Orte zu kommen.

BF: Was würde Sie machen, wenn Sie nicht fotografieren würden?

Martin Menke: Das ist schwierig, aber ich könnte mir auch vorstellen, Musiker zu sein. Auch wenn meine Eltern immer gesagt haben, dass Kunst brotlos sei, habe ich mich letztlich dafür entschieden.

Es gibt zwar immer wieder Phasen, in denen ich mir anstelle der Freiheit eine gewisse Sicherheit im Leben wünsche. Allerdings wünschen sich die Leute, die eingebunden in ihren 9-to-5-Job sind, oft die Freiheit, die wir Freiberufler haben. 

BF: Gibt es Projekte, an die Sie sich gern erinnern?

Martin Menke: Beim Dreh des Films Paula dabei zu sein fand ich sehr schön. Der Staat gegen Fritz Bauer war auch ein sehr spannendes Projekt. Grundsätzlich wird bei ambitionierten Filmprojekten oft auch extrem motiviert gearbeitet und das ist spannend. Ein Regisseur quält dann seine Crew auch gern und wiederholt ein Take zehn oder fünfzehn mal. Im Gegensatz dazu werden andere Filme dann aber auch einfach runtergedreht.

BF: Was bedeutet das dann für Sie als Standbildfotograf?

Martin Menke: Oft sind die Schauspieler bei ambitionierten Filmen mir gegenüber wohlgesonnener, weil sie wissen, dass die Fotos, die ich mache, wichtig sind. Wenn eine Szene etliche Male wiederholt wird, habe ich zwar auch oft die Gelegenheit, ein gutes Foto zu machen, aber kaum eine Chance auf ein gestelltes. Denn die Schauspieler sind meist froh, wenn der Take vorbei ist.

BF: Wie ist es denn generell, mit Schauspielern und den Leuten im Filmbereich zusammenzuarbeiten?

Martin Menke: Es gibt beim Film viele kleine Rädchen, die in der Maschine arbeiten. Als Fotograf sollte man sich nicht stark in den Vordergrund spielen, aber das ist ohnehin nicht meine Art. Mein Job ist es zu beobachten und das mache ich auch gern. Es arbeiten oft 50 Leute an einem Ort und da muss man sich als Fotograf einfach auch zurücknehmen können. Dominanz ist fehl am Platz.

BF: Ist es für Sie leichter, mit Schauspielern zusammenzuarbeiten als mit Laien?

Martin Menke: In gewisser Weise ja, da Schauspieler meistens recht gut wissen, wie sie wirken. Aber es kommt auch immer darauf an, welche Fotos man machen will. Wenn ich ein ehrliches Portrait von jemanden machen möchte, ist es mein Job als Fotograf, ihn so abzulichten, dass er authentisch rüberkommt. 

BF: Nach welchen Kriterien wählen Sie nach einem Projekt die Bilder für einen Film aus?

Martin Menke: Ich lese vorher das Drehbuch und bekomme so ein Gefühl für die Bildsprache. Ich muss aus den vielen Bildern dann nur die besten Fotos auswählen. Ich habe ein Katalogprogramm, welches ziemlich old-school ist und in dem ich die Fotos mehrfach markieren kann. Wenn ich etwa 500 Bilder schieße, mache ich eine Vorauswahl, daraus mache ich noch einmal eine Auswahl und dann noch einmal eine Auswahl. Dreimal eine Auswahl zu treffen, empfinde ich oft als anstrengend, weil ich die Bilder auch nach technischen Aspekten betrachten muss. Fotos mit einer Unschärfe kann ich direkt aussortieren, so gut sie mir auch gefallen mögen.

BF: Was treibt Sie eigentlich seit all den Jahren als Fotograf an?

Martin Menke: Fast kein Foto, was ich mache, empfinde ich als ideal oder gut. Das ist wie ein Motor, der mich vorwärts bringt, um immer weiter Bilder zu machen. Selbst wenn ich schon ein gutes Foto habe, mache ich trotzdem weiter, weil ich immer denke, dass ich eventuell ein besseres Foto verpasse.  In den letzten Jahren bin ich mit zunehmender Erfahrung allerdings auch ein wenig ruhiger geworden. Letztlich brauche ich ja nur ein gutes Bild und nicht zehn.

BF: Wie sieht eigentlich die Konkurrenzsituation im Bereich der Standfotografie aus?

Martin Menke: Ich befinde mich in einer sehr kleinen, exotischen Nische. Hier in Köln gibt es etwa 10 Fotografen, die in diesem Bereich arbeiten. Wir kennen uns untereinander und es gibt schon eine gewisse Konkurrenzsituation. Interessante Jobs möchte natürlich jeder machen, aber dennoch sind wir aufeinander angewiesen und helfen uns gegenseitig mit Equipment oder geben Termine, die man selbst nicht wahrnehmen kann, untereinander weiter. Mittlerweile habe ich meine Kontakte und einen gewissen Ruf, darüber kommen dann die meisten Aufträge. Ich mag zum Beispiel auch die Modefotografie, aber ich mag nicht das Metier, da wäre ich nicht glücklich.

BF: Was würden Sie dann jungen Menschen raten, die heute Fotograf werden wollen?

Martin Menke: (lacht). Was soll ich sagen …? Bei dieser Frage muss ich immer an meine Eltern denken. Ich kann nur von der Idee, Fotograf zu werden, abraten. Die Zeiten haben sich stark gewandelt. Das klassische Bild des Fotografen gibt es nicht mehr. Seit der digitalen Revolution kann jeder mit dem Handy ein gutes Foto machen. 

BF: Die erfolgreichen jungen Fotografen verursachen mittlerweile oft eine Identitätskrise bei alteingesessenen Fotografen.

Martin Menke: Ja, es gibt nicht mehr diese klassischen, altmodischen, linearen Strukturen. Früher gehörte wahnsinnig viel Erfahrung dazu, um ein gutes Foto zu machen. Man hatte keinen Monitor, auf dem man die Bilder screenen und auswählen konnte. Man musste die Filme erst ins Labor bringen und hat am nächsten Tag gesehen, ob die Bilder gut waren. Korrigieren konnte man da nicht mehr. Ein gutes Foto zu produzieren ist vom Equipment und dem finanziellen Aufwand in den letzten 20 Jahren viel günstiger geworden. Im Umkehrschluss ist es aber wesentlich schwieriger geworden, sich als Fotograf zu finanzieren. Deshalb kann ich nur abraten, heutzutage Fotograf zu werden. Ich sehe jetzt viele Fotografen aus der Not heraus kleine Filmclips zu machen. Aber das ist etwas völlig anderes. Ein stehendes Bild hat so eine Art Mystik, die ein bewegtes Bild nicht hat. 

BF: Ist das der Grund, warum Sie das Filmen eher ablehnen?

Martin Menke: Nein, vielleicht bin ich auch etwas überfordert, denn der Anspruch ist ein anderer. Ein Foto ist ein Ausschnitt, eine Momentaufnahme und das ist für mich sehr faszinierend. Wenn in einem Bild eine gewisse Mystik steckt, finde ich das gut. Egal, ob das dann eine professionelle Aufnahme ist oder ein Handybild. Professionelle Bilder sind oft technisch perfekt, aber es steckt wenig Tiefe drin. Grundsätzlich mag ich ehrliche Sachen und wenn man an Fotos einen gewissen Intellekt erkennen kann.

BF: Sie mögen somit fotografische Geschichtenerzähler?

Martin Menke: Ja, genau. Aber die Bilder sollten eine gewisse Stilsicherheit erkennen lassen. Viele probieren, eine Stimmung zu erzeugen, die dann aber nur eine Art Abklatsch von Klischees ist oder eine Kopie von etwas, was sie irgendwo gesehen haben. Neben der Standfotografie arbeite ich an einer künstlerischen Reihe, bei der ich immer zwei Bilder kombiniere. Diese Twinpics sind mein assoziatives Tagebuch mit persönlichen Bildern, aus denen sich assoziative Geschichten ergeben.

Mir persönlich gefallen Sachen, die einen dokumentarischen Stil haben und wo die Technik nicht im Vordergrund steht. Martin Parr finde ich zum Beispiel toll. Das ist jemand, der schon seit den 70er Jahren geblitzte Aufnahmen bei Tageslicht macht. Er fotografiert unter anderem das britische Prekariat, er zeigt die sozialen Umstände anhand unverfälschter Aufnahmen. Er hat Humor und die Bilder haben einen politischen Aspekt, weil man sieht, wie die britische Gesellschaft tickt. Solche Aufnahmen sind mehr als nur eine Abbildung.

Mehr Arbeiten von Martin Menke findet man auf seiner Internetseite und auf seinem BF Profil.

BF: Hallo Frau Porubek, auf Ihrer Webseite ist mir sofort das Foto einer Frau mit Nelken und einem recht ungewöhnlichen Lilastich im Haar aufgefallen.

Nicole Porubek: Das war eine meiner freien Arbeiten und da ist dann erlaubt, was sonst nicht unbedingt möglich wäre. Gerade diese Grautöne stehen nicht jedem, hier hat das aber einfach alles sehr gut gepasst. Ich habe immer eine Sytlistin, Visagistin und oft noch jemanden für die Haare mit dabei und dann setzen wir in freien Projekten wie diesem außergewöhnliche Ideen um.

BF: Schaut man sich Ihre Seite an, sieht man Hauptsächlich Lifestyle und Modeaufnahmen.

Nicole Porubek: Mein Herzblut hängt schon eindeutig an der Fashionfotografie. Und die zeige ich neben Lifestyle und einigen kommerziellen Arbeiten dann auch auf meiner Webseite. Im Gegenzug dazu sieht man auf BF hauptsächlich meine Hochzeit- und Businessfotografie. Diese Aufteilung habe ich schon recht lange und bin ganz glücklich damit. Übernommen habe ich diese Idee der Trennung einzelner Arbeitsbereiche von Felix Rachor, bei dem ich meine Masterklasse gemacht habe. Ich finde es sehr wichtig nur das zu zeigen, was zu mir passt und was ich auch wirklich zeigen möchte. Wir Fotografen müssen nicht alles zeigen, was wir machen.

BF: Wie kam es zu dem Fokus auf Modefotografie?

Nicole Porubek: Die Modefotografie ist derzeit ziemlich wichtig für mich. Aufgewachsen bin ich in Budapest, wo ich Visagist gelernt habe und dann beim Fernsehen gearbeitet habe. Ich hatte aber immer den Traum, dass ich eines Tages meine eigenen Arbeiten in einer Zeitschrift sehe. Erst recht spät habe ich bemerkt, dass die Fotografie mir viel besser liegt als die Arbeit einer Visagistin und ich nur dafür wirklich brenne. Ich mag auch die Arbeitsweise mit Stylist und Visagist. Zwar gibt bei einem Modeshooting der Auftraggeber zum großen Teil vor, was fotografiert werden soll. Aber einen großen Anteil haben auch die Stylisten. Man kann sogar soweit gehen zu sagen, dass ein wirklich gutes Modefoto ohne eine gute Stylistin kaum möglich ist.

BF: Woher nehmen Sie die Inspiration zu Ihren Arbeiten?

Nicole Porubek: Mit Mode beschäftige ich mich schon seit etlichen Jahren. Ich mag zum Beispiel die Vogue als Inspirationsquelle, auch wenn sie sehr viel Reklame beinhaltet. Die Modebilder dort sind oft sehr speziell. Als normaler Mensch kann man das nicht tragen, aber darum geht es letztlich gar nicht. Die Bilder sollen oft schocken und bleiben dadurch im Gedächtnis, setzen darüber hinaus natürlich auch Trends. In den letzten Jahren bin ich allerdings auch ein Fan von Harpers Bazaar geworden. Die Bildsprache ist wirklich schön und einige meiner Vorbilder wie Andreas Ortner oder Marie Bärsch fotografieren dort regelmäßig. Mit deren Arbeiten kann ich mich identifizieren.

BF: Sie zeigen Ihre Arbeiten auch auf Instagram und facebook

Nicole Porubek: Wenn man sieht, dass fast alle Stars und Prominente dort vertreten sind, muss man es einfach nutzen, um ins Gespräch zu kommen und zu bleiben. Ich nutze das vor allem auch, um kleine Geschichten zu erzählen. Gerade habe ich zum Beispiel eine Strecke produziert, in der ich ein ganz normales Mädchen im Harpers Bazaar Stil zu einem high fashion model transformiere. Auf diese Story hatte ich über 1000 clicks, was für mich dann eine tolle Werbung ist. Gefreut hat mich auch, dass davon recht viele Männer geklickt haben, obwohl weniger Haut zu sehen war.

BF: Sehen Sie denn einen Unterschied in der Bildsprache zwischen männlichen und weiblichen Fotografen?

Nicole Porubek: Definitiv. Gerade in den sozialen Medien werden von Männern häufig Bilder geteilt, auf denen die Modelle eher unbekleidet sind. Frauen teilen die Bilder, die sie berühren oder wo das Model einen intensiven Blick hat. Die Arbeit mit männlichen Modellen ist dadurch schwieriger, alleine schon ein passendes männliches Model zu finden, das einen tollen Blick und dazu noch einen interessanten Körper hat. Spontan fällt mir da David Beckham mit seiner Kampagne für Unterwäsche ein, wo beides zusammen kommt.

BF: Die Art wie Mode und Menschen online gezeigt werden hat mittlerweile einen starken Einfluß auf viele Menschen.

Nicole Porubek: Ich finde das schon grenzwertig, wenn man youtube Videos sieht, in denen erklärt wird, dass man sich die Lippen aufspritzen soll. Schönheit ist relativ und ich setze mich auch in sozialen Projekten dafür ein, dass man einen Menschen erst kennen lernt, bevor man urteilt. Gerade für Kinder ist dies enorm wichtig und ich finde es toll, wenn man fotografisch etwas bewegen kann und arbeite dann auch gerne honorarfrei.

BF: Wie sehen Ihre nächsten Projekte aus?

Nicole Porubek: Die beste Entscheidung in meinem Leben war, dass ich überhaupt Fotografin geworden bin. Ich habe davor einen Zeitlang beruflich im Büro gesessen und das war gerade auch gesundheitlich überhaupt nichts für mich. Seitdem ist Zeit für mich das schönste Geschenk und das versuche ich meinen Kunden in den Bildern mitzugeben. Erinnerungen in Bildern ist für mich das Schönste überhaupt. An materielle Dinge erinnert man sich nicht lange, aber Bilder bleiben und oft sind Empfindungen damit verknüpft. Es ist für mich eine Herzensangelegenheit, etwas fotografisch zu hinterlassen. Ich arbeite in diesem Jahr vor allem darauf hin, in möglichst großen Magazinen meine Ideen und Bilder zeigen zu können. Wichtig ist für mich aber immer auch, ein Ziel zu haben und zu wissen, was man bildlich und inhaltlich sagen möchte. Ohne das funktioniert die Arbeit im freiberuflich, kreativen Bereich für mich nicht. Auch eine emotionale Verbundenheit mit dem Auftraggeber aufzubauen und ein Foto zu entwickeln, was Emotionen zeigt, ist mir sehr wichtig. Privat möchte ich natürlich auch viel Zeit mit meiner Familie verbringen.

BF: Wo Sie gerade Ihre Familie ansprechen, wie sieht es da aus, fotografieren Sie sie auch privat regelmäßig?

Nicole Porubek: Ich bin ein Familienmensch und habe recht viele Bilder in meiner Wohnung von meinem Leben und meiner Familie. Meist sind das Urlaubsbilder und Erinnerungen. Und auch wenn das ganz alte Kinderbilder von mir sind, die Erinnerungen an diesen einen Tag kommen beim Betrachten immer wieder hoch und das ist das schöne an Bildern. Sie erhalten Emotionen der Vergangenheit.

Mehr Arbeiten von Nicole Porubek findet man auf Ihrer Internetseite oder in Ihrem BF Profil

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Vor einigen Tagen hatten wir dazu aufgerufen, genau diese Bilder einzusenden. Herausgekommen ist auch dieses Jahr wieder eine Seite ganz persönlicher “best of 2017” Bilder zum Durchstöbern.

Teilweise stammen die Fotos aus dem privaten Bereich wie dieses von Katharina HooperSmith (www.smallbeginnings.me), die dazu schreibt: “Das Bild habe ich zusammen mit meiner Tochter kreiert. Uns fallen oft spontan Ideen ein, die wir dann zusammen umsetzten und viel Spaß dabei haben.”

Dabei sind aber auch Auftragsarbeiten wie die von Markus Hameister (www.digital-mediadesign.de)

Oder Bilder wie dieses von Stefanie Aumiller (www.stefanieaumiller.com) aus ihrem freien Projekt „Gritty Woman“: “Eine Strecke die zusammen mit der Stylistin Nicole Hannay letztes Jahr entstanden ist. Wir haben verschiedene Frauen in alltäglichen Situationen inszeniert. Auf dem Bild ist Olga, Yogalehrerin in der „Kriegerstellung“ Ich mag dieses Bild farblich besonders gern und weil es so viel Stärke ausdrückt.”

Daniel Sadrowski (www.danielsadrowski.de) hat ein Reportagebild eingereicht und schrieb dazu: “Das Portrait von Erna de Vries habe ich für die Reportage "Wider das Vergessen" für das schweizer Straßenmagazin SURPRISE über Zeitzeugen und den Verein Heimatsucher aufgenommen. Erna de Vries hat den Holocaust überlebt und uns ihre Geschichte erzählt.”

Klaus Lange (www.klange.de) zeigt ein künstlerisches Portrait mit dem Titel :„Fadra & Louise“, Dezember 2017: “Das Bild ist mein Beitrag zur BFF-Ausstellung, Triebwerke 2017 mit dem Thema From Dusk Till Down… Der Augenblick und das Ergebnis haben mich 2017 als Portraitfotograf, mehr als alle anderen bewegt.”

Wenn auch Sie als professioneller Fotograf jetzt Lust haben, Ihrem bestem oder schönstem, persönlichstem oder kommerziellstem, lautestem oder leisestem Bild aus 2017 einen Raum zu geben, seien Sie mit dabei und zeigen auch Sie ihr ganz persönliches best of 2017!

Alle Bilder und wie Sie mitmachen können, finden Sie unter diesem Link: BEST OF 2017

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BF: Hallo Herr Pollak, Sie haben als Fotograf in Paris, Berlin, Wien und New York gelebt und dabei zwei Wendepunkte in der Weltgeschichte hautnah miterlebt.

Jürgen Pollak: Ja, das stimmt. Der eine historische Wendepunkt des Mauerfalls öffnete alles und 9/11 nahm dann viele Hoffnungen. Eigentlich komme ich aus Stuttgart und bin erst nach Paris und später für mein Kunststudium nach Berlin gegangen, wo ich dann den Mauerfall miterlebt habe. Diese Zeit war eine wahnsinnige Erfahrung. Dann zog es mich nach Wien und kurz vor 9/11 nach New York. Ich hatte in der GreenCard Lotterie gewonnen bin 5 Tage vor 9/11 nach New York gezogen Der Anschlag war traumatisierend, aber natürlich habe ich den ganzen Tag dokumentiert, fotografiert und auch die ganze Zeit danach festgehalten. Ein knappes Jahr später bin ich dann wieder nach Deutschland gezogen, weil die wirtschaftliche Situation nach 9/11 natürlich verheerend war.

BF: Sind Ihre Fotos eine Art Übersetzungsarbeit dieser kulturellen Grenzerfahrungen?

Jürgen Pollak: Das würde ich mir nicht anmaßen. Die Kamera hilft mir aber natürlich zu verstehen, einzufangen, abzubilden. Für mich ist sie eher ein Übersetzer. Ich habe in der 13. Straße in New York gewohnt und als das erste Flugzeug übers Apartment geflogen ist, dachte ich nur: Das ist aber sehr tief unterwegs. Eine Minute später hörte ich Polizei- und Feuerwehrsirenen und dachte: Das kann nicht sein, dass das Flugzeug hier irgendwo in der Stadt abgestürzt ist. Ich bin dann raus, wollte mir etwas zum Frühstücken holen und da brannten auch schon beide Türme. Ich habe mich dann zwischen Video- oder Fotokamera für die Fotokamera entschieden. Die Kamera ist mein Tool, um Kontakt mit der Umwelt aufzunehmen und das real zu erfassen.

BF: Ist Ihre Kamera auch eine Möglichkeit, sich emotional vor dem zu schützen, was in Ihrer Umgebung passiert? Die Situation in New York muss erschütternd gewesen sein.

Jürgen Pollak: Ich würde nicht sagen, dass die Kamera eine bewusste Schutzfunktion übernimmt. Aber der Tag an sich war natürlich unbegreifbar. Ich habe das World Trade Center gesehen, als es brannte. Die wirkliche Dramatik entstand, als der erste Turm eingestürzt ist. In dem Moment waren alle geschockt. Die Inszenierung, die man am Fernsehen bekommt, gab es nicht. Das war in dem Moment Realität, die man später erst begreift. Ich habe mit der Kamera die Emotionen der Menschen eingefangen. Das war für mich persönlich eine der traumatischsten Erfahrungen meines Lebens. Die Bilder dieses Tages habe ich dann in New York in der Ausstellung „Here is New York“ und auch hier in Deutschland zum 10. Jahrestag ausgestellt.

BF: Sie haben sich dann in den USA auf die Architekturfotografie spezialisiert.

Jürgen Pollak: Nach 9/11 war in New York Downtown Manhattan für den Verkehr gesperrt und dadurch oft menschenleer. An diesen Tagen habe ich sehr viel Architektur fotografiert. Das menschenleere New York war somit eine unbewusste Initialzündung für meine Architekturfotografie. Nach meinem Umzug nach Stuttgart habe ich dann eine Serie über die Stadt fotografiert und auch Stuttgart nachts menschenleer fotografiert. So ist dann letztlich mein Hang zur Architekturfotografie entstanden.

BF: Neben 9/11 haben Sie auch den Mauerfall miterlebt. Wie war diese Zeit in Berlin?

Jürgen Pollak: Ich habe damals vor allem den dramatischen Wandel des Stadtbilds dokumentiert. Man kann sich das heute gar nicht mehr vorstellen, dass innerhalb von Monaten die Mauer einfach aus dem Stadtbild verschwunden war. Es war extrem spannend, das zu sehen und zu erleben. Wenn man 500 Meter innerhalb der Stadt ging, war man in einer anderen Kultur. Im damaligen Prenzlauer Berg gab es Häuser, bei denen die Jalousien seit 1945 nicht mehr oben waren. Geschichte war damals in Berlin wesentlich besser erfahrbar als in Stuttgart. In Berlin gab es noch offene Wunden und Ruinen. In den Monaten nach der Grenzöffnung habe ich dann als Student beim Sender Freies Berlin gearbeitet. Wir haben verschiedene Reportagen im Umland von Berlin gemacht. Ich dachte immer: So muss es auch in Westdeutschland in den 50er Jahren ausgesehen haben. Alleen von denen ich dachte, dass schon Friedrich der Große dort entlang gefahren ist. Das waren kleine Zeitreisen für mich. Es war irrsinnig spannend. Ich bin dann einmal in einen Konsum in Ostberlin zum Einkaufen gegangen, weil ich wissen wollte, was es dort an Lebensmitteln gibt und wie es schmeckt. An der Kasse sagte die Verkäuferin zu mir: “Sie können nicht zahlen.” Ich meinte: “Doch, ich kann zahlen. Ich habe Ost- und Westmark.” Sie erwiderte: “Nein, Sie können nicht zahlen, Sie haben keinen Einkaufswagen.” Bei meinem Penny um die Ecke hingegen stand zu der Zeit immer eine Schlange von Ostdeutschen, die auf einen Wagen warteten, weil sie wahrscheinlich dachten, dass sie sonst nicht zahlen können. Das waren die kleinen Unterschiede im Alltag.

BF: Vor der Internetblase haben Sie dann auch noch ein Internetstartup mitgegründet. Wie kam es dazu und wie sind Sie letztlich Fotograf geworden?

Jürgen Pollak: Ich habe immer schon leidenschaftlich fotografiert. Professionell begann es in Paris, wo ich als Fotoassistent für Peter Knaup, einen Stillifer, gearbeitet habe. Mein Studium der visuellen Kommunikation an der UDK Berlin hat mich dann zunächst zum Film gebracht. Nach meinem Umzug nach Wien habe ich dann mein eigenes Fotostudio aufgebaut, aber weiterhin auch Film- und Videoarbeiten gemacht. So kam es, dass ich mit einem Freund ein Internet-Start-up gegründet habe. Das war eines der ersten deutschsprachigen Internetportal im Stile von YouTube. Wir haben sogar den Gang an die Börse gewagt und hatten im Sony Center am Potsdamer Platz in Berlin ein Flagshipstore. Alles ist möglich, das war damals die Devise, bis die Internetblase geplatzt ist und danach alle kalte Füße bekommen haben. Die Möglichkeiten hatten sich relativiert. Ich bin dann ausgestiegen.

BF: Was war Ihnen damals und vielleicht auch noch heute bei Ihren Aufnahmen besonders wichtig?

Jürgen Pollak: Ich unterscheide persönlich zwischen Auftragsarbeiten und freien Arbeiten. Wichtig ist mir, dass die Aufnahmen die Architektur des Gebäudes visuell erfahrbar machen, dass man die Intention des Architekten erfährt. Ich möchte dabei auch immer unbekannte Perspektiven einfangen und sichtbar machen. In Stuttgart befasse ich mich viel mit der Stadtarchitektur und urbanen Strukturen, denn Stuttgart ist ein sehr „schönes“ Beispiel für städteplanerische Fehler der letzten 60 Jahre. Ich denke, dass es wichtig ist, alte Architektur, auch Nachkriegsbauten, im Stadtbild zu haben, um Geschichte sichtbar zu und erlebbar machen. Hier in Stuttgart werden ganze Stadtviertel abgerissen und mit Shoppingmalls bebaut. Es gibt hier städteplanerisch absurde Situationen, wie den Österreichischen Platz, der eigentlich ein Loch ist und kein Platz. So etwas versuche ich in meinen Arbeiten zu dokumentieren. Eine Stadt und ihre Architektur wird im Alltag oft nur mehr taktil rezipiert. Man bewegt sich ständig durch einem bekannte Strassen und Orte, ist dabei vielleicht schon hundert Mal über eine Brücke gefahren, nimmt diese aber bewußt visuell nicht mehr wahr. In meinen Arbeiten geht es darum, die Stadt wieder visuell erfahrbar zu machen. Spannend ist es daher auch, nachts um 2:00 in einer Stadt unterwegs zu sein, oft ist man dann alleine und der Stadtraum erschließt sich einem völlig neu.

BF: Hat sich eigentlich etwas an Ihrer Einstellung und Motivation geändert, seitdem Sie fotografieren?

Jürgen Pollak: Rückblickend betrachtet habe ich viel zu wenig fotografiert, mir fehlen immer wieder Bilder. Meine Motivation mehr zu fotografieren ist daher größer geworden. Ein längeres Projekt sind dabei Tankstellen, denn Tankstellen werden aussterben. Bevor das passiert, will ich diese fotografieren. Zu fotografieren macht mir immer noch sehr viel Spaß. Ich liebe es, gute Bilder zu machen. Früh morgens in der Stadt oder in den Bergen zu fotografieren ist einfach ein wahnsinnig schönes Gefühl. Ich bin sehr dankbar, dass ich das kann und darf. Es ist einfach ein toller Beruf.

BF: Vielen Dank für das Gespräch!

Weitere Bilder von Jürgen Pollak findet man auf www.juergenpollak.de oder auf seinem BF Profil

Sie als Fotograf produzieren hunderte Fotos im Jahr. Und unter all diesen Arbeiten gibt es immer wieder die Bilder, die hervorstechen, die emotional berühren und die einem schnell ans Herz wachsen. 

Lassen Sie uns jetzt gemeinsam einen Feed der besten oder schönsten, persönlichsten oder kommerziellsten, lautesten oder leisesten Lieblingsfotos aus 2017 zusammenstellen! Zum Durchstöbern, zum Austausch und als kleine Rückschau auf das letzte Jahr als Fotograf!

Machen Sie mit: www.berufsfotografen.com/best-of-2017

Oben auf der Seite finden Sie den Link “ich will mitmachen”.

Natürlich können Sie zu Ihrem Bild ein paar Zeilen schreiben: wie das Bild entstanden ist, warum es Ihnen etwas bedeutet oder bedanken Sie sich einfach bei Ihrem Kunden oder Team!

Und falls Sie noch einmal ein Jahr zurückreisen möchten, hier der Link auf das best-of-2016

BF: Hallo Herr Gottwald, Sie haben eine ziemlich spannende Vergangenheit mit einem Wechsel von einer kreativen Beschäftigung über einen soliden Beruf wieder zu etwas Kreativem...

Matthias Gottwald: Ja, das stimmt. Ich habe 17 Jahre lang Hip-Hop Songs aufgenommen, weltweit, unter anderem auch mit Produzenten aus Norwegen oder den USA. Letztlich war es ein Hobby, das mir Spaß gemacht hat, von dem ich aber nicht leben konnte. Ich habe parallel zehn Jahre als Fremdsprachenkorrespondent in kleineren und größeren Firmen gearbeitet. Nebenberuflich war ich seit 2013 als Fotograf tätig, und habe dann quasi über Nacht entschieden, dass ich jetzt und mit vollem Herzen professionell in die Fotografie gehen möchte. Zurückblickend war es die beste Entscheidung, die ich jemals hätte treffen können. Ich liebe die Abwechslung, das Lebendige in diesem Job.

BF: Fotografisch sind Sie vielseitig, haben mittlerweile Ihren Fokus aber auf Businessfotos und Imagefilme gelegt.

Matthias Gottwald: Ich finde Start-ups, Einzelunternehmer, also Leute, die sich etwas aufbauen, einfach spannend, und musste mich einfach auf einen Bereich festlegen, auch wenn mir das menschlich eigentlich widerstrebt. Die Arbeit mit Gründern, die außergewöhnliche Projekte umsetzen, macht aber tatsächlich verdammt viel Spaß. Bei großen Konzernen habe ich als Fotograf nicht so einen kreativen Spielraum. Gründer sind bei ihrer fotografischen Selbstdarstellung offener und wagen mehr. Das ist letztendlich nicht nur für mich persönlich, sondern meiner Meinung nach vor allem auch für meine Auftraggeber wichtig. Warum? Das können Sie hier nachlesen.

BF: Gerade im Businessbereich tummeln sich viele Fotografen mit ganz unterschiedlichen Qualitätsansprüchen. Was können Kunden von Ihnen erwarten?

Matthias Gottwald: Ich arbeite immer mit voller Leidenschaft und plane mit den Kunden alles ganz genau vorab. Das gibt dem Auftraggeber und mir eine gewisse Sicherheit beim Shooting – andererseits ist auch die Flexibilität vor Ort nicht zu unterschätzen, denn viele Bilder leben von der Einzigartigkeit des eingefangenen Moments. Die Symbiose aus beidem – Planung und Spontanität – macht für mich das perfekte Foto aus. Mir ist auch wichtig, den Kunden und seine Bedürfnisse zu kennen. Das braucht Zeit in der Vorbereitung, welche ich mir gern nehme. Die künstlerische Bearbeitung der Bilder nach dem Shooting nimmt auch seine Zeit in Anspruch. Nur so gelange ich zu außergewöhnlichen Businessfotos, die stimmig sind.

BF: Würden Sie Ihre Fotografie als künstlerisch bezeichnen bzw. sehen Sie sich als Künstler?

Matthias Gottwald: Ja und nein. Ich fotografiere mit sehr viel Begeisterung auch künstlerisch, aber das Handwerk ist mir ebenso wichtig. Wenn ich an einem Abend 200 Leute auf einem Event fotografiere, muss es schnell gehen, bei Portraits von Firmenchefs ist das oft nicht anders. Das Handwerkliche muss man dabei beherrschen, sonst funktioniert es nicht. Ich mag solche Aufträge, weil man dabei lernt, immer schneller zu funktionieren, weil man jedes Mal aufs Neue, und auf eine andere Art gefordert wird. An vielen selbsternannten Künstlern irritieren mich die großen Egos. Wenn jemand proklamiert, dass er „Kunst“ macht und mitunter schon allein durch seine Körperhaltung vorgibt, das Leben verstanden zu haben und man diese Weisheit in seinen Bildern (oder seinen Songs, oder seinen Gedichten, oder seinem Tanz) findet, bin ich oft schnell angeödet oder lächle wortlos in mich hinein. Aber es gibt natürlich diese Wow-Fotos, Geniestreiche, deren Macher auch ich durchaus für Künstler halte.

BF: Ein starkes Ego ist vielen Fotografen eigen…

Matthias Gottwald: Interessanter Punkt, dem ich teilweise widerspreche. Sicherlich gibt es viele Egotypen unter uns Fotografen. Ich für meinen Teil mag es eher gemeinschaftlich, und viele andere tun dies auch. Zum Beispiel habe ich gemeinsam mit meinem befreundeten Fotografen Marius Bauer ein Netzwerk für Berufsfotografen und Filmer in Berlin aufgebaut. Wir treffen uns monatlich und besprechen abwechselnd Theorie und Praxis, und helfen uns bei berufstypischen Fragestellungen. Dabei diskutieren wir auch unsere Bilder. Die Mitglieder sind eben keine Egotypen, sondern teilen gern ihr Wissen, ihre Erfahrungen und geben sich gegenseitig Tipps. Ich stelle auch außerhalb unseres eigenen Netzwerkes fest, dass der Trend weg vom Konkurrenzdenken und hin zu mehr gegenseitiger Unterstützung geht. Mich persönlich interessiert dieses Ego-Spiel menschlich auch gar nicht. Mit Kollaborateuren und Freunden entstehen mehr Chancen für jeden von uns. Wir geben Aufträge auch mal ab, arbeiten im Team, wachsen miteinander. Es funktioniert einfach besser, wenn man das Ego ausschaltet.

BF: Gibt es eines Ihrer Bilder, was für Sie besonders ist?

Matthias Gottwald: Ich mag ein Businessfoto besonders, das in einem freien Projekt entstanden ist. Zwei Geschäftsmänner sitzen am Tisch, während hinter ihnen ein Bild mit genau demselben Motiv hängt. Die Leinwand hing dann im selben Besprechungszimmer an der Wand, wo das Foto aufgenommen wurde. Es ist ein Bild im Bild im Bild im Bild – und dann beginnt das kreative Chaos.

BF: Vielen Dank für das Gespräch

Weitere Bilder von Matthias Gottwald findet man auf seinem BF Profil oder im Netz unter: 

www.der-gottwald.de

www.facebook.com/DerGottwald

sowie außerhalb des Business-Bereiches unter www.hochzeitsfotograf-mitte.de

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BF: Hallo Herr Bönig, Sie fotografieren hauptsächlich im People- und Portraitbereich. Haben Sie derzeit ein Bild, das Sie besonders beschäftigt?

Thomas Bönig: Ich habe vor Kurzem mit Freunden und Unterstützung des hiesigen Stadtmagazins das Projekt Hier bin ich Mensch initiiert. Wir erzählen darin die Geschichten von Geflüchteten mit aufwendigen Foto- und Videoaufnahmen. Wir wollten, dass die Menschen mit Fluchterfahrung in Nürnberg nicht in der anonymen Masse verschwinden , sondern sichtbar sind und von ihrem Leben erzählen. Darunter ist auch ein Bild von einem siebenjährigen syrischen Jungen, das ich besonders mag. Einfach weil der Moment schön war und es zeigt, wie ich mit Menschen umgehe.

BF: Was heißt das dann genau für Sie?

Thomas Bönig: Alleine Landschaften zu fotografieren, war nie mein Ding. Ich habe eine soziale Ader. Mir war es immer schon wichtig, Geschichten von Menschen zu erzählen. Ich wollte immer wissen, wie es im Leben anderer Menschen aussieht. Ich suche dabei das Spannende in der Geschichte jedes Menschen, um von diesen Dingen und Momenten zu berichten. Mit anderen Menschen ins Gespräch zu kommen und zu erfahren, was sie bewegt, ist typisch für mich.

BF: Das Projekt Hier bin ich Mensch hört sich richtig spannend und erfüllend an - wie kam es dazu?

Thomas Bönig: Der Auslöser war, dass an eine geplante Unterkunft für Menschen mit Fluchterfahrung in Vorra, ganz bei mir in der Nähe, Hakenkreuze und Schriftzüge al la “Wir wollen kein Asylat” geschmiert wurden. Das war nicht irgendwo, sondern gefühlt vor meiner Haustür im Nürnberger Land. Dabei ist Nürnberg, eine Stadt, die ich immer als eher alternativ empfand. Diese unterirdischen Anfeindungen empörten meine Freunde und mich. Auch störte mich, dass man selten Geschichten von einzelnen Menschen erfuhr. Das Projekt war dann der Versuch, ein mehr Akzeptanz und Verständnis zu schaffen. Statistiken mit Zahlen von Geflüchteten sind abstrakt, es ist deshalb leichter diese Zahlen abzulehnen und zu sagen, dass man keine “Flüchtlinge” will. Menschen, die man kennt, lehnt man nicht so schnell ab. Ich habe mich dann mit dem Blogger Johannes Modi und dem Kulturmagazin Curt in Nürnberg zusammengetan. Wir haben jeden Monat die bebilderte Geschichte eines anderen Menschen mit Flucherfahrung erzählt. Wir haben uns dafür sehr viel Zeit genommen. Die Familie von Joumard haben wir mehrfach vor dem Fototermin getroffen, um uns zu unterhalten und kennenzulernen. Aufgrund der ihrer Lebensgeschichte war das für uns emotional sehr fordernd. Der zeitliche Vorlauf notwendig, damit ein gegenseitiges Vertrauen entstehen konnte. Die Fotos haben wir dann im Studio aufgenommen. Wir wollten bewusst Aufwand betreiben, damit Joumard, seine Familie und alle am Projekt Beteiligten sich wichtig genommen fühlen und eine Stimme auf Augenhöhe bekommen.

BF: Planen Sie generell Ihre Shootings eher aufwendig?

Thomas Bönig: Wenn ich in kontrollierter Atmosphäre arbeiten kann, etwa bei Sportler- oder Musikerportraits, dann plane ich grundsätzlich sehr detailliert. Mein Team und mein Fotoassistent sorgen dafür, dass die Umsetzung dann reibungslos klappt. Bei Reiseaufnahmen hingegen genieße ich es, spontan zu sein. Das sind die beiden Extreme, nach denen ich arbeite.

BF: Was können Kunden, neben einer strukturierten Planung, von Ihnen erwarten?

Thomas Bönig: Ich versuche immer den Anforderungen der Kunden zu 100% gerecht zu werden. Ich bringe Erfahrung mit und denke voraus, ich weiß um die Schwierigkeiten in einem Projekt und versuche natürlich auch keine Budgets zu sprengen. Wenn es ums Fotografieren an sich geht, bin ich ein eher unaufgeregter Fotograf, auch wenn es stressig wird oder wenn sich die Kampagne im sechsstelligen Betrag bewegt und alles mehr oder weniger an mir hängt. Ich werde dann eher ganz ruhig und mache einfach, arbeite ab und verlasse mich auch auf mein Team.

BF: Auch wenn viele gerne die Ruhe selbst wären, schaffen es nur die wenigsten in Stresssituationen. Haben Sie schon immer in sich geruht?

Thomas Bönig: Am Beginn der Ausbildung habe ich nur Bettwäsche fotografiert, Wände gestrichen, das Set aufgebaut und war gestresst und unsicher. Ich habe dann auch für einen Fotografen gearbeitet, der völlig dem Klischee des gequälten Künstlers entsprach. Wenn etwas nicht funktionierte, machte er ein riesiges Drama daraus. Aber er sagte auch gern: It is not fucking brain surgery, it is just photography. Dieser Spruch hat sich bei mir eingebrannt. Wir retten in den seltensten Fällen mit unseren Bildern Leben. Es stirbt niemand, wenn wir einen Fehler machen.

BF: Das ist schön, wenn man diese innere Sicherheit hat. Sie sprachen gerade von Ihrer Ausbildung. Was sollten junge Menschen tun, die unbedingt Fotograf werden wollen?

Thomas Bönig: Ich habe das Funktionieren als Fotograf erst richtig während der Assistenzzeit gelernt, nach meiner Ausbildung zum Fotografen. Beim Assistieren lernt man innerhalb von extrem kurzer Zeit all das komprimiert, was man praktisch wirklich braucht. Man muss unter Druck sehr schnell lernen, um dann die Technik zu beherrschen, im Team zu arbeiten, sich zu organisieren und vor allem strukturiert und genau zu sein. Wichtig ist auch, dass man gerade als junger Fotograf seine eigene Motivation nicht von der Bestätigung von anderen abhängig macht.

BF: Gibt es Dinge, die Sie noch unbedingt lernen oder machen wollen?

Es gibt einige Menschen, Schauspieler und Künstler, die ich gern fotografieren möchte. Charaktäre – manchmal begegnen sie mir auf der Straße, manchmal in Filmen, oder in der Musik. Leider fehlt mir oft die Zeit, um Shootings zu organisieren oder auf Reisen zu gehen. Sich das Interesse an der Fotografie zu bewahren ist neben dem Geld verdienen wichtig. Und lernen würde ich gerne sehr viel mehr über Kommunikation, wie Menschen ticken, auf welchen Ebenen sie gerade miteinander reden und miteinander umgehen. Das ist ein großes Themengebiet und ich glaube, dass eine Auseinandersetzung damit sehr viel bringt.

BF: Würden Sie Ihren Kindern eigentlich den Beruf empfehlen?

Thomas Bönig: Ich habe noch keine Kinder, was ich Ihnen mitgeben möchte, ist eher eine Lebenseinstellung. Klar würde ich mich freuen, wenn sie Interesse für Fotografie hätten, aber viel wichtiger ist, dass sie rausgehen und einfach das machen, was sie wollen. Auch wenn Hindernisse auftreten nicht aufzugeben und an sich zu glauben, das würde ich meinen Kindern mitgeben wollen - und das Lernen wichtig ist, aktiv Fragen zu stellen, so viel, wie es nur geht.

BF: Sicher haben Sie eine gewisse Routine im Alltag, was motiviert Sie, immer weiter zu machen?

Thomas Bönig: Es sind wieder die Menschen. Mit der Kamera hat man eine Art Wildcard, um jegliche Bereiche des Lebens zu betreten. Wenn ich in eine Metzgerei gehe und den Meister frage, was sein Handwerk ausmacht, erzählt er mir bestimmt ein paar Dinge. Wenn ich den Laden mit einer Kamera betrete, dann haben die Leute das Gefühl, dass ihre Antworten einen höheren Sinn haben. Diese Möglichkeit dadurch so viel zu entdecken, hat man in vielen anderen Berufen einfach nicht. Die Menschen - ihretwegen stehe ich auf.

BF: Vielen Dank für das Interview.

Weitere Bilder von Thomas Bönig findet man auf seinem BF Profil oder seiner Internetseite.

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BF: Hallo Herr Wagner, als professioneller Fotograf machen Sie täglich Bilder, es gibt aber eines, dass eine Geschichte über Sie erzählt.

Daniel Wagner: Das ist ganz klar das Foto des Mannes, der über einem Sessel gelehnt ist. Dieses Foto ist gleichzeitig auch eines meiner Lieblingsbilder. Es ist im Grunde ein klassisches Modebild, bei dem ich das Licht so verändert habe, dass eine szenische Darstellung entsteht. Ich arbeite im Vorfeld oft mit einem Moodboard und entwickle daraus die Geschichte, aus der letztlich dann das Foto entsteht. Ich denke, am Treffendsten lässt sich meine Art der Fotografie als szenisch oder inszeniert bezeichnen. Dabei ist mir wichtig, dass die Bilder andere Menschen auch inhaltlich erreichen. Im kommerziellen Bereich ist das nicht immer einfach, aber ich versuche so gut wie möglich, die Brücke zwischen Kommerz und Kunst zu finden. Sicherlich wird dies aber wohl auch ein lebenslanger Prozess bleiben.

BF: Es scheint, als lieben Sie den künstlerischen Ansatz, sehen aber auch stark den kommerziellen Aspekt.

Daniel Wagner: Ja, einfach weil Geld am Ende des Monats da sein muss. Ohne das geht es nicht. Dafür muss man raus aus der Komfortzone oder auch einmal an einen Stadtwechsel denken.

BF: Das hört sich recht abgeklärt und realitätsnah an. War das bei Ihnen von Anfang an auch schon so? Wie sind Sie eigentlich zu diesem Job gekommen?

Daniel Wagner: Ich habe mich schon in der Schulzeit stark fuür Kunst interessiert, dachte daran, sogar Kunst zu studieren. Andererseits wollte ich ein Medium, ein Handwerk, wie die Bildhauerei, die Malerei oder die Fotografie erlernen, um mich auszudrücken. Damals war die Digitalisierung auf dem Vormarsch und mir erschien es spannend, mich einem digitalen Medium zu widmen und das ist dann natürlich die Fotografie geworden. Ich habe einfach angefangen zu fotografieren und mein fotografisches Wissen während des Studiums an der BTK Hochschule für Gestaltung vertieft. Nach und nach hat sich der Fokus auf die Menschenfotografie ergeben und letztlich ist dann die Mode- und Portraitfotografie mein Steckenpferd geworden. In der Modephotographie muss man aus der Masse herausstechen und viel wichtiger noch sich ein Team aus MakeUp Artists, Stylisten und Models zusammenstellen. Im Düsseldorfer Raum baue ich mir gerade ein Netzwerk in diesem Bereich auf.

BF: Sie sagten eben, dass Sie sich natürlich für die Fotografie entschieden haben. Wie kommt es, dass diese Wahl so selbstverständlich war?

Daniel Wagner: Meine Großmutter hinterließ mir ein wenig Geld, mit der Bitte es zum Zweck der persönlichen Entwicklung einzusetzen. Davon habe ich dann meine erste Kamera gekauft und angefangen, Bilder zu machen. Irgendwie fühlte es sich natürlich an, mich mit der Fotografie zu beschäftigen. Mit der Zeit entwickelte sich eine Selbstverständlichkeit, mein Leben und Menschen zu porträtieren. Dieser Weg war mir scheinbar vorgegeben.

BF: Wie haben Ihre Eltern auf diesen Wunsch reagiert?

Daniel Wagner: Meinen Eltern ist Sicherheit wichtig, somit waren sie verständlicherweise skeptisch gegenüber meiner Berufswahl. Es war mir immer schon klar, dass der finanzielle Ruin und das finanziell recht sorgenfreie Leben als Fotograf nahe bei einander liegen. Wenn man in der Branche heutzutage etwas erreichen will muss man hohe Ziele anvisieren. Meine Eltern haben mich schließlich dann doch während des Studiums immer unterstützt, egal, ob das Geld für die Miete knapp war oder ich einen inhaltlichen Rat brauchte. Mittlerweile haben sie sich auch an meine Wahl und die Umstände gewöhnt, sind vom raschen Erfolg sogar begeistert. Fotograf zu sein, bedeutet eben nicht, eine vorhersehbare Bankkauflehre zu machen.

BF: Liegt eine künstlerische Veranlagung eigentlich in Ihrer Familie? Sie haben einen Bruder.

Daniel Wagner: Mein Bruder ist das komplette Gegenteil von mir. Er ist zwei Jahre älter und hat einen Master in BWL absolviert. Er hat somit ein ausgezeichnetes mathematisches und naturwissenschaftliches Wissen. Die kreative Ader und das Feingefühl für Sprachen und Ästhetik in der Familie habe dafür ich mit auf den Weg bekommen.

BF: Wie wichtig war für Sie das Studium an der BTK?

Daniel Wagner: Letztlich hat mich das erst richtig zur Fotografie gebracht. Jedoch aus meiner heutigen Sicht wäre ein Studium gar nicht unbedingt nötig gewesen. Es ist heutzutage einfacher über soziale Medien bekannt zu werden als über den herkömmlichen Weg mit Studium und Auftragsarbeiten. Momentan kann ich nicht einschätzen, ob mich mein Bachelor of Arts in Fotografie nach vorne bringt. Ich habe in Paris für eine weltweit bekannte Fotografin gearbeitet und sie meinte zu mir, dass Assistenten, die einige Jahre bei ihr arbeiten, danach recht sicher im Business Fuß fassen. Das ist eine Möglichkeit, die auch in der Vergangenheit funktioniert hat. Neu sind Leute auf Instagram, die 150.000 Follower haben, damit Geld verdienen und Kamerafirmen als Sponsoren haben - auch wenn sie eigentlich aus einem Hobby gestartet sind.

BF: Meinen Sie, dass Instagram irgendwann uninteressant wird?

Daniel Wagner: Ich weiß es nicht. Ich habe geglaubt, dass auch Facebook seinen Reiz verliert, aber es geht weiter, auch durch den Kauf von Instagram. Die Instagramhelden haben mir beim Studium ein bisschen Sorge bereitet. Ich habe mir selbst eingeredet, dass das nicht lange anhält, aber einige sind seit Jahren damit erfolgreich. Man wird sehen, wie sich das zukünftig entwickelt.

BF: Stressen Sie die Fotografen, die sich vor allem über Social-Media vermarkten?

Daniel Wagner: Zum Glück habe ich einen Mentor gefunden, er ist 86 Jahre alt und lebt in England. Er war selbst Fotograf in New York, Mailand, Paris und München. Hat mit Irving Penn und Art Kane zusammen die Werbefotografie in den 50-70er Jahren neu erfunden. Mit ihm kann ich über diese Thematik reden. Er versteht nicht, warum ich Angst vor den Quereinsteigersternchen (auf Instagram) habe. Ich soll mich nicht davon kleinkriegen lassen. Für ihn sind die meisten Amateure mit kurzer Lebensdauer auf dem Markt.

BF: Viele Fotografen wollen sich nicht eingestehen, dass Quereinsteiger gut sein können. Das ist bei Ihnen anders.

Daniel Wagner: Wenn ich mir die Bilder von Amateuren auf Facebook anschaue, mit 500 Likes, die vielleicht 250 Euro pro Tag nehmen, dann denke ich oft: Verdammt, die Bilder sind gar nicht so schlecht! Diese Fotografen spezialisieren sich auf nur eine Sache, haben zum Teil gute Photoshoptechniken oder entwickeln ein Gespür für Farben und Filter und haben streckenweise eine gute Bildsprache, sowie niedrige Preise. Klar macht mir das Sorgen.

BF: Gibt es ein Erlebnis, welches sich bei Ihnen als Fotograf besonders eingeprägt hat?

Daniel Wagner: Ein eher unschönes Erlebnis hatte ich auf einem Assistentenjob in Venedig. Die Fotografin wollte den Mann in seiner Urform als Krieger zeigen und benötigte Tierkadaver. Ich durfte dann bei hochsommerlichen Temperaturen eine Schubkarre mit toten Schweinen vorbei an den ganzen Touristen über die Rialtobrücke schieben. Das hat sich in mein Gedächtnis bildlich eingeprägt. Darüber hinaus war die Zeit bei dieser Fotografin toll. Ich habe dann noch ein halbes Jahr mit ihr in Paris im Modebereich gearbeitet, dann mein Studium beendet und mich dafür entschieden, mein eigenes Ding zu machen. Die Arbeit bei ihr in der Modeszene hat mich darin bestätigt, meine eigene Richtung einzuschlagen. Ich lasse gerne Ideen in meinem Kopf entstehen, selbst wenn das Endergebnis dann anders aussieht. Genau das mag ich aber auch an der Fotografie: Man kann so viel planen, wie man will, am Ende bleibt es ein kreativer Prozess mit nicht immer voraussehbarem Ergebnis.

BF: Gibt es Bilder, die Sie in irgendeiner Art und Weise berühren?

Daniel Wagner: Sind es die Bilder oder die Menschen auf den Bildern? Ich bin ein Fotograf, der das Spontane in der Interaktion mit dem Model nutzt. Nie die Idee abreißen lassen, nie das Model in seiner Natürlichkeit stoppen, das finale Foto entwickelt sich stets weiter. Beim Shooting gibt es immer diesen Moment, wo ich durch den Sucher schaue und anfange mit der Person zu sprechen, zu kommunizieren. Ohne Worte und ohne Anweisungen. Nach genau diesem Moment fängt die Magie an und das spüre ich als Fotograf sogar auch dann noch, wenn ich mir in der Postproduction die Fotos anschaue.

BF: Finden Sie es leichter, mit Männern oder Frauen zusammenzuarbeiten?

Daniel Wagner: Viele Leute meinen zwar, dass die Arbeit mit Männern einfacher ist, alleine weil weniger Make-up verwendet wird. Ich habe anfangs viele Strecken mit Männern geschossen und somit auch mein Portfolio stark in diese Richtung verlagert. Viele Kunden sehen dies als Herausstellungsmerkmal, als Spezialisierung. In Zukunft werde ich aber ein Gleichgewicht anvisieren. Wichtig ist mir vor allem aber auch, dass ich mit Menschen arbeite, die mir sympathisch sind. Da unterscheide ich nicht nach Mann oder Frau.

BF: Wenn Sie an Ihr Leben denken, soll sich etwas ändern?

Daniel Wagner: Ich möchte weder meine Kreativität, noch meine Freiheit verlieren, möchte mich nicht einschränken lassen. Weder von Geld noch von Menschen. Letztlich finde ich es wichtig, grenzenlos meine Kreativität und Ideen zu erleben und inszenieren und vor allem mit meinen Arbeiten und Projekte kreative Menschen zusammenzubringen und durch einzigartige Fotostrecken meine ästethischen Werte zu verbildlichen.

BF: Vielen Dank für das Interview.

Weitere Bilder von Daniel Wagner findet man auf seinem BF Profil oder seiner Internetseite.

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BF: Hallo Herr Duangphung, wie würden Sie Ihre Art der Fotografie beschreiben?

Kris Duangphung: Im Grunde genommen, zeige ich auf meinen Bildern, wie ich die Welt sehe. Sie spiegeln meine Lebenserfahrung wider. Ich war lange Zeit als Model tätig, bin um die ganze Welt gereist und habe dementsprechend mit vielen, renommierten Fotografen zusammengearbeitet. Sehr früh habe ich dadurch gelernt, dass die Bildgestaltung ein wesentliches Kriterium ist, damit ein Foto unvergesslich wird. Ich habe mich dann nach und nach in die Fotografie hineingearbeitet. Besonders als Model habe ich gemerkt, dass es viele Fotografen gibt, die das technische Know-How haben, aber die Bildkomposition etwas vernachlässigen. Schon als Model habe ich manchmal Vorschläge gemacht, wie man das Bild noch optimaler gestalten könnte.

BF: Das klingt, als hätten Sie dann einfach angefangen, Ihre Erfahrungen als Model in die Fotografie zu übertragen.

Kris Duangphung: Ja, ich habe anfangs sehr viele Selbstportraits gemacht. Ich habe zwei Jahre in New York und fünf Jahre in L.A. gelebt und dort für eine PR-Firma gearbeitet, die viele red-carpet Events organisiert. Bei den Privatparties habe ich oft die Bilder für die Agenturen geschossen. An diese People- und Portraitjobs bin ich damals gekommen, weil meine Firma gemerkt hat, dass ich wahnsinnig gern fotografiere. Portraitfotos sind ohnehin meine Stärke.

BF: Wann begann denn alles? Seit wann arbeiten Sie als Fotograf?

Kris Duangphung: Hauptberuflich arbeite ich jetzt seit einem Jahr als Fotograf, aber natürlich stehe ich immer noch und weiter hin auch vor der Kamera. Davor war die Fotografie oft Teil meines Jobs als Arbeitnehmer. An und für sich beschäftige ich mich schon seit 2007 intensiv mit Fotografie.

BF: Durch Ihre eigene Erfahrung als Model, wissen Sie worauf es ankommt bei Fotos. Sie haben einen Blick für das Schöne an einem Menschen entwickelt.

Kris Duangphung: Genau, das läuft beim Fotografieren bei mir alles unbewusst ab. Ich betrachte meine Umgebung beim Fotografieren immer wie eine Werbung und frage mich, warum man genau diese eine Emotion auf einem Foto festhalten sollte oder ob es ein besseres Bild geben kann. Ich sehe ein Foto immer gleichzeitig aus der Sicht des Models und des Kunden, denn beide wollen sich präsentieren und etwas verkaufen.

BF: Sind Sie als Fotograf anders, als die Fotografen, mit denen Sie als Model zusammengearbeitet haben? Sind Sie im Umgang anders?

Kris Duangphung: Definitiv. Ich weiß, dass es natürliche Bilder nicht wirklich gibt, Werbeaufnahmen sind immer gestellt. Durch meine Erfahrung kann ich auf einer anderen Ebene mit den Leuten sprechen. Letztlich möchte ich ein Bild produzieren, dass das bestmögliche Resultat ist. Ich versuche meine Kunden zu „schulen“ und ihnen auf einem großem Bildschrim Details und deren Wirkung zu verdeutlichen. Ich baue damit die Geschichte eines Bildes zusammen mit den Kunden auf.

BF: Wie beschreiben Sie Ihren Arbeitsstil?

Kris Duangphung: Ich arbeite mit der abzulichtenden Person auf Augenhöhe. Ich nehme jede Person ernst und versuche unterschiedliche Perspektiven im Gespräch zusammenzubringen. Mir ist eine lockere Atmosphäre wichtig, so dass sich die Kunden mehr auf mich als Mensch konzentrieren als nur starr in die Kamera zu schauen.

BF: Was dürfen denn die Kunden, die zu Ihnen kommen von Ihnen erwarten?

Kris Duangphung: Ich hänge mich bei Aufträgen immer voll rein und fotografiere so lange, bis die Kunden zufrieden sind. Ich möchte, dass ein Kunde stolz auf die Fotos ist. Er soll die Fotos zeigen wollen. Es wird solange auf das Foto hingearbeitet bis die Personen zufrieden sind. Das ist meine Garantie.

BF: Ist es für Sie toller selbst zu fotografieren oder werden Sie lieber fotografiert?

Kris Duangphung: Ich fotografiere lieber selbst, denn als Model ist man nichts als das letzte Glied in der Wertschöpfungskette. Der Fotograf muss alles managen, um das Bild perfekt zu machen. Da ich auch Management studiert habe, mag ich es, Herr der Lage zu sein. Auch deshalb ist meine Lieblingsposition hinter der Kamera. Ich bin seit 2010 wieder in Deutschland, davor habe ich in Asien und Amerika gelebt. Mit meinem ethnischen Hintergrund als Asiate entspreche ich als Model nicht den Vorlieben des deutschen Marktes. Somit hat es in Deutschland wenig Sinn, meine Energie in eine hiesige Modelkarriere zu setzen. Ich kann zudem nur kreativ arbeiten, wenn ich hinter der Kamera stehe.

BF: Was hat Sie nach den vielen Jahren im Ausland wieder nach Deutschland und dann nach Fulda gebracht?

Kris Duangphung: Meine Familie, ich bin hier aufgewachsen. Außerdem wollte ich meinen Master im Bereich Management beenden. Durch meine beiden Söhne, die 2013 und 2017 geboren sind, bin ich einfach viel familiärer geworden. Ich bin jetzt fast 40. Es geht jetzt nicht mehr nur noch um meine Karriere, sondern darum, andere zu unterstützen und da war der Schritt zurück nach Deutschland für mich die richtige Entscheidung.

BF: Vielen Dank Herr Duangphung für das Gespräch!

Weitere Bilder von Kris Duangphung findet man auf seinem BF Profil.

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BF: Hallo Herr Abdank. Schaut man sich Ihre Internetseite an, fallen gleich die vielen Jazzmusikerbilder auf.

Christian Abdank: Ich liebe die Musik, vor allem die Jazzszene. Für ein gutes Konzert fahre ich schon einmal fünfhundert Kilometer. Die Musikfotos mache ich vor allem aus Begeisterung, denn viel Geld kann man damit nicht verdienen. Die meisten Jazzmusiker haben ohnehin kein Geld, das sang ja schon Helge Schneider. Die Hingabe zu Musik und Kunst kommt durch meine Eltern. In meiner Kindheit in Dresden war ich täglich von Musik und bildenden Künsten umgeben. Damals in den 70er, 80er Jahren in der DDR waren Ausstellungen die einzige spannende Abwechslung. Einer der besten Freunde meiner Eltern war Matthias Creutziger, für mich der größte Jazzfotograf und mein Vorbild. Das war wohl der erste Kontakt zur Fotografie. Während des Zivildienstes habe ich zufällig einen Fotografen kennengelernt, über den ich zu einer Bildagentur gekommen bin und so von null auf hundert Konzerte fotografiert habe. Nach den ersten Titelfotos und einem immer größer werdenden Netzwerk an Redakteuren ging es damit immer weiter. Das Internet zum Publizieren gab es damals ja auch noch nicht. Von den Honoraren habe ich mir eine bessere Ausrüstung gekauft und neben Konzerten angefangen, alle möglichen Jazzgrößen zu fotografieren. Als Anfang 20-Jähriger war es für mich wie das Tor zur großen Welt. Ich kann mich noch genau erinnern, wie aufgeregt ich war, als Günter Grass vor mir stand.

BF: Wie würden Sie den Stil Ihrer Bilder beschreiben?

Christian Abdank: Meine Fotos sind eher stiller, nicht übertrieben aufregend. Das wird derzeit aber auch oft von Auftraggebern gewünscht. Auf meiner Homepage sieht man einen ganz guten Querschnitt meiner Arbeiten. Von meiner absoluten Leidenschaft, der Jazzfotografie über People-Fotografie bis hin zu freien Arbeiten. Die Hochzeitsfotografie kam dann vor einigen Jahren mit hinzu, als ich selber geheiratet und Freunde geheiratet haben.. Mein Fokus liegt dabei auf möglichst natürlichen, nicht gestellten Bilder. Die schwarz-weißen Musikerportraits machen aber eigentlich meine Arbeit aus. In ihnen steckt mein Herzblut.

BF: Sie sind ein Quereinsteiger und haben sich alles selbst beigebracht.

Christian Abdank: Absolut. Bevor ich mir mein erstes, eigenes Fotolabor angeschafft habe, musste ich zum Entwickeln immer nach Hamburg fahren. Auf der Zugfahrt habe ich dann immer Bücher über Fotografie gelesen und dann einfach ausprobiert, das umzusetzen.

BF: Sie sind in Dresden aufgewachsen, erst nach Stuttgart, dann nach Lübeck gegangen?

Christian Abdank: Genau, meine Eltern haben einen Ausreiseantrag in der DDR gestellt und sind 1984 rausgelassen worden. Intellektuelle passten nicht in den Arbeiter- und Bauernstaat, da Freidenkende eine Gefahr dargestellt haben. 1984 durften sie ausreisen. Wir sind dann nach Stuttgart gezogen, 1996 habe ich dort Abitur gemacht, ‘94 kaufte ich meine erste Spiegelreflexkamera. Von da an war für mich klar, dass ich Fotograf werden wollte.

BF: Hat dieser Teil Ihrer Biografie einen Einfluss auf Ihre Fotografie?

Christian Abdank: Als wir die DDR verlassen haben, war ich 9. Ich wurde aus einem intakten, sozialen Umfeld herausgerissen, wobei ich mich selbst als Kind in der DDR unfrei gefühlt habe. Ich musste als Viertklässler die gesamte Militärerziehung mitmachen, die mir damals schon widerstrebt hat. Vielleicht kommt mein Wunsch, freiberuflich tätig zu sein, auch gerade aus meiner DDR-Kindheit.

BF: Sie haben dann als Fotograf den Wechsel von analog zu digital mitgemacht. Wie war das bei Ihnen?

Christian Abdank: Ehrlich gesagt konnte ich mit der Digitalfotografie erst mal nichts anfangen. Zudem war es zu Beginn wahnsinnig teuer. Ich habe die Digitalfotografie anfangs nicht ernst genommen, dachte, dass das nur etwas für Sportfotografen sei. Aber sie wurde mit einem Schlag wichtig. Wie sicher viele andere Fotografen auch hatte ich damals keine Affinität zu Computern. Ich habe die Digitalfotografie lange ignoriert und den Zug verpasst. Es war nicht absehbar, was es für eine Dimension annimmt.

BF: Wie sind Sie wieder auf den Zug aufgesprungen?

Christian Abdank: Mein Bruder ist Grafikdesigner.Er hat mir dann eine simple Canon-Digitalkamera geschenkt. Damit habe ich dann Blut geleckt, das hat mir sofort gefallen und mittlerweile trauere ich dem Analogen überhaupt nicht hinterher. Es ist auch einfach ein schönerer Workflow. Ich muss nicht mit Chemikalien im Labor stehen, sondern sitze mit einer Tasse Tee an meinem Rechner.

BF: Was halten Sie von Instagram?

Christian Abdank: Ich bin unsicher, ob das einen Nutzen für mich hat, bin demgegenüber aber auch nicht feindlich eingestellt. Zum Teil sind die Bilder erstaunlich gut, aber die Masse der Bilder ist erdrückend. Ich frage mich schon, wie ich da mithalten kann. Der Austausch mit Menschen ist mir wichtiger, als meine Bilder im Internet zu streuen. Momentan konzentriere ich mich deshalb mehr auf Ausstellungen, wo ich in direktem Kontakt mit Menschen bin. Instagram erscheint mir sehr unpersönlich. Mir gibt es mehr, die Bilder in den Profilen bei Berufsfotografen anzuschauen und mich davon inspirieren zu lassen.

BF: Sie mögen den direkten Kontakt zu Menschen, was treibt Sie sonst noch in Ihrer Arbeit an?

Christian Abdank: Ich habe beim Fotografieren nicht das Gefühl nicht zu arbeiten. Einen Beruf zu haben, bei dem das der Fall ist, empfinde ich als Privileg. Ich kann mir auch nicht vorstellen, die Kamera mit 65 beiseitezulegen und die Füße hochzulegen. Ich fotografiere jetzt seit über 25 Jahren und habe fast täglich neue Ideen, lerne und entwickle mich weiter. Reich werde ich als Fotograf wohl nicht. Aber das gehört wohl mit zu dem Beruf.

BF: Geben Sie einen Rat an junge Menschen, die Fotograf werden wollen?

Christian Abdank: Tut es! Ich selbst hatte öfter Zweifel, weil es schon so viele Fotografen gibt. Aber jeder macht etwas Besonderes. Man muss durchhalten. Das würde ich jedem jungen Menschen raten. Begeisterung und ein starker Wille gehören auch unbedingt dazu. Ich würde jedem zu einer Ausbildung oder einem Studium raten, denn da lernt man die Grundlagen. Quereinsteiger haben es schwerer.

BF: Gibt es einen Auftrag, den Sie in guter Erinnerung behalten haben?

Christian Abdank: Eine Hochzeit, hier in Witzenhausen, war so schön, dass ich selbst emotional hin und weg war. Das Hochzeitspaar war dann auch begeistert von den Bildern, weil diese die intensive Stimmung widergespiegelt haben. Eine schöne Erinnerung ist natürlich auch die Zeit, in der ich sehr, sehr viel Musiker fotografiert habe.

BF: Was würden Sie sagen, wie behauptet man sich als Fotograf auf dem Markt?

Christian Abdank: Indem man ein Gespür dafür entwickelt, was der Kunde wirklich will. Der erste Moment ist wichtig und das persönliche Auftreten ist dann das eigentliche Tor zum Kunden. Die eigenen Möglichkeiten und Grenzen zu finden ist wesentlich. Ich biete niemanden etwas an, von dem ich glaube, es nicht zu können.

BF: Vielen Dank für das Interview.

Weitere Bilder von Christian Abdank findet man auf seinem BF Profil oder seiner Internetseite.

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BF: Hallo Herr Bergmann, Sie arbeiten seit über 30 Jahren als Fotograf. Gibt es von all Ihren Shootings eines, das Ihnen nachhaltig im Gedächtnis geblieben ist?

Claus Bergmann: Es gab einmal ein Shooting auf einem alten Güterbahnhof. Ich lag zwischen lauter kaputten Brettern vor dem Model, um den Frauen noch längere Beine zu zaubern. Es dauerte nicht lange, bis sich in all dem Dreck ein Nagel durch die Hose gebohrt hatte, ein schmerzhaftes und einprägsames Erlebnis. Die Hose war zerrissen, aber immerhin war es für das Model ziemlich amüsant.

BF: Was bieten Sie Ihren Kunden noch, außer vollen körperlichen Einsatz?

Claus Bergmann: Ich finde es wichtig, das ich ein kreatives Mitspracherecht habe. Also meine Meinung und Erfahrung beratend einbringen kann. Gerade im Sportbereich funktionieren nicht alle Aufnahmen so, wie sie sich ein Marketingmitarbeiter ausdenkt. Ein Aktionfoto von einer Volleyballmannschaft mit 12 Spielerinnen zu machen funktioniert zwar als Composing in Photoshop, aber alle 12 Profisportlerinnen auf einmal zu kriegen, ist sehr schwer und so ein Objektiv gibt es nicht.

BF: Haben Sie einen Fotografen, dessen Bilder sie besonders mögen?

Claus Bergmann: Oft bleibe ich an Fotos von Peter Lindbergh hängen. Die schwarz-weiß Fotografien aus dem Buch “On Street” inspirieren auch meine eigenen Arbeiten. Ich mag, dass die damaligen Supermodels irgendwo auf New Yorker oder Berliner Straßen mitten unter “normalen” Menschen stehen und fast aussehen wie “normale” Menschen, sich nur durch ihre unglaubliche Präsenz unterscheiden. Er hat sie als Menschen mit Charakter und Identität fotografiert, als Subjekte und nicht wie Objekte. Dieses Buch diente mir vor 9 Jahren als Anregung für die Portraits von den Politikern Ole von Beust, Michael Naumann und Gregor Gysi, die ich im Zuge des Hamburger Wahlkampf fotografiert habe. Ich habe damals Gregor Gysi von oben in einer alten, rauchigen Fabrikhalle fotografiert. Man sieht gar nicht mal sein Gesicht, aber der Betrachter des Fotos weiß sofort, um wen es sich handelt. "A picture tells a story" sollte das Motto sein! 
Nach wie vor fotografiere ich gerne in schwarz-weiß. Unsere Welt ist voll von Farbe, aber schwarz-weiß Bilder haben durch die Reduzierung oft eine viel größere Wirkung. Ich lasse auch heute noch Bilder schwarz-weiß ausbelichten und zeige sie meinen Kunden, wenn ich denke, dass das eine bessere Wirkung hat.

BF: Wie sind Sie eigentlich zur Fotografie gekommen?

Claus Bergmann: Ich war mit Papas Kamera an der Alster und habe mich sogar getraut zwei schöne Mädels, die an der Alster saßen, zu fragen, ob ich sie fotografieren könnte, was die beiden zu meinem Glück erlaubten. Meine ersten Nachtaufnahmen habe ich allerdings meist falsch belichtet. Ich habe dann einfach bei PPS im Kreativbunker in Hamburg einen Laboranten gefragt, wie ich es besser machen kann. Im selben Gebäude hatten auch Fotografen ihre Studios und bei Volker Krieger habe ich einfach gefragt, ob ich bei ihm lernen kann. Als Fotoassistent habe ich dann erst einmal die Grundlagen gelernt und von da an neben Sportfotos immer auch viele Werbe- und Imagefotos für Sponsoren gemacht, u.a. für den Hamburger Sport-Verband, die Fa. Karstadt Sports, die Holsten-Brauerei - und das ist auch heute noch so.

BF: Was mögen Sie an Ihrem Beruf eigentlich so gern?

Claus Bergmann: Es gibt immer wieder Herausforderungen, Kunden kommen und gehen, mal läuft es gut und mal nicht so sehr, aber es ist und bleibt immer ein kreativer und dynamischer Job. Das mag ich nach wie vor sehr, sehr gern.

BF: Vielen Dank, Herr Bergmann, für das Interview.

Weitere Bilder von Claus Bergmann findet man auf seinem BF Profil oder seiner Internetseite.

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BF: Hallo Herr Wydmuch, gibt es bei all Ihren Bildern ein Foto, was ganz besonders für Sie steht?

Marco Wydmuch: Ja, das gibt es wirklich. Angefangen hat nämlich alles bei mir mit einem Staubsauger, der ein futuristisches Design hatte. Mich hat es gereizt, ihn so in Szene zu setzen, wie ich das normalerweise mit Menschen mache. Auf diese Bilder kamen sofort Anfragen unter anderem von jemanden, der verchromte Badarmaturen für seinen Onlineshop haben wollte. Er meinte: “Sie haben es geschafft, den Staubsauer so sexy zu fotografieren, dann bekommen Sie das auch mit den verchromten Armaturen hin.” Das war dann mein Startschuss in die Produktfotografie. Die Konkurrenz im People-Bereich ist groß und im Gegensatz zur Produktfotografie auch nicht so gut bezahlt. Mittlerweile bedienen wir bei Glamourpixel Fotodesign nur noch Werbekunden. 

BF: Hat Ihr Herz geblutet, als Sie von der People- zur Produktfotografie gewechselt haben?

Marco Wydmuch: Nein, überhaupt nicht. Man sagt ja, wenn man in der einen Sache seinen Meister gefunden hat, alles gemacht hat, was in dem Bereich möglich ist, sollte man sich dem nächsten Bereich zuwenden. Ich entwickle mich gern weiter und die Produkt- und Werbefotografie ist um so viele Facetten vielseitiger, als die Personenfotografie. Die Kunden, ihre Anforderungen und ihre Produkte sind unglaublich vielfältig.

BF: Sie reden von Glamourpixel im Plural ...

Marco Wydmuch: Ich habe die Marke Glamourpixel gegründet. Meine Frau und ich haben mehrere Mitarbeiter und ich bilde auch im Fotografenhandwerk mit Schwerpunkt Produktfotografie aus.

BF: Da Sie ausbilden, scheint das Ihnen Freude zu machen..

Marco Wydmuch: Ohja, ich gebe mein Wissen sehr gern weiter, nicht nur in der Ausbildung, sondern auch in Workshops. Das eigene Wissen verfestigt sich ja, wenn man davon erzählt. Letztes Jahr bin ich von der Handwerkskammer Münster als Ausbildungsbetrieb ausgezeichnet worden, nachdem eine Auszubildene die Prüfung mit Bravour bestanden hatte. Das war auch für mich eine riesige Freude.

BF: Wie sind Sie eigentlich selbst zur Fotografie gekommen?

Marco Wydmuch: Das ist viele Jahre her. Ich hatte schon seit meiner Jugend eine Kamera und habe meine Freundinnen, Bienen und Blümchen fotografiert. Anfang der 2000er Jahre habe ich bei der Onlinefotocommunity so viele gute Fotos gesehen, dass ich motiviert war, nicht nur zu knipsen, sondern professioneller zu fotografieren. Fotografie wurde dann zu einem Hobby, in das ich viel Zeit, Geld und Nerven investiert habe. Zu der Zeit habe ich bei Nokia in der Industrie gearbeitet und habe dann mit dem fotografischen Wissen mehrere Fotostudios aufgebaut. Ich habe für Nokia Produkt- und Werbefotos und kleinere Videos mit Reparaturanleitungen gemacht. Hobby und Beruf sind so zusammengeschmolzen.

BF: Sie haben nie eine Ausbildung zum Fotografen gemacht?

Marco Wydmuch: Ich bin Quereinsteiger, habe von der Handwerkskammer Münster eine Sondergenehmigung bekommen und darf ausbilden. Ursprünglich bin ich gelernter Radio- und Fernsehtechniker und habe ein Fachabitur in Elektrotechnik gemacht.

BF: Gibt es noch Bereiche, in denen Sie sich weiterentwickeln wollen?

Marco Wydmuch: Die 360°-Fotografie interessiert mich. Als Unternehmer will ich nicht nur bessere Fotos machen, sondern die Kunden noch mehr begeistern. Mich beschäftigt die Frage, wie ich das Studio noch wirtschaftlicher aufstellen kann und wie ich noch mehr Arbeitsplätze schaffen und wachsen kann. Das Tolle an meinem Beruf ist, dass man nie auslernt. Ich sehe mich als Künstler und Handwerker - der Künstler muss sein Handwerk beherrschen: Technik, Lichtsetzung, Nachbearbeitung. Wenn man sein Handwerk nicht beherrscht, kann man Kunst nicht umsetzen.

BF: Was bekommen Kunden von Ihnen?

Marco Wydmuch: Sie dürfen allerbeste Fotoqualität erwarten, wie sie es von großen Werbeagenturen kennen. Unsere Fotos sind so gut, dass ich den Kunden zu mehr Verkaufserfolg verhelfe. Ich versuche den Kunden immer auch ein optimales Preis-Leistungsverhältnis zu bieten. Ich versuche alle Kunden, Auftraggeber, Mitarbeiter mit dem gleichen Respekt zu behandeln. Ich habe die Erfahrung gemacht, dass man seine eigenen Ziele einfacher erreicht, wenn man mit Leuten und nicht gegen Leute arbeitet. Außerdem macht es viel mehr Spaß.

BF: Was ist für sie allerbeste Fotoqualität?

Marco Wydmuch: Wenn es 10 Qualitätsmerkmale gäbe, stünde auf dem ersten Platz das richtige Licht, gefolgt von der Schärfe, der Bildkomposition, der Bildidee an sich, der Farbechtheit, sodass der Endverbraucher einen unverfälschten Eindruck von dem Produkt bekommen. Zudem muss es auf den Fotos eine Atmosphäre geben, so dass sie emotional ansprechend sind.

BF: Einer Ihrer schönsten Aufträge …

Marco Wydmuch: ...fand auf Sylt statt. Wir haben dort superschöne Ferienhäuser 5 Tage lang abgefilmt. Wir durften uns bei dem Auftrag kreativ austoben, dekorieren, Frühstück herrichten, einrichten. Ich bin dann mit einer Steadycam durch die Räume geglitten wie bei einem Drohnenflug. Das Equipment musste ständig auf- und abgebaut werden. Das Wetter war wechselhaft. Wir hatten Zeitdruck, haben von morgens um 8.00 bis abends 22.00 gearbeitet. Der Kunde war am Ende glücklich und hat schon nach zwei Tagen bezahlt.

BF: Was raten Sie jungen Menschen, die Fotograf werden wollen?

Marco Wydmuch: Dass sie für den Beruf brennen müssen. Einfaches Interesse reicht nicht aus. Wir haben letztes Jahr auf einen Ausbildungsplatz 130 Bewerbungen bekommen. Wir suchen uns dann meist jemanden aus, der schon eine Weile fotografiert hat, Abitur zu haben, ist auch gut. Ich möchte, dass die Auszubildende schon weiß, was ein gutes Foto ausmacht, am besten Photoshoperfahrung und einen Motivblick hat. Quereinsteiger machen ja nur das, was ihnen Spaß macht. In der Ausbildung hat man aber ein breites Lernspektrum. Die Berufsschule vermittelt theoretisches Wissen, der Betrieb viel Praxis. Ich würde jungen Leuten die Ausbildung empfehlen, obwohl ich diese selbst nicht gemacht habe, denn ich halte die Ausbildung auch für zeitgemäß. Wie gut die Ausbildung ist, hängt natürlich vom Betrieb ab und das merkt man erst, wenn man in dem Betrieb ist. Bei uns im Betrieb ist es sehr kollegial, sehr freundlich. Wir führen zum Beispiel auch ein Gleitzeitkonto für die Auszubildenden. Mir ist es wichtig, dass sich die Leute wohl fühlen.

BF: Vielen Dank für das Gespräch.

Mehr Bilder von glamourpixel / Marco Wydmuch findet man auf seiner Internetseite oder seinem BF Profil

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BF: Hallo Herr Barth, Sie haben einen starken Fokus auf Beauty und Fashion, fotografieren aber auch Landschaften, Stills und Reportagen. Wie kommt es zu dieser recht großen Vielfalt?

Manuel Barth: Als Fotograf sollte man breit aufgestellt sein, auch wenn es gerne gesehen wird, dass man in Teilbereichen Spezialkenntnisse hat. Ich habe mich auf Mode-People-Beauty fokussiert, aber die anderen Bereiche der Fotografie möchte ich auf keinen Fall ausblenden. Es wird heutzutage von Auftraggebern einfach vorausgesetzt, dass man auch Image-Filme drehen kann. Das ist mit Digitalkameras technisch kein Problem, sofern man sich mit den Programmen auskennt.

BF: Wie stehen Sie dann zu diesen Kundenwünschen?

Manuel Barth: Es ist auf jeden Fall eine gute Marketing-Strategie, aber nichts, was man einfach nebenbei machen kann. Den Zusatzaufwand beim Filmen und Schneiden berücksichtigen Auftraggeber oft nicht. Früher hatten Fotografen ein technisches “Geheimwissen” in Bezug auf Aufnahmetechnik und Entwicklung, durch die sie die Preise diktieren konnten. Heute kann der Kunde nicht selten selbst halbwegs gut fotografieren oder filmen und schätzt den Aufwand für wirklich gute Ergebnisse oft unrealistisch ein.

BF: Wie sind Sie eigentlich zur Fotografie gekommen?

Manuel Barth: Nach meiner klassischen Ausbildung zum Fotografen, habe ich drei Jahre bei Tim Thiel in Frankfurt assistiert, da war viel im Mode-People-Beauty-Bereich dabei. Schon damals hat mir gefallen, viel mit Menschen zu tun zu haben, immer wieder andere Leute kennen zu lernen und viel draußen zu sein. Ich bin einfach kein Fan von reiner Studiofotografie, also z.B. einen ganzen Tag an einem Foto von einer Uhr zu arbeiten. Beauty und Fashion hingegen ist anders. Man trifft dabei auch viele interessante Leute, die wieder andere Leute kennen, die komplett anders ticken, salopp ausgedrückt noch durchgeknallter sind als man selbst.

BF: Durchgeknallte sind dann ungewöhnliche, besondere Menschen?

Manuel Barth: Es gibt Designer oder Kreative, die fallen sofort auf, allein durch ihre Erscheinung. Die haben einfach ganz andere Vorstellungen und leben das entsprechend aus. Wir Fotografen suchen so etwas: einen anderen Stil, eine super Location, das Neue und Besondere. Bei solchen Menschen sieht die Wohnung aus wie ihr Leben, wie sie selbst und gibt die perfekte Kulisse ab. Das suche ich.

BF: Das hört sich an, als würden Sie solche Unikat richtig mögen?

Manuel Barth: Ja, ich mag durchgeknallte Leute, denen alles egal ist; die leben, wie sie es für richtig halten. Sie sind wirkliche Individuen und haben einen ganz anderen Blickwinkel auf die Mode und das Fotografieren. Das Model soll sich dann etwa selbst die Haare machen und kein Make-Up tragen - das ergibt dann schon einen ganz anderen Look. Es geht ums Ausprobieren, und das finde ich gut.

BF: Was ist dann Schönheit für Sie bzw. was fotografieren Sie besonders gerne?

Manuel Barth: Ausgefallenes. Es gibt die klassische Schönheit, bei der man von Anfang an sagt: "Wow, sieht die gut aus”. Und dann gibt es auch eine Art von Schönheit, die erst auf dem zweiten Blick erkennbar ist. Ein Beauty-Shot kann dann während des Fotografierens überraschenderweise zu etwas besonders Schönem werden. Das ändert sich so langsam in der Modewelt. Das Althergebrachte verabschiedet sich, das Ausgefallene kommt - Beauty ist für mich, was fasziniert!

BF: Gibt es, außer Unikaten, bestimmte Gruppen, die Sie besonders gern fotografieren?

Manuel Barth: Ich fotografiere alle gern, Menschen aus dem privaten Umfeld, aber natürlich auch professionelle Models, die wissen, wie sie sich bewegen müssen. Da geht es vor allem um Selbstbewusstsein und Körperbeherrschung. Das ist das wichtigste bei Models, ihr Job wird oft unterschätzt.

BF: Wann sind Sie genervt bei der Arbeit?

Manuel Barth: Puh, manchmal schon bei den Kostenvoranschlägen. Es ist frustrierend, wenn dauernd etwas geändert wird oder sich die Leute dann nicht melden. Bei meiner klassischen Ausbildung habe ich zu wenig darüber gelernt, aber deswegen bin ich auch bei Berufsfotografen. Den Honorarrechner finde ich in dieser Hinsicht echt hilfreich. Auch die Assistenzzeit hat mir geholfen, genau zu kalkulieren. Dass es bei Euch ein System gibt, an dem sich Fotografen orientieren können, ist super. Viele machen Jobs für einen Appel und ein Ei, weil sie es nicht besser wissen und den Job unbedingt haben wollen. Dass man bei Shootings Visagisten und Stylisten braucht, trifft zudem häufig auf Unverständnis. Es wird ja bei Kostenvoranschlägen zunehmend auf die Ausgaben geschaut, dieser zunehmende Druck trifft alle Fotografen gleichermaßen, also auch diejenigen, die früher richtig hohe Tagessätze hatten. Mittlerweile haben selbst solche Fotografen oft kein Studio mehr, weil es sich einfach nicht mehr rechnet.

BF: Und wie reagieren Sie bei Auftraggebern, die die Kosten drücken wollen?

Manuel Barth: Ich bemühe mich fair zu sein und eher bei mir etwas abzuzweigen, damit ich auf jeden Fall jemanden für Haare und Make-up und einen Fotoassistenten dabei habe. Wenn ich aber merke, dass Kunden unrealistische Anforderungen haben und von Anfang an die Kosten drücken wollen oder mir erzählen, dass sie ansonsten selbst fotografieren, weiß ich Bescheid.  Ich empfinde das schon fast als respektlos, schließlich geht es auch um Bildrechte, Recherchen, Reisetage etc., und man muss ja davon leben können.

BF: Machen Sie die Recherche alleine?

Manuel Barth: Meistens ja. Ich kenne nur eine Hand voll Fotografen, die sich ein Office-Management leisten, das sich um so etwas kümmert. Auch Agenturen versuchen, Arbeit zu vermeiden nach dem Motto: "Können Sie das Model besorgen?”. Man hat dann alles in der Hand, aber auch viel größere Verantwortung: Locations checken, Models aussuchen, alles muss mit der Agentur und dem Endkunden abgestimmt werden - und das alles für einen Tag Fotografieren.

BF: Was ist dann für Sie das Schönste an Ihrem Job?

Manuel Barth: Dass  man sofort ein Ergebnis hat. Deshalb habe ich die Ausbildung einem Studium vorgezogen, wollte nicht  irgendwo festsitzen bis ich 25, 26 Jahre alt bin und ein Diplom habe, das ich an die Wand hängen kann. Ich habe vor meiner Fotografenausbildung eine Ausbildung zum Maler und Lackierer gemacht, weil ich schon immer etwas Handwerkliches mit sichtbarem Endergebnis machen wollte, aber damals nicht in die Fußstapfen meines Vaters treten wollte, der auch Fotograf ist. Ich wollte meinen eigenen Weg gehen, aber dann hat es mich doch gepackt. Oha, dachte ich, mich zieht es doch genau dahin.

BF: Was macht Ihre Art der Fotografie aus und wann sind Sie zufrieden mit Ihren Bildern oder Filmen?

Manuel Barth: Zufrieden bin ich, wenn mir das Ergebnis gefällt, und erst recht, wenn der Kunde neben mir die Begeisterung teilt. In der Werbung und der Mode ist alles viel lockerer und freier geworden. Wie bei der Marke Supreme, wo das Model speziell ist, aber nicht typisch model-like aussieht: Das ist dann z.B. total hellhäutig, dafür aber voll tätowiert. Er sitzt irgendwo an der Straßenecke, und da wird dann der Schuss gemacht. Bilder sind nicht mehr so pompös aufgebaut. Ich versuche auch, alles gelassener anzugehen, mehr auf die Models einzugehen statt des üblichen Getues ums Catering etc.

BF: Der Fotograf ist also nicht mehr der Held, der Künstler, der im Mittelpunkt steht?

Manuel Barth: Genau! Ich arbeite bodenständiger, lasse mir nichts zu Kopf steigen. Für mich ist die Fotografie immer noch in erster Linie ein Handwerk und keine reine Kunstform. Man erschafft etwas nach einer Vorgabe, muss verstehen, was die Kunden möchten, ist also in erster Linie Dienstleister.

BF: Die ältere Generation von Fotografen hat spätestens mit dem Boom der Digitalfotografie eine Identitätskrise bekommen. Erfolgreiche lifestylig-fotografierende Blogger geben dann den Rest.

Manuel Barth: Ja, definitiv, damit muss man umgehen können. Ich finde die Art, wie die Blogger das machen, toll, aber ich bin selbst nicht der Typ dafür. Das gesamte Marketing-Konzept von Primark beispielsweise basiert auf der Präsenz von Produktbildern in Blogs und auf Youtube. Aber ich sehe das relative gelassen,  weil ein Profi immer noch sieht, wer fotografieren kann und wer nicht. Leider legen manche Kunden keinen Wert mehr auf diesen Unterschied, es wird also enger.

BF: Haben Sie als Fotograf Zukunftsangst?

Manuel Barth: Nein, Zukunftsangst habe ich nicht, weil das Thema visuelle Kommunikation immer stärker wird in Zeiten von Instagram. Wenige machen sich noch Mühe mit guten Texten, das Bild soll alles rüberbringen. Ich mache mir allerdings Sorgen, wie gut ein Fotograf in Zukunft von seiner Arbeit leben können wird, denn das Leben wird nicht billiger und die Zahl gut ausgebildeter Fotografen, die für zu wenig Geld arbeiten, leider immer größer.

BF: Was treibt Sie eigentlich als Fotograf und wo soll es noch hingehen?

Manuel Barth: Ach, da gibt es noch sehr viel zu lernen und zu entdecken! Es gibt so viele tolle Bilder, bei denen ich denke: Wie cool ist das denn, was der Fotograf da gemacht hat.  Ich möchte viel reisen, in den USA, China, oder Russland hat man einen ganz anderen Blickwinkel. Auch von den Fotografen der analogen Generation gibt es noch viel zu lernen, Sie sind ist kreativ, basteln, nutzen zum Beispiel Folien vor der Kamera, was kompliziert wirkt, aber zu unglaublich coolen Effekten führt. Und was ich noch ausbauen möchte, ist die Vorbereitungsphase von Model-Shootings: Es gibt verschiedene Arten da heranzugehen, entweder klassisch am Shooting-Tag selbst mit Kaffee, Styling etc. oder mit einemTreffen vorab, bei dem man Gemeinsamkeiten entdecken kann. Dadurch besteht am Shooting-Tag schon eine persönliche Ebene, die besondere Bilder entstehen lässt.

Mehr Arbeiten von Manuel Barth findet man auf seiner Seite oder seinem BF Profil

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BF: Hallo Herr Albert, Sie arbeiten im Reportagebereich und scheuen sich nicht, in Krisenregionen zu fahren. Woher kommt bei Ihnen die Motivation für diesen Arbeitsbereich?

Hannes P. Albert: Ursprünglich wollte ich Ingenieur oder Arzt werden. 2008 habe ich dann zufällig ein Bild von Goran Tomasevic, einem Reuters-Fotografen, gesehen. Dieses Foto hat mich inspiriert und motiviert, mir eine Spiegelreflexkamera zu kaufen und so hat der Zauber begonnen. So gesehen fotografiere ich also noch gar nicht so lange. 2011 bin nach Berlin gezogen, um Fotografie zu studieren. Seit dem Ende des Studiums 2015 schlage ich mich als Freelancer durch die Welt.

BF: Was hat Sie damals an dem Bild aus Afghanistan von Goran Tomasevic so gefesselt, dass Sie selbst begonnen haben, professionell zu fotografieren?

Hannes P. Albert: Es ist ein Bild von jemanden, der in Deckung geht, weil er gerade beschossen wird. Dieses Bild hat alle Elemente der Fotografie vereint, die mich selber ansprechen. Der besondere, einzigartige Moment der Straßenfotografie, die historisch-politische Geschichte hinter dem Bild, die Reportageeignung des Fotos, die Nähe zum Menschen. So leidenschaftlich aufgebaute Motive entsprechen meinem persönlichen Anspruch als Fotograf. Ich versuche auch immer nah am Menschen zu sein, seine Geschichte zu erzählen, ohne das Element des Textes zu brauchen und ich möchte den außergewöhnlichen Moment einfangen.

BF: Wie schaffen Sie es, in diesen intensiven Momenten den Menschen nah zu kommen?

Hannes P. Albert: Gute Frage, ich kann nicht genau beschreiben, wie ich das mache. Im Rahmen meines Studiums habe ich in New York sehr proaktiv Straßenfotografie gemacht. Mir ist aufgefallen, dass die Leute nicht ablehnend reagieren, wenn sie von mir fotografiert werden. Das hat mich ermuntert, noch entschlossener zu fotografieren. Selbst wenn ich dann von den Menschen auf die Bilder angesprochen wurde, haben die meisten verstanden, warum ich sie fotografiere. Es ging mir nie darum die Fotografierten in irgendeiner Form bloßzustellen, sondern allein um den Moment, um sie als Menschen und die Stimmung. Wenn ich das erklären kann, haben sie Verständnis für meine Motivwahl.

BF: Erklären Sie den Fotografierten vorher, was Sie machen wollen?

Hannes P. Albert: Nein, ich erkläre den Menschen hinterher, warum ich sie als Motiv gewählt habe, sonst geht mir der Moment verloren. Wenn die Leute nicht merken, dass sie fotografiert werden, belasse ich es teilweise dabei. Ich habe in New York ein lesbisches Pärchen auf einer Fähre fotografiert, ohne dass die beiden das mitbekommen hatten. Ich bin dann später zu dem Pärchen gegangen und habe den beiden erzählt, dass ich ein Foto von ihnen geschossen habe und ich ihnen das Foto gern per E-Mail zusende. Die Frauen haben sich wahnsinnig gefreut, weil sie kein einziges, gemeinsames Bild aus dem Urlaub hatten. So agiere ich als Fotograf. Wenn ich merke, dass die Szene etwas sehr Persönliches, vielleicht Intimes zeigt, die man selbst nicht abbilden kann, weil man selbst involviert ist, dann spreche ich die Menschen an und frage, ob ich das Bild behalten darf. Wenn es ein Straßenmotiv ist, wenn ich jemanden fotografiere, weil er besonders aussieht, dann lasse ich ihn einfach weiterlaufen.

BF: Was ist charakteristisch an Ihren Arbeiten? Woran erkennt man Ihre Fotos?

Hannes P. Albert: Mir wird nachgesagt, dass die fotografierten Menschen einen besonderen Blick haben, vor allem bei Portraits. Sie habeneinen sehr ehrlichen Gesichtsausdruck. Bei der Straßenfotografie vereine ich relativ viel Symmetrie mit Personen. Ich fotografiere schwarz-weiß, dabei achte ich viel auf Licht, Schatten, Strukturen und Linien und baue darin die Menschen ein.

BF: Wie ist die Stimmung auf Ihren Bildern?

Hannes P. Albert: Meine Bilder sind wie Fenster, die den Blick in eine andere Welt ermöglichen. Der Betrachter bekommt einen anderen Einblick auf die selbst erlebte Szenerie. Manchmal wundern sich Menschen über meine Motivwahl und sehen erst später, warum ich etwas fotografiert habe oder warumes interessant aussieht. Es geht stark um Details, aber ich kann nicht immer bewusst sagen, weshalb ich die Kamera hebe und abdrücke. Ich verfolge kein ausgefeiltes Konzept.. Ich bin kein Freund von großen Konzepten. Das haben meine Professoren nicht gern gehört und gesehen, da sie stets Konzeptarbeiten haben wollten. Ich bewege mich lieber in einer Umgebung und lasse mich durch sie inspirieren, als mir vorher ein mustergültiges Konzept auszudenken. Diese Inspiration zieht sich dann eher als roter Faden durch ein Projekt, eine genaue Beschreibung eines Konzeptes fällt mir hier aber schwer.

BF: Woher kommen die Liebe zur Straßenfotografie und der Hang zur politischen Kriegsfotografie?

Hannes P. Albert: Wenn ich auf der Straße bin, dann sehe ich immer viel. Ich habe ein extrem großes Interesse an dem, was gerade um mich herum passiert. Das möchte ich festhalten und daher kommt die Liebe zur Straßenfotografie. Ich habe mich schon immer für internationale Politik und die mediale Präsentation von kriegerischen Auseinandersetzungen interessiert. 2012 bin ich eher durch einen Zufall nach Syrien gereist, als der Bürgerkrieg noch jung war. Dieses Erlebnis hat mir deutlich gemacht, welchen enormen Einfluss Bilder auf die öffentliche Wahrnehmung haben. Ich habe mir vorgenommen andere Einblicke in den Syrienkrieg zu gewähren. Wenn etwas vor mir explodiert, schaue ich lieber, was hinter mir passiert, um nicht das gleiche Bild wie die anderen 99 Fotografien zu produzieren. Ich will andere Blickwinkel auf Konflikte bekommen. Deshalb würde ich mich nicht als Journalist im klassischen Sinne sehen, ich betreibe einen - wie ich es bezeichne - “subjektiven” Journalismus. Was ich sehe, höre, verifizieren kann, gebe ich weiter. Über alles, was ich sehe, kann ich später auch diskutieren und es entsprechend fotografisch darstellen.

BF: Von welcher Art Journalismus grenzen Sie sich ab?

Hannes P. Albert: In Syrien war ich mit einem französischen Journalisten und einem libanesischen Fotografen unterwegs, der für die Zeitung Le Monde gearbeitet hat. In Aleppo waren wir auf einem wunderschönen, aber teilweise bereits zerstörten Basar. Vor uns betete ein Free Syrian Army (FSA)-Rebell auf einem Gebetsteppich und Koran. Der libanesische Fotograf hat eine Waffe von der Wand genommen, hat sie auf den Teppich neben den Koran gelegt und von der kreierten Szene zwei Fotos geschossen. Dann hat er die Waffe wieder an die Wand gestellt. Dieses Foto wurde gemacht, um eine bereits bestehende Meinung unterfüttern zu können. Diese vorsätzliche Manipulation durch fotografische Szenen habe ich während meines Aufenthalts in Syrien häufiger erlebt. Für mich ist das nur pornografischer Fotojournalismus: Zu fotografieren, was man erwartet zu sehen oder sehen möchte. Den Money-Shoot gibt es auch im Fotojournalismus. Davon grenze ich mich vehement ab. Da ich einen Presseausweis habe und unter dem Pressekodex arbeite, unterhalte ich mich viel mit Journalisten und bekomme mit, wie viele von ihnen arbeiten.
Ein Schlüsselerlebnis hatte ich mit einem italienischen Journalisten, auf einer Demonstration zum 1.Mai, Istanbul, 2 Jahre nach den Protesten gegen die Überbauung des Gezi-Parks. Er erzählte mir, dass er die vorerst vorfinanzierte Reise selbst bezahlen muss, wenn er der Agentur keine Bilder von gewalttätigen Auseinandersetzungen liefert. Wenn er nur zeigt, was passiert war, nämlich dass alle friedlich geblieben sind, bekommt er kein Geld. Er muss die Vorfinanzierung zurückzahlen. Fotojournalisten haben einen Abbildungszwang. Das hat verheerende Folgen für das eigentliche Ziel des Journalismus, nämlich aufzuklären. Wenn ich in einem Konfliktgebiet bin und gerade nichts passiert, dann fotografiere ich genau das. Dass eben nichts passiert, außer dass die Beteiligten die hundertste Zigarette rauchen oder sich aus Langeweile Jackie-Chan-Filme auf Russisch anschauen. Mir geht es nicht allein um die Sensation, sondern um die Dokumentation des Vorhandenen. Deshalb würde ich mich auch nie als Kriegsfotograf beschreiben, sondern als Straßenfotograf in Konfliktregionen.

BF: Was macht das mit Ihnen, zu wissen, dass Sie mit blutigen Bildern viel mehr Geld verdienen könnten?

Hannes P. Albert: Mich macht es traurig. Ich versuche, mein Fotomaterial zu sammeln, um es in Ausstellungen oder Büchern zu zeigen, als dass ich ein Bild für 50 Euro verkaufe und dafür jemanden bloß-oder falsch darstelle. Ich arbeite im Einzelhandel um finanziell sicher zu sein oder fotografiere Hochzeiten und Produkte, um Geld zu verdienen. Ich will kein blutiges Geld mit Fotos verdienen. Diesen Anspruch stelle ich an mich selbst. Fotoprojekte in Konfliktregionen finanziere ich aus eigener Tasche.

BF: Was würden Sie machen, wenn Sie nicht Fotograf geworden wären?

Hannes P. Albert: Wenn es meine Abiturnote zugelassen hätte, wäre ich Arzt geworden. Meine Berufswahl war schon immer auf Menschen fixiert. Ich wollte einen gesellschaftlichen Mehrwert schaffen. Ich möchte meine Moral nicht verkaufen, die ist unbezahlbar.

BF: Was war Ihr schönstes Projekt?

Hannes P. Albert: Das schönste Projekt war für mich tatsächlich Syrien, weil ich dort sehr, sehr nah an der Zivilbevölkerung , aber auch an den Rebellen war. Das Zwischenmenschliche, was ich beobachtet und auch selbst erfahren habe, hat mich nicht mehr losgelassen. DieseBeziehungen ziehen mich immer und immer wieder in die Region des Nahen Ostens.

BF: Was hat die Zwischenmenschlichkeit in Syrien, die Sie so berührt hat, ausgemacht?

Hannes P. Albert: Wie die Menschen auf mich reagiert haben. Ich habe damals analog mit zwei kleinen Leica-Kameras gearbeitet, hatte zwei Brennweiten dabei und 20 schwarz-weiß Filme. Ich sah nicht aus wie ein typischer Journalist und das haben die Leute bemerkt. Mir wurden Motive angeboten, die sie anderen Journalisten nicht offenbart hatten. Mir wurde extrem viel Vertrauen entgegengebracht. Ich konnte sehr ehrlich sein mit meinen Gedanken, ohne dass irgendjemand feindselig wurde. Ich hatte Gespräche über Religion mit Imamen, die gekennzeichnet waren von Neugierde. Beide Seiten wollten einfach mehr voneinander wissen. Diese Begegnungen haben mich extrem geprägt.

BF: Können Sie sich vorstellen, ein Leben lang Fotograf zu sein?

Hannes P. Albert: Ja, auf jeden Fall. Es ist aber auch schwer, in unterschiedlichen Welten zu leben und diese Art von Straßen-Fotografie in Konfliktregionen zu machen. Das letzte Projekt im Ausland habe ich vor zwei Jahren gemacht. Die Erlebnisse haben mich geprägt und begleiten mich täglich. In Berlin, im westeuropäischen Raum, gibt es andere Prioritäten im Leben, in Konfliktregionen geht es oft ums Existenzielle. Diesen Kontrast als Mensch und Fotograf auszuhalten kostet Kraft.

BF: Welches Ihrer Bilder liegt Ihnen besonders am Herzen?

Hannes P. Albert: Ein Bild von einem syrischen Jungen mit einer Waffe in der Hand, die mächtig wirkt, im Vergleich zum Körper des Jungen. Es ist für mich ein Stellvertreterbild, es illustriert die manipulative Kraft durch Text sehr gut. Der Vater des Kindes war selbst Kämpfer. Wir waren auf einer Demonstration in Aleppo. Alle waren fröhlich, weil sie auf die baldige Beendigung des Konfliktes gehofft hatten. Damals dauerte der Krieg erst ein Jahr an. Der Vater kam zu mir und fragte, ob ich ein Foto von seinem Sohn mit der Waffe schießen könnte. Der Junge hat die Waffe natürlich stolz in den Händen gehalten. Wenn man dieses Bild mit dem Wort Kindersoldat unterschreiben würde, würde das jeder sofort glauben. Ich habe das Bild bisher nie ins Internet gestellt, weil es viel Diskussionspotential hat. Ich habe es in einer Ausstellung gezeigt und den Kontext erläutert, um sicher zu sein, dass es nicht falsch aufgenommen wird. Ich bin kein großer Texter, das sehe ich nicht als meine Aufgabe als Fotograf.
Ich gebe gern dem Rezipienten die Möglichkeit, das Bild für sich zu benennen. Wenn sie im Bild keine Orientierung haben, müssen sie sich damitbeschäftigen. Ich merke dann auch, ob Leute Lust haben, sich mit dem Thema auseinanderzusetzen oder ob sie nur die Bildunterschriften studieren. Wenn ich Bilder aus Syrien, der Ukraine, der Türkei zeige, sollten die Menschen Kontextwissen mitbringen. Haben sie es nicht, vermittle ich es gerne, am liebsten im persönlichen Gespräch. Es geht mir nicht darum, schöne Bilder zu machen, um bei Instagram Likes anzuhäufen. Mir geht es darum, die Leute zum Nachdenken zu bringen.

BF: Sie haben einen hohen Anspruch an Menschen.

Hannes P. Albert: Ja klar, das ist ein hoher Anspruch, vielleicht auch ein zu hoher Anspruch. Aber wenn solche Interviews wie dieses hier oder Ausstellungen stattfinden, dann wissen Menschen auch, was mein Konzept ist. Vielleicht kann ich sogar dazu anregen, sich über Konflikte zu informieren.Ich bin kein Fotograf für Laufkundschaft. Ich bin ein Fotograf für Leute, die sich für bestimmte Themen interessieren. Klar, meine Bilder aus Indien oder Thailand, die nicht konfliktlastig sind, sind einfach schön, allein der Farben wegen. Man kann sich diese Bilder ohne Weiteres ins Zimmer hängen, aber bei Konflikten gehört es zur Bildbetrachtung dazu, sich zu informieren, um ein tieferes Verständnis zu bekommen. Ich habe Konflikte auch nur verstanden, weil ich mich vorher intensiv damit auseinandergesetzt habe. Sonst hätte ich nicht so fotografieren können.

BF: Also sollen Ihre Fotos den Menschen abseits von konfliktgebeutelten Regionen helfen, Konflikte zu verstehen und nicht umgekehrt.

Hannes P. Albert: Es soll den Menschen helfen zu verstehen, aber sie müssen auch Hintergrundwissen mitbringen. Sie müssen Interesse mitbringen, damit sie noch tiefer in eine Materie eindringen können. Ein Bild per se ist immer erst zweidimensional. Um das Bild zu verstehen, muss man mehr als nur einen Zeitungsartikel gelesen haben. Es ist viel verlangt, das weiß ich. Deswegen bin ich bei meinen Ausstellungen immer mit dabei, um mit den Besuchern ins Gespräch zu kommen. Austausch kommt jedoch nur zustande, wenn die Rezipienten wirklich Interesse haben. Wenn es kein Grundinteresse gibt für die Region, die Menschen und das Bild, ist der Betrachter vielleicht besser bei Instagram aufgehoben, wo man schnell schöne Bilder konsumieren kann. Ich möchte eher eine andere Gruppe Betrachter ansprechen.
Menschen können kulturell so unglaublich unterschiedlich sein. Man muss sich ein Gefühl dafür erarbeiten, um Konflikte besser verstehen zu können. Ich wünsche mir sehr, dass diese Art von Wertschätzung und Respekt auch im kommerziellen Journalismus wieder mehr Einzug hält. Alle Menschen haben es verdient, so dargestellt zu werden, wie sie sind. Sie sollen nicht als Motiv für ein Narrativ dienen, welches lediglich auf Sensation und Spaltung abzielt.

BF: Herr Albert, vielen Dank für das Gespräch und Ihre Einblicke.

Hannes P. Albert: Vielen Dank an Sie für diese schöne Gelegenheit!

Weitere Bilder Von Hannes P. Albert findet man auf seinem BF-Profil oder seiner Internetseite

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BF: Hallo Herr Neunert, Sie sind über zwei völlig andere Berufe zur Fotografie gekommen.

Kai Neunert: Ja, ich bin ein staatlich-geprüfter Sportlehrer und habe davor eine Ausbildung als Hotelfachmann abgeschlossen. Darüber hinaus habe ich schon immer gern fotografiert, aber nicht ernsthaft daran geglaubt, das als Job machen zu können. Ich hatte immer Spaß am Fotografieren und nachdem es für mich immer wichtiger wurde, habe ich ein Praktikum in einem großen Münchner Fotostudio begonnen. Anfangs musste ich vom Hohlkehlestreichen bis zur Mappenvorbereitung für den Studiobesitzer alles machen. Ich bekam aber im Gegenzug das gesamte Briese-Fotoequipment des Studios zur Verfügung gestellt mit dem ich mich abends stundenlang selbst portraitierte. Um die Technik zu verstehen, war dieser Deal großartig und niemand konnte ungeduldig werden. In dem Fotostudio haben viele internationale Fotografen Kampagnen geschossen. Ihnen konnte ich über die Schulter schauen und viel dazu lernen. Zudem habe ich schnell Kontakt zu den besten Fotoassistenten gefunden, die mich später auch in Ihren Pool der Assistenten aufnahmen. Als Autodidakt habe ich mir viel selbst beigebracht und in Kombination mit der Erfahrung als Hotelfachmann und Sportlehrer, habe ich eben schnell verstanden, was einen guten Assistenten ausmacht.

BF: Den Sportlehrerjob haben Sie damit erst einmal aufs Eis gelegt?

Kai Neunert: Den Sportlehrerjob schon, den Bezug zum Sport nicht. Unter anderem mache ich ja werbliche Sportfotografie. Ich war in der Fotografie innerhalb kürzester Zeit so stark involviert, dass eine Parallelwelt gar nicht mehr möglich war. Natürlich war das alles nicht einfach, auch wenn es sich einfach anhört. Ich habe anfangs ohne Bezahlung in dem Fotostudio gerackert, später erst als Fotoassistent Geld verdient und die ganze Zeit nebenbei noch als Rikschafahrer gejobbt. Das gab mir die Freiheit, so einfach in diesen Beruf einzusteigen, denn immer wenn ich keine Assistenzjobs hatte, habe ich als Rikschafahrer gearbeitet. 

BF: Als Sportlehrer hätten Sie womöglich mehr verdient. Was hat Sie dazu bewegt, trotzdem lieber als Fotoassistent zu arbeiten?

Kai Neunert: Es ist eher andersrum. Die Verdienstmöglichkeiten als Sportlehrer sind leider sehr gering. Zudem habe ich mich als Freigeist in einem 9-5-Job in einer Schule nicht glücklich werden sehen. Nun bin ich glücklich frei zu sein und lebe meine kreative Ader aus. Ich will das machen, was gerade meine Leidenschaft ist. Meine Einsichten ins Leben ändern sich ja ständig. Hotelfachmann zu lernen, war keine wirkliche Leidenschaft, sondern eine Vernunftentscheidung, initiiert durch meine Eltern. Trotzdem habe ich durch diesen Job viel im Ausland erlebt und bin überhaupt nicht traurig darüber, das gelernt zu haben: Mexiko, Frankreich, England. Allein im Ausland als Hotelfachmann zu sein, hat mich erweckt und mich immer mehr an mich glauben lassen und das, was für mich tatsächlich wichtig ist. Deswegen bin ich dann auch Schritt für Schritt dem nachgegangen, was ich wirklich wollte. Dadurch erst bin ich zur Fotografie gekommen. Innerhalb der Fotografie musste ich dann auch wieder herausfinden, wo genau die eigene Leidenschaft liegt. Anfangs habe ich viel Fashion fotografiert, dann aber gemerkt, dass Fashion nicht meine wahre Leidenschaft ist. Deshalb gab es dann wieder einen Bruch. Diese Brüche im Leben zu machen, ist für mich wichtig, um alte Themen abzuschließen und neue Schritte zu gehen. Das ist die Ehrlichkeit meinem eigenen Leben gegenüber. So schön das Sportstudium auch war, umso wichtiger war es, meiner nächsten Leidenschaft zu folgen. Daher war das Geld immer nur Mittel zum Zweck, um an das Glück zu kommen.

BF: Die Modefotografie ist für viele Fotografen das Nonplusultra.

Kai Neunert: Ich habe bei großen Modekampagnen und Werbekampagnen assistiert und denke, dass ich das Leben als Modefotograf einschätzen kann. Mir liegen die Leute in der Werbung einfach mehr. Vielleicht bilde ich es mir ein, aber für mich sind sie einfach offener und bodenständiger. Ich fühle mich wohler unter Leuten, die direkt sagen, was sie meinen und was sie wollen.

BF: Finden Sie das bei den Leuten in der Werbebranche?

Kai Neunert: Ich kann nur von meinen eigenen Erfahrungen reden und natürlich nicht alle über einen Kamm scheren. Die Leute aus der Werbung fand ich meist lockerer, die sagen eher klar, was sie denken. Generell mag ich es mit Menschen, egal in welcher Branche, zu arbeiten und komme mit ihnen gut zurecht. Manchmal bin ich vielleicht auch zu ehrlich und der Schuss geht nach hinten los, das ist manchmal ein Problem. Ich glaube aber schon, dass Ehrlichkeit am längsten währt. Wenn mal etwas nicht gut läuft, dann spreche ich es aus. Dasselbe habe ich schon als Fotoassistent gemacht und bin damit öfter angeeckt, aber da war ich wohl im Kopf dann schon manchmal zu sehr der Fotograf. Es gibt Menschen, die mögen diese Offenheit gern und es gibt Leute, die mögen das nicht. Ich finde die Leute gut, die auch mir gegenüber ehrlich und direkt sind. Denn ich kann die Wünsche meiner Kunden nur umsetzen, wenn ich sie genau kenne.

BF: Findet sich diese Offenheit auch in Ihren Fotos wieder?

Kai Neunert: Ich habe eine sehr ehrliche Fotografie. Es geht mir nicht darum, überzogene Bilder zu machen, die Kraft meiner Fotos liegt oft im scheinbar nebensächlichen Detail. Außerdem arbeite ich stark mit den Menschen zusammen, die ich fotografiere. Man muss eben auch sein Handwerk gut im Griff haben, um sich auf das Zwischenmenschliche und die Feinheiten konzentrieren zu können. Denn nur wenn die Atmosphäre stimmt, entstehen letztlich starke Bilder.

BF: Gibt es einen Moment oder ein Foto, an welches Sie sich sehr, sehr gern erinnern?

Kai Neunert: Es ist immer das letzte Foto, was ein Besonderes für mich ist. Jetzt habe ich gerade Portraits für ein Innenarchitekturbüro gemacht, ein Firmenportrait. Wir hatten sofort einen super Draht zueinander. Es sollte einen werblichen Charakter haben, aber trotzdem die Persönlichkeit der Menschen, die in dieser Firma arbeiten, rüberbringen. Das war ein wunderbares Shooting und ein toller Moment für mich. Ich könnte zu jedem einzelnen meiner Bilder eine Geschichte erzählen. Es gibt zum Beispiel ein Handballerbild, was für mich recht emotionsreich ist. Ich habe es vor einiger Zeit geschossen, aber es sticht mir noch immer ins Auge, wenn ich auf meine Website gehe. Das Shooting war nicht so einfach. Da es technisch auf einem hohen Niveau stattfinden sollte, ich aber, da es eine freie Arbeit war, kein Budget hatte, musste ich improvisieren. Eigentlich wollte ich eine größere Strecke fotografieren, habe aber nur dieses eine Bild letztlich so hinbekommen, wie ich wollte, weil meine Technik streikte. Daher liebe ich dieses eine Bild gerade wegen der technischen Schwierigkeiten, unter denen es entstanden ist. Heute würde mir so etwas nicht mehr passieren. Diese Aufnahme steht für mich, weil ich früher ein Einzelkämpfer war und versucht habe, mich peu à peu nach oben zu hangeln. Heute versuche ich, immer mehr im Team zu arbeiten. Das Leben geht immer weiter. Ich hangel mich ständig von Situation zu Situation.
Eine andere Geschichte, die mir wichtig ist, findet man auf meiner People/Portrait-Seite unter DDR-”Kinder”-Portraits. Es ist ein fortlaufendes Fotoprojekt, welches ich vor 3 Jahren angefangen habe, bei dem ich manchmal nicht wusste, wie es weitergehen soll. Es geht um in der DDR aufgewachsene, namibische Kinder, die mit 5 Jahren nach Deutschland gebracht worden sind, hier ausgebildet wurden, um später die zukünftige namibische Elite zu bilden. Anfang der 90er Jahre sind sie im Alter von etwa 15 Jahren wieder nach Namibia geschickt worden. Teilweise sind die jungen Menschen dort wieder aufgefangen worden von ihren Familien. Zum Teil kamen die Kinder aus Familien, in denen Regierungsmitglieder waren, es waren aber auch Flüchtlingskinder dabei. Diese heute Erwachsenen zu fotografieren ist mein Langzeitprojekt. Ich möchte so viele Portraits wie möglich machen. Ich war gerade in Namibia und habe wieder Bilder gemacht, aber da warten noch viele auf mich. Das Projekt ist für mich auch interessant, weil es ein Lichtkonzept hat, was ich überall auf der Welt rekonstruieren kann. Ich brauche dafür nur wenig Equipment, dafür habe ich aber trotzdem ein tolles Licht. Alle Portraitierten werden im selben Licht dargestellt mit diesem starken Ausdruck. Das regt zum Fragen an. Ich möchte unbedingt in der Zukunft eine Ausstellung zu dieser Serie machen.

BF: Wie kam es zu diesem Projekt? Namibische Kinder in der ehemaligen DDR ist kein alltägliches Thema.

Kai Neunert: Meine Frau ist auch als Kind von Namibia nach Deutschland gebracht worden. Sie war eines dieser Kinder. Es ist an sich ein interessantes Thema, aber natürlich habe ich durch meine Frau einen besonderen Zugang zu den Portraitierten und ihren Geschichten. Gerade bei so einem Thema ist es mir wichtig, die Menschen authentisch rüberzubringen, sie zu respektieren. Die Bilder sind daher kaum retuschiert. Einerseits möchte ich nur die Gesichter auf den Bildern sprechen lassen und gar nichts zu dem gesamten Projekt schreiben, andererseits kristallisiert sich immer mehr heraus, wie unterschiedlich die Geschichte jeder einzelnen Person ist. Ich frage mich, ob diese nicht doch erzählt werden sollten und erarbeite mir da derzeit ein Konzept im Kopf. Durch diese Portraitreihe spricht der Künstler aus mir. Aber ein großer Teil meiner Arbeit ist auch kommerzieller Natur und das stört mich auch nicht. Weil ich eben gerne mit anderen fusioniere. Dann gibt es natürlich noch ein anderes Sportfoto, das mir wichtig ist: die Eisbachsurfer. Eines schneienden Nachmittags rief mich eine Rikschafahrerkollegin an, um mir zu erzählen, dass sie am Eisbach surft. Sie fragte, ob ich vorbeikommen möchte. Ich habe spontan meine Sachen gepackt und bin hin. Es schneite und war unglaublich glatt. Meine Geräte sind immer feuchter geworden und wären fast kaputt gegangen. Ich bin einmal fast ins Wasser gefallen und am Ende dachte ich, in dem ganzen Schneegestöber, dass alles umsonst war. Aber zu Hause entpuppte sich das ganze als Juwel. Das sind dann Shootings, an die man sich lange erinnert.

BF: Hat Ihre Sportlerkarriere Ihr Durchhaltevermögen in dieser Hinsicht gestärkt?

Kai Neunert: Nicht nur die Sportlerkarriere, ich glaube, meine Hotelfachmannausbildung hat damit etwas zu tun und das Reisen insgesamt. Oft war ich allein unterwegs und musste das Beste aus dem Gegebenen herausholen. Als Hotelfachmann muss man sehr flexibel sein und muss immer eine kundenorientierte Lösung finden. Bei der Fotografie ist es genauso: Ich komme oft an einen Ort, der sich vielleicht als ganz anders als erwartet erweißt. Dann muss ich flexibel sein, spontan daraus das Beste herausholen. Das inspiriert mich sogar oft und macht das Ganze am Ende noch besser.

BF: Vielen Dank und weiter viel Glück Herr Neunert.

Kai Neunert: Vielen Dank für das nette Interview.

Weitere Bilder von Kai Neunert findet man auf seinem BF Profil oder seiner Internetseite

BF: Hallo Frau Jureczko, Sie arbeiten im Mode- und Kunstbereich, wie sind Sie eigentlich zur Fotografie gekommen?

Lisa Jureczko: Ich habe einfach aus Spaß angefangen zu fotografieren, wollte mich kreativ austoben und habe mit Freunden viel ausprobiert. Technisch habe ich mir dann alles selbst beigebracht. Professionell wurde es erst Anfang 2015, als ich dann wirklich begonnen habe, mich auf Modefotografie zu fokussieren. Ich habe angefangen, intensiv mit Designern und Agenturmodels zusammenzuarbeiten.

BF: Was reizt Sie an Modefotografie?

Lisa Jureczko: Ich habe mich von Anfang an auf Menschen- und Portraitfotografie spezialisiert. Ein Bekannter hat mich dann auf eine Fashion-Show der Akademie für Mode & Design Düsseldorf mitgenommen. Dort habe ich viel im Backstage-Bereich fotografiert. Damit fing dann alles an. Ich habe gemerkt, dass es das ist, worauf ich mich konzentrieren möchte, denn in diesem Bereich kann ich mich persönlich und fotografisch verwirklichen.

BF: Und was ist so verlockend an dieser Modebranche?

Lisa Jureczko: Ich mag die Zusammenarbeit mit anderen Kreativen sehr gern. Verschiedene kreative Persönlichkeiten, die mich immer wieder zu neuen Projekten inspirieren. Das ist es. Das reizt mich am meisten an der Modefotografie. Die Modebranche ist schnelllebig und hart umkämpft. Aber wenn man das wirklich machen möchte, muss man dranbleiben, auch wenn es schwierig ist. Man muss sich kontinuierlich weiterentwickeln, Kontakte knüpfen und darf sich nicht unterkriegen lassen von dem harten Ton oder den Absagen. Die harte Konkurrenz ist natürlich da, aber die herrscht in allen Bereichen der Fotografie, egal, ob ich Hochzeiten fotografiere oder Produkte oder eben Mode. Einen Haken hat jede Spezialisierung.

BF: Sie bieten Retusche und Modefotografie auf Ihrer Webseite an. Wie kommt es zu dieser Kombination?

Lisa Jureczko: Ich habe mich durch das Retuschieren meiner eigenen Strecken auf dem Gebiet stark weitergebildet und biete das als Service anderen Fotografen an. Retusche ist letztlich ja immer ein wichtiger Teil in der Modefotografie.

BF: Worauf achten Sie bei Ihren Bildern?

Lisa Jureczko: Emotionen zu transportieren und mit außergewöhnlichen Perspektiven zu arbeiten ist mir wichtig. Ich versuche auch verstärkt eine Message zu transportieren. Wenn der Kunde ein klassisches Look-Book wünscht, setze ich das natürlich um. Bei meinen eigenen Projekten hingegen, will ich den Betrachter tiefgründiger berühren. Er soll sich emotional in den Mode- oder Portraitaufnahmen wiederfinden. Ich möchte mehr tiefgründiges Storytelling in der People- und Fashionfotografie. Ich arbeite gerne kreativ und wenn ich eine Strecke fertig produziert habe, fallen mir gleich 10 neue Ideen für Projekte ein. Mein Antrieb ist dieses kreative Arbeiten. Das erfüllt mich auch auf einer einer persönlichen Ebene. Gerade die Zusammenarbeit mit meinem festen Team treibt mich voran und ist mir besonders wichtig. Wenn es dann zu kommerziellen Produktionen über die freien Arbeiten hinaus kommt und ich davon leben kann, ist das optimal.

BF: Das hört sich recht reflektiert und besonnen an. Gibt es auf Shootings etwas, was auch mal richtig schief läuft?

Lisa Jureczko: Was mich immer mal wieder fast in den Wahnsinn treibt, ist der Mangel an Kommunikation. Wünsche, die während des Shootings nicht geäußert werden, können im Nachhinein schlecht erfüllt werden. Wenn ich bei einer Session ein Lookbook shoote und im Nachhinein zusätzlich Detailaufnahmen gewünscht werden, ist das echt blöd gelaufen. Unzuverlässigkeit ist ein Faktor, der immer wieder vorkommt und mich dann beim kreativen Arbeiten ausbremst. Das sind zwei Dinge, mit denen ich weder auf beruflicher, noch auf privater Ebene klarkomme.

BF: An welche Jobs erinnern Sie sich gern?

Lisa Jureczko: Das sind die Strecken, die ich mit meinen festen Team - der MakeUp Artist Anna Hoppe und dem Stylisten Yannic Hohaus - umgesetzt habe. Wir harmonieren und denken auf kreativer Ebene gleich. Deshalb liegen mir diese Projekte am Herzen und machen mir am meisten Spaß. Wir haben uns zusammen weiterentwickelt in unseren jeweiligen Bereichen innerhalb des letzten Jahres und das ist schön zu sehen.

BF: Wann ist ein Bild besonders für Sie?

Lisa Jureczko: Wenn das Foto eine Geschichte transportiert, die jeder Betrachter für sich, individuell aufgrund seiner eigenen Erfahrungen und Eindrücke, erfährt. Oder natürlich wenn ein Foto eine Stimmung transportiert.

BF: Welche Leidenschaften haben Sie außer der Fotografie?

Lisa Jureczko: Ich studiere gerade zusätzlich Kunstgeschichte und Archäologie. Letzteres ist die Erfüllung eines Kindheitstraumes. Ich kann mir gut vorstellen, in diesem Bereich tätig zu sein, aber auf jeden Fall in der Kombination mit der Fotografie. Ich arbeite bereits mit Auktionshäusern zusammen, und möchte mich auch mit Museen und Galerien gezielt vernetzen.

BF: Was können Kunden von Ihnen erwarten?

Lisa Jureczko: Zuverlässigkeit, Ehrgeiz, Unterstützung und vor allem Teamarbeit. Ich sehe mich nicht als Einzelgänger, sondern als Teamplayer. Ich versuche das Team zu unterstützen, egal ob es freie Projekte oder Kundenaufträge sind.

BF: Können Sie jungen Menschen einen Erfolg versprechenden Weg in die Fotografie empfehlen?

Lisa Jureczko: Alles hat seine Vor- und Nachteile. Ich bin ja selbst Quereinsteigerin. Ich finde, dass man sich so gut es geht fortbilden sollte und sich von Rückschlägen nicht allzu sehr beeinflussen lassen sollte. Sich im Team weiterentwickeln ist bei mir sehr wichtig - mit und durch die anderen wachsen. Egal in welchem Bereich man tätig ist, finde ich es wichtig mit Menschen zusammenzuarbeiten, mit denen man auf einer Wellenlänge ist. Zudem gibt es viele Organisationen, die junge Leute unterstützen bei Ausstellungen. Diese Chancen sollte man nutzen. Ich hatte zum Beispiel eine meiner ersten Ausstellungen während des ARTIG Festivals hier in Düsseldorf. Die fördern junge, talentierte Künstler. Wer Mode fotografieren will, dem empfehle ich - sobald er oder sie einen gewissen Standard in seinem Portfolio erreicht hat - früh in Kontakt mit Magazinen und Modeschulen zu treten.

BF: Sehen Sie sich eigentlich eher als Handwerker oder als Künstlerin?

Lisa Jureczko: Bei freien Arbeiten ist der künstlerische Aspekt auf jeden Fall im Vordergrund. Kundenaufträge im Werbebereich gehören für mich nicht unbedingt in den künstlerischen Bereich. Es sei denn, es geht um kreative Kundenanfragen, dann kann ich mich natürlich auch künstlerisch ausleben. Ich stecke viel Herzblut in jede Arbeit und es ist nie einfach nur ein Job. 

Weitere Bilder von Lisa Jureczko gibt es auf ihrem BF Profil oder ihrer Internetseite

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BF: Hallo Herr Güth, Sie stammen aus einer Fotografenfamilie und sind somit recht früh mit Fotografie in Kontakt gekommen.

Oliver Güth: Ja, das stimmt. Die Fotografie gehört irgendwie zu meiner Familie, meine Mutter war auch schon als Fotolaborantin tätig. Letztlich wurde das Fotografieren dadurch auch ein Teil von mir. Ich mag den Job, da es sehr abwechslungsreicher Beruf ist. Ich habe viel mit Menschen zu tun und muss mich immer wieder auf neue Situationen und Herausforderungen einlassen. Egal, ob es um ein Produktfoto geht, um einen Sportler oder ein Businessportrait. Mein eigener Chef zu sein und meine Arbeitszeiten selbst bestimmen zu können ist ebenfalls großartig.

BF: Viele Fotografen kommen auf Umwegen zum Beruf. Gab es bei Ihnen Alternativpläne?

Oliver Güth: Ich wollte immer schon etwas mit Medien machen und habe dann eine Ausbildung zum Mediengestalter Bild und Ton absolviert. Ich hatte im Freundeskreis Leute, die Grafiker oder in einer Agentur gearbeitet haben. Das Thema Medien war dadurch schon immer präsent. Hätte ich mich letztlich nicht für die Fotografie entschieden, wäre ich wahrscheinlich beim Film gelandet oder Grafiker geworden. Ich finde das ganze Thema Medien interessant und spannend, egal, ob es sich um Film, Fotografie, Grafik oder PR und Marketing handelt.

BF: Sie sprachen gerade von Herausforderungen..

Oliver Güth: Die größte Herausforderung bisher war eine Fotoproduktion für einen großen, internationalen Kunden in Polen. Das war meine erste technisch sehr schwierige Auslandsproduktion im Industriebereich. Wir mussten eine Lackiererei im offenen Betrieb filmen, gleichzeitig fotografieren und hatten dafür 10 Kameras, die zeitgleich fotografiert und gefilmt haben. Es gab dabei nur einen einzigen Versuch und dieser hat den Betrieb 100.000 Euro gekostet. Das gesamte Equipment musste dabei wasserfest sein. Eine ganze Halle wurde geflutet und wir mussten Film- und Fotokameras per Fernsteuerung bedienen. Das Handling war daher extrem schwierig. Schon bei den Vorbereitungen haben wir Blut und Wasser geschwitzt.

BF: Worauf legen Sie den Fokus in Ihrer Arbeit und hatten Sie in Ihrem Berufsleben bisher einen besonders schönen Auftrag?

Oliver Güth: Am wichtigsten ist mir die gute Vorbereitung. Bevor ich auf den Auslöser drücke, bin ich oft 1-2 Wochen mit der Planung beschäftigt. Meist habe ich dann bereits ein genaues Bild vor meinem Auge. Neben der Planung ist natürlich das eigene Team sehr wichtig und natürlich die eigene Leidenschaft, um ein möglichst perfektes Foto zu bekommen.

Ich freue mich auch nach Jahren immer noch wie ein kleines Kind, wenn das perfekte Bild nach all den Konzepten, Agenturscribbles, Absprachen und manchmal wochenlangen Vorbereitungen dann im Kasten ist.

Ein gutes Beispiel und eine meiner bisher schönsten Arbeiten ist ein Foto mit einem Boxer. Ich habe mich sehr intensiv mit der Materie auseinander gesetzt. Den Sportler habe ich dabei Wochenlang beim Training und seiner täglichen Routine sorgfältig studiert. Da ich selbst 10 Jahre Kampfsport betrieben habe, kannte ich bereits schon vieles und die restlichen Techniken / Abläufe, habe ich mir von seinem Coach erklären lassen. Der Boxer selbst ist mehrfacher Weltmeister im Weltergewicht. Ich habe insgesamt 3 Wochen Vorbereitungszeit für das Shooting gebraucht. Nach 20 Minuten war das Bild schon im Kasten! Das war phänomenal, der schönste Moment im ganzen Monat. Das Bild ist genauso geworden, wie ich es haben wollte. Der ganze Druck fällt ab, wenn ich am Ende ein tolles Bild habe.

BF: Gibt es etwas, was Sie nicht gerne machen?

Oliver Güth: Das ist ganz klar die Buchhaltung. Die ist ein Albtraum für mich. Die Akquise abgeben zu können, wäre ebenso großartig. Die Rückschläge, die ich bei der Akquise durch Absagen habe, weil es schwer ist, sie nicht persönlich zu nehmen, können einen manchmal etwas frustrieren.

Für mich ist grundsätzlich wichtig, dass ich keine monotonen Arbeiten mache und etwas Visuelles am Ende steht, das ich erschaffen habe. Das finde ich schön. Man schafft als Fotograf Werte, man schafft Inhalte und nicht nur stumpfsinnige Berechnungen, die auch ein Computer durchführen könnte. Man erschafft etwas Kreatives. Es ist auch spannend, sich mit Konzepten auf ein Projekt vorzubereiten. Den kreativen Entwicklungsprozess hinter dem angeblichen Schnappschuss finde ich immer spannend und interessant. 

BF: Wann ist ein Bild für Sie dann ein gutes Foto?

Oliver Güth: Ein gutes Bild drückt Emotionen aus. Völlig egal, ob es von mir oder anderen Fotografen stammt. Gerade bei People-Fotografie sind Emotionen entscheidend. Die Models sollten nicht nur stumpfsinnig in die Kamera lächeln, wie das manchmal auch auf meinen Bildern kundenbedingt zu sehen ist, sondern andere Menschen persönlich tief berühren.

Persönlich finde ich People-Fotografie am interessantesten, weil man kein Produkt vor sich hat, sondern die Zwischenmenschlichkeit zählt. Sportfotografie finde ich reizvoll, weil ich einen persönlichen Bezug zu Sport habe. Ich mache selber viel und vielseitigen Sport. In meiner Jugend habe ich Leichtathletik als Leistungssport betrieben. Ich habe auch 5 Jahre Kampfsport gemacht und gehe seit 15 Jahren oft Skaten, Surfen und Snowboarden. Bei mag auch den dazugehörigen Lifestyle unglaublich gern. Zum Strand gehen, draußen sein. Ich komme selbst aus dieser Szene und deshalb passt es fotografisch perfekt. Den Lifestyle, den ich fotografiere, lebe ich auch privat. Den Sport lebe ich sowieso.

Mehr Bilder von Oliver Güth gibt es auf seinem BF Profil oder seiner Internetseite

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BF: Hallo Frau Frommelt, Sie sind erst über kleinere Umwege zur Fotografie gekommen. Wie war das bei Ihnen?

Jule Felice Frommelt: Eigentlich habe ich ja zuerst Kunst an der Kunsthochschule Weißensee in Berlin studiert und dabei viel Foto/Text-Arbeiten gemacht. Durch die Teilnahme an einem Wettbewerb bin ich dann zusätzlich an die Ostkreuzschule für Fotografie gekommen und habe beide Studiengänge parallel gemacht. Nach dem Meisterschülerstudium und der Geburt meines Kindes habe ich dann angefangen, als Freiberuflerin in einem Medienbüro zu arbeiten und zwischendurch auch Mode fotografiert. Diese ersten Jobs kamen durch die alten Kontakte von der Kunsthochschule Weißensee zustande. Über einen Job als Bildredakteurin kamen dann erste Aufträge im Foodbereich und das ist dann zu meinem Hauptfokus in der Fotografie geworden. Ich fand es von Anfang an toll, dass man beim Fotografieren eigentlich nur eine Kamera braucht und räumlich und zeitlich unabhängig ist.

Fotografie ist zudem sehr abwechslungsreich und variabel. Ich kann die Kamera überallhin mitnehmen und aus kleinen Dingen viel machen, schon beim Fotografieren und dann später im Labor und heute mit der Bildbearbeitung. Das war der Anfang. Mir war aber auch schnell klar, dass ich davon leben möchte und nicht nur schöne Reportagen zaubern kann. Darüber hinaus mag ich das Angewandte sehr gerne und finde es schön, mich mit einem Kunden auszutauschen und gemeinsam zu entwickeln, wo es mit den Bildern hingehen soll. Wenn man Kunst macht, ist man schon sehr allein und das wollte ich nicht.

BF: Was ist denn das Reizvolle an Foodfotografie?

Jule Felice Frommelt: Den Anfang hat der Job für die Gastrozeitung gemacht, aber ich beschäftige mich auch in meiner Freizeit viel mit Kochen, Essenszubereitung, dem Gärtnern und Anbauen von Lebensmitteln. Dieses Wissen um das Essen war für die Auftraggeber immer ein Plus, weil ich eben weiß, wie etwas aussieht, wie man kocht. Manchmal muss der Auftraggeber dann keine Stylistin buchen, weil ich diese Aufgaben selbst übernehmen kann. Es ist einfach voll mein Ding, außer dass mir manchmal doch die Menschen fehlen.

Lustigerweise bin ich ein halber Eigenbrötler. Ich fotografiere Essen und ich bin oft froh darüber, dass es Essen ist und keine Menschen, die vor mir stehen. Aber letztes Jahr habe ich in einem Team für ein Foodunternehmen gearbeitet und das hat mir auch richtig viel Spaß gemacht.

BF: Haben Sie ein Bild, das Sie gemacht haben und besonders mögen, eines, das Ihre Art der Arbeit widerspiegelt?

Jule Felice Frommelt: Es gibt einige Bilder, die ich sehr gern mag, aber ein absolutes Lieblingsbild habe ich nicht. Grundsätzlich mag ich es, wenn es nicht ganz perfekt ist. Denn ich bin keine Werbefotografin. Es muss gut aussehen, ansprechend sein, es soll den Menschen nicht fremd sein, man muss sich damit identifizieren können. Ich mag zudem nicht viel Dekoration, es soll alles eher natürlich aussehen.

BF: Was macht ein gutes Foto, unabhängig von der Foodfotografie, aus?

Jule Felice Frommelt: Wenn ein Bild eine Sehnsucht nach einem Moment entstehen lässt, eine Stimmung bei mir erzeugt oder eine Erinnerung in mir auslöst, wenn irgendetwas in mir hochkommt, dann schaue ich das Bild gern an und träume mich gern in eine andere Welt.

BF: Was würden Sie tun, wenn Sie nicht Fotografin wären oder Kunst studiert hätten?

Jule Felice Frommelt: Ich hätte etwas Handwerkliches gemacht, wahrscheinlich würde ich viel mit Holz arbeiten. Meine Untergründe fürs Fotografieren bauen, streichen, schmirgeln, nageln, das finde ich toll. Ich würde etwas machen, wo ich aktiv sein kann und mit den Händen etwas schaffen kann.

BF: Was macht Jule Felice Frommelt aus? Was dürfen Kunden von Ihnen erwarten, wenn sie Sie buchen?

Jule Felice Frommelt: Ich glaube, dass ich ziemlich kreativ bin. Ich halte nicht nur die Kamera auf etwas drauf, sondern denke mit. Ich überlege mir ein Konzept, weil alles auch in sich stimmig sein soll. Ich frage mich, ob das zum Kunden, zu seinem Konzept passt, rede viel mit den Auftraggebern, mag den stetigen Austausch. Ich bin sehr zuverlässig, halte mich an Abmachungen und bin nicht kleinlich. Ich arbeite zackig und habe Spaß bei der Arbeit. Ich bin ehrlich und sage direkt und offen, was ich kann und nicht bieten kann.

BF: Was war Ihr schönster Moment in Ihrer Fotografenlaufbahn? Gibt es eine Geschichte, an die sie sich gern erinnern?

Jule Felice Frommelt: Es gibt immer wieder Momente, die schön sind. Ein Superlativ fällt mir gerade nicht ein, aber kürzlich  hatte ich ein tolles Shooting an einem Sonntag in einem Feinkostladen mit einer super vorbereiteten Inhaberin, was richtig viel Spaß gemacht hat. Wir haben morgens angefangen und bis zum Abend nur fotografiert, ohne Pause, weil wir so viel Freude hatten und im Flow waren. Es war ein toller Tag. Ich war fix und fertig. Sie war zufrieden. Ich war zufrieden. Mir ist es auch ein Vergnügen, kleine Dinge, kleine Gerichte zu fotografieren und sie auf dem Bild spektakulär wirken zu lassen und so einen Mehrwert für den Betrachter zu schaffen. Wenn etwas Kleines, Banales durch das Foto ein Plus mit Sternchen bekommt, bin ich richtig zufrieden.

BF: Welche Herangehensweise würden Sie jungen Menschen raten, die Fotograf werden wollen? Zu welcher Ausbildungsform würden Sie raten?

Jule Felice Frommelt: In diesem Fall irgendetwas zu raten, finde ich wirklich schwierig. Ich habe Bekannte, die wirklich gut sind und trotzdem wenig Jobs haben. Es ist immer gut, einen eigenen Stil zu entwickeln und nicht zu sehr nachzuahmen. Außerdem glaube ich, dass früh mit dem Netzwerken zu beginnen wichtig ist, um später Jobs zu bekommen. Freundlich, sozial und aufgeschlossen zu sein und mit anderen reden zu können sind zudem oft Voraussetzungen für eine langfristige Zusammenarbeit. So habe ich es geschafft, dass wir als Familie davon leben können.

Die Ostkreuzschule für Fotografie war eine tolle Zeit, auch wenn ich dort nicht viel über Technik gelernt habe. Ich habe sieben Jahre studiert, bin viel gereist, war viel unterwegs. Die Uni war der Rahmen, meine Erlaubnis, mir Zeit zu nehmen für meine persönliche und fachliche Entwicklung. Das war eine sehr lange Zeit und ein großes Glück. Letztlich hat sie vor allem meinen Blick geschult, mir geholfen, aus einer Masse an Fotos eine Serie zusammenzustellen, und auch in Kleinem etwas großes zu sehen. Ich hatte dort auch noch Sibylle Bergemann als Lehrerin, die ich sehr geschätzt habe. 

Vielleicht hatte es auch einfach nur mit dem Zeitgeist vor ein paar Jahren zu tun, den Mieten in Berlin, dem sozialen Umfeld und dem Lebensstandard. Man brauchte einfach weniger, weil alle weniger hatten und nicht unglücklich darüber waren.

Ich glaube auch, dass man am Anfang einfach nicht viel braucht, um zu fotografieren. Gerade bei jungen, coolen Fotografen sehe ich immer wieder, wie viel Equipment die im Vergleich zu mir haben. Ich bin sehr lange mit sehr wenig Technik gut klargekommen. Nicht die Kamera macht das Bild.

Mehr Bilder von Jule Felice Frommelt gibt es im Profil auf: BF oder der eigenen Seite

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BF: Hallo Herr Daams, Sie sind seit rund 15 Jahren als Fotograf tätig, wie kam es ursprünglich zur Berufswahl

Manfred Daams: Bei mir gab es zuerst kleinere Umwege: Eigentlich habe ich Lehramt mit den Fächern Biologie und Chemie studiert. Erst mit 28, 30 entdeckte ich im Keller meines Vaters eine ungenutzte Kamera und habe dann rasch gemerkt, dass mir das Fotografieren sehr viel Spaß macht. Ich habe mein Studium zu Ende gemacht, aber danach direkt angefangen zu fotografieren und durch einen glücklichen Zufall auch sofort damit Geld verdient. Ein Freund von mir hatte eine Online-Modellagentur und auf seiner Internetseite haben wir dann einen Link mit meinem Angebot Models und Schauspieler zu fotografieren gesetzt. Das lief sofort ziemlich gut. Damals war auch das Internet relativ neu und wir hatten ein gutes Googleranking. Ich habe mir dann eine eigene Webseite bauen lassen und rasch meine ersten großen Kunden bekommen. Das war damals die Telekom und so bin ich in diesen Beruf einfach reingerutscht. Ich habe nie ein Praktikum oder eine fotografische Ausbildung gemacht, bei niemanden gelernt, ich habe mir das alles selbst beigebracht.

BF: Ich höre ein bisschen Stolz heraus.

Manfred Daams: Ja (lacht), das bin ich auch ein bisschen, obwohl Stolz ein komisches Wort ist. Es war ein spielerisches Vorgehen. Ich habe mir nicht vorgenommen, Fotograf zu werden. Nach dem ersten Schritt kam der zweite und ich bin einfach weitergegangen.

BF: Haben Sie jemals bereut, nicht Lehrer geworden zu sein?

Manfred Daams: Nein, nie. Ich liebe es, Fotograf zu sein. Ich finde es total schön frei zu sein, unterschiedliche Arbeitszeiten zu haben und ganz unterschiedliche Sachen zu machen. Im Januar hatte ich etwa eine große Produktion in Südafrika und im Anschluss, habe ich ein Schauspielerportrait in Köln gemacht. Diesen Wechsel finde ich super.

Fotografieren ist mein Leben und das werde ich weitermachen. Gerade diese visuelle Ästhetik mag ich grundsätzlich.

BF: Gibt es Aufgaben im Fotografenleben, die Sie dennoch gerne auslagern würden?

Manfred Daams: Manchmal würde ich gern die Bildbearbeitung abgeben, nicht bei meinen eigenen Projekten, aber bei Auftragsarbeiten. Das ist einfach viel Arbeit, es sind ja riesengroße Mengen an Bilddaten, die ich mir anschauen muss und wenn es zu viel wird, lagere ich das tatsächlich an eine Grafikerin aus.

BF: Welchen Bereich in der Fotografie mögen Sie besonders gern?

Manfred Daams: Ich mag total gern inszenierte Fotografie. Neben meinen Jobs mache ich seit Jahren inszenierte Bilder mit der Stylistin Ursel Winkler zusammen. Dafür denken wir uns verschiedenste Szenarien aus. Wir haben uns etwa eine alte Jugendstilschwimmhalle gemietet, zu der wir uns eine Geschichte ausgedacht haben. Wir haben drei Kindermodels gebucht und in nostalgische Bademode eingekleidet. Dazu haben wir eine Trainerin mit Megafon gestellt, die die Kinder anbrüllt, wie früher. Das ist ein typisches Bild von mir, das ich gerne mag. Ich arbeite und inszeniere sehr gern Kinder. Diese Art der inszenierten Fotografie ist eine Herzensangelegenheit für mich.

BF: Mit Kindern zu arbeiten ist sicher oft anders.

Manfred Daams: Kinder überraschen mich einfach immer, die täuschen oder spielen nichts vor. Erwachsene haben immer schon bestimmte Posen im Kopf, die wissen, wie sie sich hinstellen müssen, um ihre beste Seite zu präsentieren. Kinder machen einfach, was sie wollen, die achten nicht darauf, schön zu sein, die sind einfach, wie sie sind und meistens kommt dadurch etwas Spontanes zustande, was dann das Foto interessant macht. Ich mag das, auch gern in Kombination mit einem Erwachsenen. Die Kinder spielen das Bild einfach komplett unvoreingenommen. Ich kleide die Kinder gern in nostalgische Kleidung, sodass eine Mischung aus kindlicher Naivität und etwas Erwachsenem entsteht.

BF: Wie würden Sie Ihren Stil beschreiben?

Manfred Daams: Mein Stil ist, glaube ich, romantisch, nostalgisch und verspielt. Wichtig ist mir, dass immer eine Idee hinter dem Bild steckt. Es kann dann eine inhaltliche Idee sein oder auch eine farbliche. Es gibt immer ein Konzept, das ich dann versuche ziemlich genau umzusetzen. Manchmal gelingt mir das, hin und wieder geht eine Idee auch nicht auf.

BF: Was machen Sie mit diesen freien Bildern?

Manfred Daams: Die Bilder werden in Ausstellungen gezeigt. Das Bild von der Bademeisterin und den Kindern in der Jugendstilschwimmhalle wurde bei White Wall in Berlin, Hamburg und München in allen Geschäften gezeigt und verkauft.

BF: Was ist für Sie dann ein richtig gutes Foto?

Manfred Daams: Ein gutes Foto muss den Betrachter festhalten. Es gibt ja gerade im Internet oder auf Pinterest Millionen von Fotos. Wenn ich dann bei einem einen Augenblick länger verweile, als ich es sonst tun würde, ist es für mich als Betrachter ein gutes Foto und für mich als Fotograf eine gelungene Arbeit.

BF: Was dürfen Kunden von Ihnen erwarten, wenn Sie zu Ihnen kommen?

Manfred Daams: 100 % Leidenschaft und Energie. Das bekommen sie auf jeden Fall. Ich mache nichts halbherzig. Ich versuche immer das Beste zu geben, bin dabei freundlich und lasse mich auf die Kunden ein. Das Schwierige an der Fotografie ist, herauszufinden, ob der Kunde ähnliche Vorstellungen vom Endergebnis hat. Diesem Austausch begegne ich mit möglichst viel Energie. Ich versuche dem Kunden in diesem Punkt möglichst viel zu geben, ihm möglichst viel Beispielbilder mit Licht, Klamotten, Farben zu zeigen, um eine starke Annäherung zu finden, bis ich das Gefühl habe, ich verstehe, was der Kunde mag. In diesem Punkt gebe ich alles, weil das abzugleichen, ist immer die schwierigste Aufgabe und das Entscheidende in der Fotografie.

BF: Immer mehr junge Menschen spielen mit dem Gedanken Fotograf zu werden, was können Sie ihnen auf den Weg geben?

Manfred Daams: Ich glaube, das Wichtigste ist, dass sie es wirklich wollen. Man muss fühlen, ob man Fotografieren wirklich liebt denn generell muss man für das, was man tut, richtig brennen. Die Menschen sollten sich selbst beobachten und schauen, ob sie für sich oder nur für Jobs fotografieren, ob sie nur für die Ausbildung lernen oder ob sie privat mit der Kamera herumlaufen. Wenn man sich privat Fotoprojekte ausdenkt, merkt man ja, ob man scharf darauf ist, nach dem Shooting schnell nach Hause zu gehen, um sich die Bilder am Rechner anzuschauen und man bereit ist, sein eigenes Werk kritisch-liebevoll zu analysieren. Wenn man brennt, funktioniert der Fotografenjob und man kommt weiter. Ohne Leidenschaft kann man ansonsten nicht von dem Job leben. Als ich angefangen habe, war ich manchmal so aufgeregt wegen irgendwelcher Bildideen, dass ich nicht schlafen konnte. Ich hatte schon die Bilder im Kopf. Das hat mich häufig so mitgenommen, dass ich richtig Lampenfieber hatte, was man als Fotograf, meiner Meinung nach, auch haben muss.

BF: Seit 2003 arbeiten Sie als Fotograf. Das sind schon ein paar Jahre Arbeitserfahrung in der Branche. Wie erhalten Sie sich Ihre Leidenschaft und die Energie?

Manfred Daams: Es gibt immer wieder neue Herausforderungen. Ich entwickle immer noch neue Bildideen. Gerade haben wir etwa mit einer Prominentenserie begonnen. Mir macht es richtig viel Spaß auszudenken, wo ich die Person fotografieren könnte und alles zu durchdenken. Wenn ich also jemanden in einem Auto fotografieren möchte, frage ich mich, wie die Rücksitze aussehen sollen, welche Farbe sie haben sollen und welcher Anzug dazu passen könnte. Darüber mache ich mir dann tagelang Gedanken und für diesen Prozess habe ich noch immer eine starke Leidenschaft. Wie man sich die Leidenschaft erhält, das weiß ich nicht. Das ist, glaube, ich eine Frage des Naturells, vielleicht ist es eine Mischung aus Spaß und Erfolg. Der Erfolg ist auf jeden Fall ein starker Antreiber, wenn man nur für sich fotografiert, wird es schwierig, die Begeisterung beizubehalten. Insgesamt muss eine Entwicklung zu sehen sein, die Fotos sollten dann immer besser werden.

BF: Welche erfolgreichen Schritte gab es in Ihrem Berufsleben?

Manfred Daams: Der erste, wichtige Schritt, war der Auftrag für eine große Firma. Danach hatte ich ungefähr einmal pro Jahr einen Auftrag für eine noch größere Firma. Dazwischen habe ich auch Firmenportraits für kleinere Firmen gemacht, aber einmal pro Jahr gab es diese größere Herausforderung für mich. Irgendwann rief der Burda Verlag an, für den habe ich dann Reisereportagen in Europa machen dürfen. Dieser Auftrag war ein super erfolgreicher Schritt, ich konnte an die schönsten Orte der Welt fahren und habe das gemacht, was ich liebe: Fotos machen. Das mache ich bis heute noch mit einer netten Redakteurin vom Verlag.

BF: Gibt es auch negative Dinge, die Ihnen als Fotograf passiert sind?

Manfred Daams: Meine Kamera wurde mir geklaut und das war damals mein Lieblingsbaby. Das war die EOS Mark III, die ich geleast hatte. Eine Versicherung hatte ich damals auch noch nicht. In dieser Hinsicht war ich ein bisschen naiv. Das war ein schreckliches Erlebnis, weil ich das Geld schnell aufbringen musste, um mir noch einmal eine Kamera zu kaufen.

BF: Zurück zu den schönen Dingen. Was war das schönste Erlebnis in Ihrem Fotografenleben?

Manfred Daams: Es gab mehrere schöne Momente, aber toll fühlt sich immer an, ein gelungenes Bild gemacht zu haben, nach Hause zu kommen, ein Glas Rotwein zu trinken und mir dann stundenlang das Bild anzuschauen. Ich kann das zelebrieren. Das passiert vielleicht zweimal im Jahr, aber diese Momente kommen immer wieder. Das ist der Kick mit Endorphinausschüttung, den auch ein Marathonläufer hat.

Mehr über den Fotografen Manfred Daams gibt es in seinem BF Profil oder auf seiner Internetseite

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Im BEST OF 2016 zeigen professionelle Fotografen ihr bestes, persönlichstes oder emotionalstes Foto aus dem letzten Jahr. Mitgemacht hat auch Viola Sophie Schuldner mit diesem Motiv. 

BF: Hallo Frau Schuldner, das Foto scheint ein Selbstporträt zu sein. Was ist für Sie das Besondere an dem Motiv?

Viola Sophie Schuldner: Der Ort ist für mich schon alleine wichtig und ich hatte ein starkes Bedürfnis dort hinzugehen. Es ist ein Stück Wald, in dem ich als kleines Kind oft, in letzter Zeit aber schon sehr lange nicht mehr war. Eigentlich wollte ich dort nur filmen, was ich auch getan habe, aber dann habe ich spontan angefangen zu fotografieren beziehungsweise auf den Fotos mich selbst zu inszenieren. In dem Moment stehe ich einfach im Wald, ich bin bei mir und nirgendwo anders. Ich lasse sehr viel Raum um mich herum auf dem Bild. Auch als Mensch brauche ich einfach viel Freiraum. Zwar wohne ich in der Innenstadt in Köln und mag gerne Trubel und Menschen, aber das Bild erinnert mich daran, wie schön es ist, ab und zu für mich zu sein. Das finde ich wichtig, vergesse es aber manchmal, weil ich stetig in einem Flow bin. Immer wenn ich das Bild sehe, erinnert es mich daran zwischendurch runterzukommen, einfach zu reflektieren und zu schauen, wo ich gerade bin. Deshalb ist es mein persönliches Lieblingsbild.

BF: Woher kommt diese starke Reflektion in Ihrem Leben?

Viola Sophie Schuldner: Manchmal habe ich das Bedürfnis, Dinge einfach zu tun, zu machen und erst wieder zur Ruhe kommen, wenn ich sie abgeschlossen habe. Das Alleinsein hilft mir dann beim Verarbeiten. Selbstinszenierungen beschreiben Momente aus meinem Leben, ein Gefühl von meiner Zeit. Das ist authentisch.

BF: Ein Hochformat ist eher unüblich bei Motiven in der Natur.

Viola Sophie Schuldner: Das habe ich mit Absicht gemacht, um den Raum, die Höhe zu betonen. Ich wollte die Lichtung, auf dem Berg mit dem Moos im Motiv haben. Ich bin zwar der Mittelpunkt, aber das Bild ist trotzdem dominiert vom Wald. Ich finde es schön, Dingen Platz zu geben. Ich will nicht einschränken.

BF: Können Sie sich von Ihrem Selbstportrait lösen und es von außen beschreiben?

Viola Sophie Schuldner: Mich zu lösen fällt mir schwer. Für mich ist es eher ein verlorenes Bild und bedeutet Runterkommen und Neustarten, aber es könnte auch ein einsames, verlassenes Mädchen im Wald sein. Ich habe den Kopf zwar unten, aber meine Schultern sind gerade. Es gibt Licht. Ich bin gefasst, präsent und geerdet. Ich stehe auf dieser Lichtung und tanke Energie. Ich habe es Waldeinsamkeit genannt. 

BF: Würden Sie dieses Bild als typisch für Ihre Art der Fotografie bezeichnen?

Viola Sophie Schuldner: Wirklich fassen kann ich das nicht, aber ich habe schon oft gehört, dass man sieht, dass das Bild von mir ist, aber für mich persönlich ist das Gefühl für die Ästhetik einer Sache jedoch komplett intuitiv. Dinge werden gut, wenn ich nicht ständig bewusst darüber nachdenke. Im Studium haben wir viel über Konzepte und Planung geredet. Das war gut, aber es blockierte mich auch. Letztlich wird etwas Geplantes nie so gut wie etwas, das ich einfach intuitiv mache.

BF: Was passiert da bei Ihnen, wenn Sie konzeptionell arbeiten?

Viola Sophie Schuldner: Ich kann das auch, mich strukturieren, planen, Konzepte erstellen. Ich arbeite nach Strukturen, aber ich muss drin sein und nicht bewusst darüber nachdenken, was ich tun muss, damit es gut wird. Es ist einfach abgespeichert. Ich kann mich darauf verlassen, dass die Dinge in mir sind, da sind, wenn ich sie brauche.

BF: Wie sind Sie zur Fotografie als Ausdrucksform gekommen?

Viola Sophie Schuldner: Das ist auch einfach passiert. Ich habe Produktdesign studiert und dabei gemerkt, dass ich ein Auge für die Fotografie habe. Gerade das künstlerische in der Fotografie ist mein Ding. Mich interessieren Themen, mit denen ich mich identifizieren kann. Dinge, die mich emotional packen, wie Traurigkeit oder Glück. Da ich allein mit künstlerischen Arbeiten zu wenig Geld verdiene, sind andere Dinge hinzugekommen.

Immer geblieben ist meine Leidenschaft. Egal was ich mache, ich mache es gern und ich stehe dahinter. Mit einem freien Kopf zu experimentieren ist ein Teil von mir.

BF: Was ist Ihre Motivation weiterzumachen? Was treibt Sie an?

Viola Sophie Schuldner: Tatsächlich habe ich mich das auch selbst schon öfter gefragt. Ich bin einfach von Grund auf motiviert, Musik hören und Sport machen unterstützen meine Motivation, aber ich kann mich auch allein über tolles Wetter freuen. Ich kann auch andere Menschen unglaublich motivieren. Eine kurze Unterhaltung beim Bäcker hat neulich ausgereicht, dass die Person noch einmal zurückkam und mir erzählt hat, wie sehr ihn das Gespräch motiviert hätte. Durch diese Begegnung habe ich mich gefragt, was mich so stark motiviert, dass es auf andere Menschen überspringt aber ich habe bisher keine Antwort darauf gefunden. Ich konnte mich schon als Kind für banale Dinge wie Sonnenschein, Käfer, Hummeln und Schmetterlinge  begeistern und erfreuen und das ist bis heute so geblieben.

Viola Sophie Schuldner

Neben diesem Foto von Viola Sophie Schuldner gibt es auf berufsfotografen.com/best-of-2016 noch viele weitere Lieblingsbilder professioneller Fotografen zum Stöbern und Durchscrollen.

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Im BEST OF 2016 zeigen professionelle Fotografen ihr bestes, persönlichstes oder emotionalstes Foto aus dem letzten Jahr.

Mitgemacht hat auch Daniel Schmitt mit einem Portraitfoto.

BF: Hallo Herr Schmitt, was macht dieses Portrait für Sie besonders?

Daniel Schmitt: Das Shooting war in mehrerlei Hinsicht interessant. Zum einen ist es immer spannend Menschen zu treffen, die man aus den Medien kennt. Joe Bausch ist aber zudem Gefängnisarzt, engagiert sich sozial und schreibt Bücher. Das finde ich natürlich spannend. Er nutzt seine Popularität und ist Schirmherr für die Polizeiseelsorge der evangelischen Landeskirche im Rheinland. Die Seelsorge kümmert sich um Polizisten, die in schweren Einsätzen waren. In diesem Kontext ist dann auch dieses Portrait von ihm entstanden. Für mich war es schön, diesen Mann mit seinem markantem Gesicht einmal ungeschminkt mit all den charaktervollen Falten kennenzulernen und fotografieren zu dürfen. Joe Bausch ist spannend als Mensch und als Typ. Ein in sich ruhender Mann, der viel erlebt hat.

BF: Wie ist es mit jemanden zusammenzuarbeiten, der so charakterstark ist?

Daniel Schmitt: In der Regel sind die Profis dankbar für jemanden, der sie gut anleitet. Herr Bausch ist ja Medienprofi genug, um der Profession des anderen zu vertrauen. Er war extrem entspannt und ist überhaupt keine Diva. Ich konnte in der kurzen Zeit viele unterschiedliche Sachen mit ihm ausprobieren. Er wohnt in Werl direkt neben der Justizvollzugsanstalt. Ich habe ihn dann auch direkt vor der Gefängnismauer fotografiert. Die Begegnung mit ihm als Person war klasse und von dem Foto bin ich überzeugt.

BF: Wussten Sie während des Shootings bereits, dass es ein besonderes Bild für Sie wird?

Daniel Schmitt: Ich entdecke Motive vorher, aber viel liegt im Moment selbst und läuft intuitiv ab. Ich habe ja nicht viel Zeit um zu diskutieren. Joe Bausch war während des Shootings fast kumpelhaft, er hat sich sofort auf Augenhöhe gestellt. Das war stark.

BF: Ist dieses Bild typisch für Ihre Arbeit als Fotograf?

Daniel Schmitt: Ja und Nein. Der Faktor Mensch spielt bei mir immer eine große Rolle. Ich bewege mich viel im Bereich Unternehmenskommunikation und treffe dabei oft auf Menschen, die ich unter Zeitdruck in Szene setzen muss. Ich versuche dann mit den Leuten möglichst schnell eine gemeinsame Ebene zu finden. Einige Mitarbeiter sind manchmal nicht wirklich motiviert, sich fotografieren zu lassen und dann entstehen natürlich Angst- und Abwehrgefühle. Es ist viel Sensibilität notwendig, um einen Draht aufzubauen und die Leute ins Thema zu bringen. Ich suche immer die Begegnung mit den Menschen, um sie für mich und die Kamera zu gewinnen. Das half mir natürlich auch bei der Arbeit mit Joe Bausch, wenngleich ich natürlich weiß, dass er ein Profi vor der Kamera ist.

BF: Wie schaffen Sie es, das Eis zu brechen und die Menschen fürs Fotografieren zu gewinnen?

Daniel Schmitt: Ich habe mich das auch schon oft gefragt und weiß es ehrlich gesagt nicht so genau. Ich gehe auf die Leute zu und versuche sie möglichst positiv anzusprechen und zu erklären, was ich mache, warum ich etwas mache und bitte sie dann offen zu sein und mitzumachen. Natürlich kann man niemanden zwingen und man würde das auch auf den Fotos sehen. Deshalb ist es wichtig, die Menschen für mein Tun zu gewinnen. Manchmal hilft es auch, wenn ich etwas vormache. Aber das A und O ist immer die persönliche Begegnung. Man muss das Eis der Kamera und das Fremdsein durch eine menschliche Begegnung auflösen. Ich zeige Interesse an den Menschen, rede mit ihnen und frage sie nach ihrem Leben. Hinterher sind manche von den Resultaten überrascht. Frauen sind meiner Erfahrung nach oft etwas empfindlicher, wenn es um die eigenen Bilder geht. Das ist auch ein Effekt der Medien, in denen Frauen immer perfekt dargestellt werden. Meistens wird dann nicht das eigentliche Foto bemängelt, sondern sie bemängeln sich selbst. Fotografie ist ein Spiegel, ein Spiegel der Realität und den Beautyfilter gibt es im Alltag nicht. Das ist manchmal hart.

BF: Sie meinten, dass Joe Bausch auch deshalb so interessant aussieht, weil er Falten hat, die den Charaktertyp unterstreichen. Wäre er eine Frau im gleichen Alter, hätten Sie dann ihre Falten ebenso als charaktervoll beschrieben?

Daniel Schmitt: Schönheit kann auch in Falten oder schrägen Dingen liegen. Es kann ein tolles Foto von jemanden entstehen, der eine Narbe im Gesicht hat. Die Falten und das Foto erzählen dann eine Geschichte.

BF: Mich wundert es nicht, dass Frauen empfindlich und sehr selbstkritisch mit sich sind, wenn Faltenlosigkeit bei Frauen das Ideal bleibt. Ich kenne keine Werbeaufnahmen von Frauen über 50, die begleitet von Männern in ihren frühen 20ern, abgebildet werden, aber umgekehrt natürlich schon.

Daniel Schmitt: (lacht) Ich habe nicht gesagt, dass es mich verwundert, dass Frauen sensibler sind, aber es ist einfach meine Erfahrung. Gerade in Werbeaufnahmen wird von Auftraggebern und Agenturen oft ein perfektes Bild gewünscht. Da wäre vielleicht ein wenig mehr Mut hilfreich. Es gibt auch einige Beispiele für mutige Kampagnen, die eben diesem Bild nicht mehr entsprechen wollen und sich trauen, Charaktere mit sogenannten Fehlern und Makeln zu zeigen. Ich habe gerade eine Kampagne für eine Messe mit SW Porträts gemacht, wo genau dieses Thema diskutiert wurde. Am Ende hat sich die Idee durchgesetzt "normale" Typen in unterschiedlichen Altersstufen, mit Falten, mit Tatoos und sichtbaren Makeln zu zeigen. Dennoch geht es kaum ohne eine Visagistin, aber auf wegretuschierte Falten oder Verjüngungen in der Postproduktion wurde bewusst verzichtet. Im Übrigen haben wir aus eben diesem Grund auch gezielt mit Laien und nicht mir Profis gearbeitet. Das war eine sehr gute Entscheidung und es gab wirklich tolle Ergebnisse auf die alle stolz sein können.

BF: Worauf legen Sie bei Ihren Aufnahmen am meisten Wert?

Daniel Schmitt: Wenn jemand auf den Bildern wirklich ehrlich und sympathisch rüberkommt, bin ich sehr zufrieden. Oder wenn ich mit dem Foto mehr herausgeholt habe, als die Realität zeigt. Gerade dieser Punkt ist in der Werbung wichtig. Mein Ziel ist es, aus eher langweiligen Vorgaben etwas Spannendes oder visuell Interessantes herauszuholen. Das Außergewöhnliche an Orten, Dingen oder Menschen zu zeigen, ist mir wichtig. Das können ungewöhnliche Momente, besonderes Licht, ein bestimmter Blick oder eine schöne Komposition sein.

BF: Wie kam es bei Ihnen zu der Berufswahl?

Daniel Schmitt: Ich habe mich schon immer für Fotografie interessiert und seit meiner Jugend wusste ich, dass ich etwas Kreatives machen möchte. Ich habe dann ein Praktikum bei einem älteren Industriefotografen absolviert und ihn bei seiner Arbeit begleitet. Die Ausbildung habe ich dann auch gleich bei ihm gemacht. Eigentlich wollte ich etwas viel Freieres im künstlerischen Bereich machen aber letztlich wäre mir das Studium dann doch zu theoretisch gewesen. Ein praktischer, technischer Bezug liegt mir mehr und zusammen mit meinem Interesse an Menschen sind das gute Voraussetzungen, um in verschiedenen Bereichen in der Fotografie zu arbeiten.

BF: Gibt es etwas an der Fotografie als Beruf, was Sie besonders schätzen?

Daniel Schmitt: Die Freiheit Dinge zu tun, die, naja... eigentlich bin ich mir unsicher, ob ich wirklich so frei bin. Ich mache meinen Beruf gern und bin stolz auf gute Ergebnisse, aber manchmal ist es einfach auch anstrengend. Der wirtschaftliche Druck schmälert die Freude an der Arbeit manchmal ein wenig. Gleichwohl genieße ich es natürlich, selbstbestimmt zu arbeiten und diese Freiheit hat ein Angestellter nicht. Ich begegne Menschen, denen ich sonst im Leben nicht begegnen würde, so wie Herrn Bausch. Manchmal fühle ich mich wie bei der Sendung mit der Maus, weil mir bei meiner Arbeit Prozesse erklärt und Orte gezeigt werden, die ich sonst nicht kennengelernt hätte. Ich darf durch meinen Job hinter die Kulissen schauen. Das alles ist spannend und bereichernd.

Daniel Schmitt

Neben diesem Foto von Daniel Schmitt gibt es auf berufsfotografen.com/best-of-2016 noch viele weitere Lieblingsbilder professioneller Fotografen zum Stöbern und Durchscrollen.

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Im BEST OF 2016 zeigen professionelle Fotografen ihr bestes, persönlichstes oder emotionalstes Foto aus dem letzten Jahr.

Mitgemacht hat auch Arne Bänsch mit diesem dokumentarischen Bild.

BF: Hallo Herr Bänsch, Ihr wichtigstes Bild aus dem letzten Jahr scheint ein persönliches Motiv zu sein.

Arne Bänsch: Das Foto stammt aus einem freien Projekt, das mir sehr ans Herz gewachsen ist und an dem ich seit zwei Jahren kontinuierlich arbeite. Der Mann auf dem Foto ist mein Vater, der seit einem Unfall vor 6 Jahren querschnittsgelähmt ist und im Rollstuhl sitzt.

Ich finde ich, dass das Thema Querschnittslähmung wie in dem Film “ziemlich beste Freunde” häufig verklärt dargestellt wird. Gerade deshalb möchte ich viele Facetten einer Querschnittslähmung und deren Auswirkung zeigen. Denn es geht nicht immer nur darum, dass es den Betroffenen schlecht geht, sondern auch darum, dass sie Krisen bewältigen und eigenständig leben können.

BF: Ich kann mir vorstellen, dass dieses Projekt gerade am Anfang emotional nicht einfach war.

Arne Bänsch: Das stimmt natürlich und ich hatte schon recht lange die Idee. Da es ein sehr persönliches, privates Thema ist, hatte ich mich lange Zeit nicht getraut, das Projekt umzusetzen. Ich habe dann viel mit meinem Vater über eine Fotodokumentation seines Lebens geredet. Es war mir wichtig, vorab zu klären, was für ihn okay ist und in welchen Momenten er nicht fotografiert werden möchte. Als Unbeteiligter ist es vielleicht sogar einfacher, wenn man in die Welt meines Vaters eintaucht, Bilder macht, dann wieder rausgeht und möglicherweise so etwas objektiver ist, aber das kann und will ich als Sohn und Fotograf nicht tun. Ich wollte ein persönliches Projekt mit meinem Vater verwirklichen, bei dem ich nah an ihm bin. Diese Nähe herzustellen, wäre in einer anderen Beziehungskonstellation vielleicht gar nicht möglich gewesen. Mein Vater weiß, dass die Bilder veröffentlicht werden. Viele Bilder zeigen natürlich intime Momente. Wir reden dann viel gemeinsam darüber, ob wir ein sensibles Bild veröffentlichen sollen oder eben nicht. Mein Vater ist nicht selten selbst im Zwiespalt mit den Bildern. Manche Momente möchte er eigentlich nicht zeigen, aber gerade, weil sie Verletzlichkeit zeigen, intim und deshalb wichtig sind, fasst er doch öfter den Entschluss die Fotos freizugeben.

Durch dieses Fotoprojekt habe ich meinen Vater noch einmal anders kennengelernt. Mir ist seine Geschichte enorm wichtig. Ich glaube, dass viele Menschen Berührungsängste mit querschnittsgelähmten Menschen haben oder sich mit dem Thema nicht auseinandersetzen wollen. Gewisse Fragen werden auch aus Höflichkeit nicht gestellt. Diese vielschichtigen Lebensmomente versuche ich in der Fotostrecke umzusetzen.

BF: Sie begleiten Ihren Vater dann in den unterschiedlichen Situationen im Alltag.

Arne Bänsch: Ich besuche ihn so häufig es geht und bei den Besuchen ist dann die Kamera mit dabei. Allerdings nicht meine professionelle Ausrüstung, sondern eine kompakte Kamera, die es ermöglicht flexibel zu bleiben. Ich beobachte dann recht unterschiedliche Momente: Den Kino- oder Schwimmbadbesuch etwa, oder die Reaktion anderer Leute, wenn wir zusammen einkaufen gehen. Mit einer Querschnittslähmung kann man doch recht viel machen, Handbike fahren zum Beispiel. Ich will das Umfeld meines Vaters, seine Arbeit, seine Freunde, seine Familie und die Reaktionen Unbeteiligter zeigen. Diese Facetten möchte ich zeigen und eine Geschichte dazu erzählen.

Man kann sich als Außenstehender und auch als Familienmitglied teilweise nicht vorstellen, wie tief die Veränderung ist, die die gesamte Identität der Betroffenen beeinflusst. Die Selbstwahrnehmung des eigenen Körpers ist ein großer Bestandteil unserer Identität und das ändert sich nach so einem Unfall von einem Tag auf den anderen. Die Abgründe, die es bei Querschnittsgelähmten teilweise gibt, selbst wenn man versucht sich seinen Optimismus zu erhalten, sind einfach da.

BF: Als Fotograf hat man meist eine emotionale Distanz, die das Beobachten und Fotografieren ermöglicht. Als Sohn dürfte dies schwieriger sein. Wie funktioniert das in diesem Projekt?

Arne Bänsch: Ich kann nicht genau sagen, ob ich eher die Rolle des Sohnes oder die des Fotografen einnehme. Das ist abhängig von der Situation. In Momenten, in denen mein Vater Hilfe braucht und nur ich anwesend bin, würde ich nicht fotografieren und ihn hängen lassen. Das ist natürlich auch ein Zwiespalt. Mir sind einige Fotos aus den Händen gerutscht, weil ich eingesprungen bin und damit auf das Bild verzichtet habe, aber ich finde das nicht schade. Es ist ein freies Projekt, welches veröffentlicht wird, wenn es mir rund erscheint. Ich bin in diesen Momenten dann doch eher der Sohn, als der Fotograf.

BF: Sie haben erzählt, dass Sie viele Gespräche mit Ihrem Vater geführt haben und, bis Sie das Projekt vor zwei Jahren begonnen haben. Das trifft zeitlich mit dem Beginn Ihrer Selbstständigkeit zusammen.

Arne Bänsch: Ich bin seit 2016 selbstständig und vorher hätte ich mir das vom technischen und künstlerischen Anspruch nicht zugetraut. Ich habe lange mit mir gehadert und mich gefragt, ob Fotografie richtig für mich ist. Ich habe das Projekt angefangen, als ich mich entschieden habe, Fotograf zu werden. Anstoß für die Fotoreihe von meinem Vater war ein Gespräch mit einer Fotografin, die ein anderes Projekt von mir fast vernichtend kommentiert hatte. Sie sagte mir, dass viele spannende Geschichten vor der Haustür stattfinden, dass man dafür nicht weit weg ins Ausland fliegen muss.

BF: Um als Fotograf erfolgreich zu sein, benötigt man Durchsetzungsfähigkeit und immer auch ein recht großes fotografisches Selbstbewusstsein. 

Arne Bänsch: Es war immer ein Traum von mir von der Fotografie zu leben. Ich hatte vor einigen Jahren ein Praktikum bei einem Fotografen gemacht, habe dann aber etwas völlig anderes studiert. Das Selbstbewusstsein kam erst im letzten Jahr. Ich habe angefangen, bei einer Zeitung zu arbeiten und dadurch Kunden gewonnen. Das hat viel bei mir getriggert. Ich glaube jetzt an meine Arbeit.

Für mich ist die Fotografie aber auch ein Traumberuf. Man wird damit nicht reich, besonders nicht als Fotojournalist, aber für mich hat sich fotografieren noch nie angefühlt wie arbeiten. Es kann zwar anstrengend sein, aber es gab keinen Tag an dem ich genervt war. Ich liebe es, Geschichten von Menschen zu erzählen. Ich arbeite gerade viel im Lokalbereich auf dem Dorf. Dadurch habe ich mich verändert. Ich komme aus Göttingen, einer linksintellektuellen Hochburg. Wenn ich dann in einem katholischen, konservativen Dorf bin, schaffe ich es trotzdem mich auf die Menschen dort einzulassen. Ich habe durch meinen Beruf mehr Toleranz entwickelt. Ich kann mit Menschen reden, mit denen ich vorher nie etwas zu tun hatte. Fotojournalismus im lokalen Bereich gibt mir besonders viel, weil ich nah an den Menschen bin und Vertrauen geschenkt bekomme, welches es erst möglich macht, Geschichten zu erzählen. Das ist einfach toll.

BF: Können Sie in Worte fassen, was für Sie ein gutes Foto ausmacht?

Arne Bänsch: Gute Fotos leben von Kontrasten, die man hervorhebt, egal ob es gestalterische oder inhaltliche Kontraste sind. Ein gutes Foto ist zudem kein Klischee, es erzählt eine Geschichte. Mir ist allerdings auch aufgefallen, dass sich meine eigenen Kriterien für gute Fotos verändern, es ist etwas dynamisches und fluides. Die meisten Bilder, die ich vor Jahren gemacht habe, mag ich heute nicht mehr. Hin und wieder braucht es auch Zeit und emotionalen Abstand, um Dinge in den eigenen Bilder zu entdecken. So wird manchmal ein einst aussortiertes Bild im Laufe der Zeit wieder interessant. Ich finde es schön, wenn der Betrachter sieht, was ich mit dem Bild ausdrücken wollte.

BF: Wie verhält es sich mit diesem Bild Ihres Vaters. Ist es charakteristisch für Ihre Arbeitsweise?

Arne Bänsch: Ich denke schon, denn ich versuche immer, das Bild in der Kamera zu machen. Ich verändere in der Fotografie eigentlich nichts. Ich versuche, den Stil durch Licht, Perspektiven und durch die Auswahl der Themen und Motive zu gestalten und möglichst wenig Zeit in Photoshop zu verbringen. Ich möchte so nah wie möglich dran sein und total perfekte Bilder mag ich auch nicht gern.

Bei diesem Foto hatte ich die Kamera gar nicht bei mir. Ich habe sie schnell geholt, weil ich das wunderbare weiche Licht gesehen habe, welches durch das Fenster eindringt, während der Raum total dunkel wirkt, um das zu fotografieren. Ich habe mich gefreut, dass ich die Situation und die Stimmung doch noch fotografisch festhalten konnte.

Arne Bänsch

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Im BEST OF 2016 zeigen professionelle Fotografen ihr bestes, persönlichstes oder emotionalstes Foto aus dem letzten Jahr.

Mitgemacht hat auch Tim Dalhoff mit einer Architekturaufnahme.

BF: Hallo Herr Dalhoff, was ist für Sie das Besondere an diesem Industriemotiv?

Tim Dalhoff: Für mich hat dieses Motiv vor allem Tradition und ist ein kleiner Höhepunkt am Jahresabschluss. Das Kraftwerk in Wolfsburg dient jedes Jahr als großer Adventskalender. Zu jedem Advent wird ein Schornstein erleuchtet, bis alle vier erhellt sind. Das ist ein schöner Jahresausklang für mich.

Man schaut von der Autostadt auf die alten, beleuchteten  Kraftwerksgebäude und das erzeugt eine tolle Stimmung. In Zusammenhang mit den jährlich stattfindenden Veranstaltungen in der Weihnachtszeit ist das immer ein Highlight. Da ich aus Wolfsburg komme, gehört das Volkswagenkraftwerk als Wahrzeichen für mich einfach mit dazu.

BF: Was macht es für Sie fotografisch besonders?

Tim Dalhoff: Der Bau ist sehr statisch und schön gelegen mit dem Wasser im Vordergrund. Er wird hervorragend beleuchtet und ist aufgrund seines Ziegelbaus architektonisch interessant, da dieser in Niedersachsen ein Zeitdokument ist. Der Bau ist einmalig und charakteristisch für die Gegend hier.

Zudem fotografiere ich auch sonst sehr viel Architektur. Ich mag klare Linien und ausgeglichene Bilder. Vielleicht ist mein Stil ein bisschen altmodisch, aber ich mag ihn trotzdem. Es ist eine ganz klassische Form der Architekturfotografie, ohne Effekthascherei. Gerade Linien sind mir sehr wichtig, deshalb ist für mich auch in der heutigen Zeit die Fachkamera unverzichtbar.

BF: Worauf legen Sie bei Ihren Aufnahmen Wert?

Tim Dalhoff: Auf Stimmungen und Perspektiven, auf die Realität und dass die Dinge so abgebildet werden, wie ich sie in diesem Moment erfahren habe. Das sind die Hauptbestandteile.

BF: Und was sind die anderen Bestandteile?

Tim Dalhoff: (lacht) Es sind ganz klassisch alle fotografischen Feinheiten. Von der Aufnahme über die Nachbearbeitung am Computer bis zum Druck des Fotos muss alles stimmen.

BF: Wussten Sie beim Aufnehmen des Bildes eigentlich schon, dass es ein besonderes Bild für Sie wird?

Tim Dalhoff: Bevor ich losgehe und fotografiere, mache ich mir viele Gedanken. Das Bild entsteht im Kopf. Ich weiß schon vorher, wie es später aussehen soll. So war es auch bei diesem Bild. Ich wollte eine besondere Stimmung einfangen. Oft mache ich zu verschiedenen Tageszeiten Baubegehungen und bei längeren Projekten auch zu verschiedenen Jahreszeiten. Das Licht ändert sich im Laufe des Tages und des Jahres oft extrem. Darauf basierend suche ich mir Punkte aus, die entsprechend schön wirken. Ich nehme manchmal nur den Sucher mit, ohne die Kamera, und beobachte, probiere aus. Das hilft und ist schließlich die Grundlage für das Bild in meinem Kopf.

BF: Ist Fotograf zu sein für Sie etwas Besonderes?

Tim Dalhoff: Etwas aus dem Nichts zu erschaffen und Momente zu konservieren, ist eine feine Sache. Ich erstelle viele technische Fotografien im Studio. Dort kann ich aus alltäglichen Dingen ansprechende Aufnahmen kreieren. Die Fotografie ist breit gefächert und das macht die Arbeit sehr, sehr spannend und für mich zu etwas Besonderem.

BF: Was ist für Sie persönlich ein sehr gutes Foto?

Tim Dalhoff: Ein sehr gutes Foto ist für mich sowohl technisch auf einem hohem Niveau als auch in der Lage, Stimmungen sensibel widerzuspiegeln. Ein sehr gutes Foto ist für mich demnach ein Zusammenspiel beider Faktoren.

Schöne Architektur einzufangen ist per se schon etwas Tolles. Der Architekt hat sich Gedanken gemacht und damit bereits seine Absichten verfestigt. Diese Absichten visuell in seinem Sinne so umzusetzen, dass die Gedanken des Architekten transportiert werden, ist ein Highlight für mich.

BF: Das war eine freie Arbeit. Würden Sie gern mehr in dieser Richtung machen?

Tim Dalhoff: Ich versuche, mir regelmäßig Zeit für eigene Projekte zu nehmen. Mir macht es zudem Spaß, mit Fotografenkollegen zusammenzuarbeiten und gemeinsam Projekte anzugehen.

BF: Wie kommt es, dass Sie so gern Architektur fotografieren?

Tim Dalhoff: Ich bin recht technikbegeistert und an Architektur interessiert. Diese Kombination bietet eine perfekte Grundlage. Bauwerke umgeben uns, sind Teil unseres Lebens und wir erfreuen uns an ihnen, besonders, wenn diese schön gestaltet sind. Das hat mich immer fasziniert. Ich bin getrieben, diese schönen Seiten von Städten abzubilden.

BF: Wie kommen dann die Insekten in Ihr von Architektur dominiertem Portfolio?

Tim Dalhoff: (lacht) Das war ein kleines Projekt, das ich für einen Bekannten gemacht habe, der Biologe ist. Er setzt sich mit diesen Tierchen auseinander. Die Aufnahmen habe ich mithilfe von Focus-stacking gemacht. Die Fotografien wurden aus 300 Bildern mit verschiedenen Schärfeebenen montiert. Ich fand es spannend, das einmal auszuprobieren. 

Tim Dalhoff

Tim Dalhoff auf BF

Neben diesem Foto von Tim Dalhoff gibt es auf berufsfotografen.com/best-of-2016 noch viele weitere Lieblingsbilder professioneller Fotografen zum Stöbern und Durchscrollen.

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Im BEST OF 2016 zeigen professionelle Fotografen ihr bestes, persönlichstes oder emotionalstes Foto aus dem letzten Jahr.

Mitgemacht hat auch Marion Schult mit einer künstlerischen Aufnahme.

BF: Hallo Frau Schult, Sie haben ein freies Bild als Ihr wichtigstes Foto aus 2016 gewählt.

Marion Schult: Es ist eine freie Arbeit, die ich “The Beauty of Nature” genannt habe. Ich mag daran die Verletzlichkeit der Frau, die in dieser Pose, in der Umarmung mit dem Baum fragil wirkt. Andererseits gibt das schöne Licht ihr eine gewisse Kraft. Die Kraft findet sie auch in der Natur, der sie sich in dieser symbolischen Umarmung hingibt. Ich habe früher einmal Ethnologie studiert, mich indianischen Kulturen beschäftigt und selbst bei einem Medizinmann einen Workshop mitgemacht. Die Indianer nutzen das Ritual der Baumumarmung, um Stress abzubauen und Negatives abzustreifen. Irgendwann spürt man jedes Blättchen und die gesamte Energie des Baumes. Bäume geben Kraft. Ich finde, dass wir in einer Zeit leben, in der sich viel verändert. Es ist schön für jeden Menschen zu wissen, wo er Energie herbekommt, wo er Schönheit und Reinheit erfährt.

BF: Sie fotografieren viel im Bereich der Werbung und Mode, das ist ein Kontrast zu dieser Arbeit.

Marion Schult: Das sind natürlich kommerzielle Auftragsarbeiten für Frisöre oder Loreal, Schwarzkopf. Ich möchte meine Webseite auch noch ausbauen und mehr Ausstellungen machen. In den 80er und 90er Jahren habe ich sehr viele internationale Stars für Titelstories fotografiert. Ich hatte mein Studio bei den Hansa-Tonstudios im Haus. Dadurch habe ich viel mit den Stars gearbeitet, die dort ihre Platten aufgenommen haben. Diesen Fundus möchte ich, unter anderem, einmal ausstellen. Das Bild gefällt mir, weil es keine Auftragsarbeit war, sondern für eine Ausstellung gemacht wurde.

BF: Charakterisiert dieses Bild dann eher Ihren Stil?

Marion Schult: Es zeigt meine innere Einstellung, meine Emotionen. Es geht um die Schönheit der Natur von der wir abhängig sind und die wir schützen müssen. Ich finde, dass sich jeder von uns mehr um die Natur kümmern sollte. Wir müssen wachsamer sein, wir müssen politischer sein und uns nicht nur einseitig informieren.

BF: Dieses Bild ist Teil einer größeren Serie?

Marion Schult: Es sind jetzt drei Bilder, aber es werden mehr Bilder kommen, die vielleicht auch nur Natur zeigen. Letztlich soll es eine größere Ausstellung werden. Das Foto zeigt die Verletzlichkeit des Menschen generell, auch gegenüber der Natur. Im Vergleich mit dem Baum ist der Mensch relativ klein.

BF: Sie haben Ethnologie studiert. Wie sind sie dann Fotografin geworden?

Marion Schult: Ich habe Fotografie an der UDK in Berlin gelernt, in einer Zweigstelle für Optik, Fototechnik und Kamera. Ich bin Anfang der 80er Jahre sehr technisch ausgebildet worden. Alles war analog. Die Geschichten über Stars in Magazinen haben mich angeregt. Die Superstars selbst einmal zu fotografieren, diesen Jugendtraum habe ich mir erfüllt. Ich habe durch Zufall das Fotostudio in den Hansa-Tonstudios gefunden. So hatte ich Zugang zu Bands wie Depeche Mode. Ich habe die Leute unten im Restaurant kennengelernt, angesprochen und letztendlich Fotosessions mit Ihnen gemacht und als Cover an Zeitschriften verkauft. Es war ein Traumzustand, in dem sich mein Traum verwirklicht hat. Allerdings war es eine Nachtszene. Ich habe oft mitternachts angefangen Fotos für Plattencover zu machen und war morgens um sechs erst fertig. Das konnte ich und wollte ich irgendwann nicht mehr.

Durch Zufall habe ich dann begonnen, Neon-Makes-Ups, Nagellacke und Neon-Kleidung als erste in Berlin zu fotografieren. Das war brilliant. Ich habe meine Studio-Blitzanlage umbauen lassen. Normalerweise sind die UV-Strahlen gesperrt. Ich habe neue Blitzröhren gekauft, bestimmte Filter und dann konnte ich das umsetzen. Damit bin ich in das Magazin Fototechnik International und in die Fashionbranche gekommen. Die Technik habe ich noch immer, ich könnte jeder Zeit wieder damit anfangen, aber bei mir hat ein neuer Zeitabschnitt begonnen.

BF: Wie kommt es zu dieser anderen Zeit, zu diesem Umschwung?

Marion Schult: Es ist eine Bewusstseinsentwicklung. Ich liebe Werbung, ich liebe Fashion, ich liebe Schönheit. Das gehört dazu. Auf der anderen Seite habe ich eine Tiefgründigkeit. Ich kann oberflächlich immer an Schönheit kleben bleiben, aber man entwickelt sich weiter. Ich bin nicht mehr die Jüngste mit über 50 Jahren, obwohl ich mich vom Herzen her jung geblieben fühle. Mein Bewusstsein hat sich weiterentwickelt. Ich will mehr Ausstellungen machen und mehr Messages rüberbringen, als immer nur Auftragsarbeiten zu machen. Ich will zeigen, was mir auf dem Herzen liegt.

BF: Fällt es Ihnen schwer, Auftragsarbeiten anzunehmen, wenn Ihnen eigentlich andere Dinge auf dem Herzen liegen?

Marion Schult: Nein, weil ich meine Kunden liebe. Ich liebe Beauty, schöne Haare. Das richtig ins Licht zu setzen und noch schöner darzustellen, macht mir Spaß. Das ist in mir und auch kein Widerspruch. Die Natur ist ja auch schön.

BF: Was ist Ihnen bei Ihren Aufnahmen wichtig?

Marion Schult: Absolute Perfektion. Wenn ich einen Auftrag annehme, gebe ich immer 100%. Wenn ich das Gefühl habe, dass da immer noch mehr geht, versuche ich das Team dazu zu bekommen, noch einmal alles zu geben, ohne das overtime berechnet wird.

BF: Welche Elemente machen für Sie Perfektion aus? Wie spiegelt sich Perfektion in dem Bilder oder in dem ganzen Auftrag wider?

Marion Schult: Perfektion ist eine Technik und ein Bild, an dem man nichts mehr verändern möchte, zugleich.

BF: Wussten Sie im Moment der Aufnahme bereits, dass es ein besonderes Bild für Sie wird?

Marion Schult: Ja, das wusste ich. Ich sah den Baum und das Licht. So etwas strahlt mich einfach an. Portraits, die die Seele des Menschen einfangen, sind für mich die wichtigen Bilder. Ohne Fotografie und die Kamera kann ich mir das Leben gar nicht vorstellen. Es ist für mich eine große Erfüllung eine Idee zu haben, dann das zusammenzutragen, was ich brauche, um diese Idee umzusetzen, zu fotografieren und später das Resultat zu sehen. Eine größere Befriedigung als Ideen in Resultate umzuwandeln gibt es nicht. Manchmal wird es auch viel schöner, als ich es mir vorgestellt habe. Das gibt mir Seelenheil, Glück, Zufriedenheit. Das ist das Schönste, was man auf der Welt haben kann. Als Fotograf kommt man mit unterschiedlichen Gesellschaftsschichten in Berührung, das ist spannend. Ich habe eine Woche lang Willy Brandt auf seiner Wahlkampftour 1990 in Gera, Dresden und Karl-Marx-Stadt begleiten dürfen. Das war einer der spannendsten Aufträge für mich.

BF: Woher bekommen Sie die Ideen für Ihre Arbeiten?

Marion Schult: Ich gehe in viele Kunstausstellungen. Ich bin mit vielen Malern, Musikern und anderen Künstlern befreundet. Wir tauschen uns viel über das Weltgeschehen, Gefühle aus. Wir Künstler haben die Aufgabe auszudrücken, wie wir gerade die Welt sehen. Wir haben auch viel mehr Möglichkeiten uns auszudrücken, als jemand, der im Büro sitzt. Es geht auch darum einen Beruf zu finden, der einem etwas gibt und das ist nicht einfach. Ich bin das schwarze Schaf in einer Medizinerfamilie, aber ich bin froh darüber.

BF: Wieso haben Sie trotzdem Ethnologie studiert und nicht gleich Fotografie?

Marion Schult: Ich wollte nicht das Dummchen in der Akademikerfamilie sein. Ich wollte beweisen, dass ich wissenschaftlich arbeiten kann. Ethnologie war ein reines Interessenfach. Ich hätte mir auch vorstellen können weiterhin akademisch zu arbeiten, aber irgendwann musste ich mich entscheiden, ob ich an der Uni oder als Fotografin wirken will. Ich habe dann das Studium ohne Abschluss aufgegeben, aber wenn ich heute ins Pergamonmuseum gehe, bekomme ich eine Gänsehaut nach der anderen. Das Studium hat auch meine Fotografie inspiriert.

BF: Sie schreiben, dass 2016 eine aufregende Zeit für Sie war.

Marion Schult: Alles ist schneller geworden, gerade durch das Internet, durch Technik, die ich liebe. Ich wollte Photoshop und Digitaltechnik beherrschen, aber diese Entwicklung hat sich gesellschaftlich viel verändert. Die Menschen kommunizieren anders. In den 80er Jahren war es leichter zu überleben.

BF: Wie hat sich Ihr Leben als Fotografin von den Anfängen in den 80er Jahren bis heute verändert? Was planen Sie in 2017?

Marion Schult: Die Technik hat sich verändert, vor allem hat sich viel durch die Bildbearbeitung geändert. Die Digitaltechnik gibt Menschen das Gefühl fotografieren zu können, aber das Niveau hat sich dadurch eher nach unten nivelliert. Es gibt unglaublich viele schlechte Fotos auf dem Markt. Die Fashionblogger beispielsweise stellen Fashion lifestylig an einer normalen Frau in einem normalen Ambiente und ohne Attitude dar. Dadurch ist viel Glamour verloren gegangen und letztlich hat sich so der Stil in der gesamten Branche verändert.

Gucci, Prada und andere Designer arbeiten natürlich noch immer mit Konzepten und tollen Fotografen, die dann Ergebnisse im High-End-Bereich liefern. Freizeitfotografen beeinflussen den Markt aber negativ. Manche rotzen ein Bild hin, stellen es ins Internet und es wird 1000 Mal geliked. Das ist die Lüge an der Geschichte.  

Für mich bedeutet das, dass ich in 2017 neben meinen Aufträgen an einer Fotoausstellung arbeiten möchte, wo dieses Foto dann auch unbedingt dazu gehört.

Marion Schult

Neben diesem Foto von Marion Schult gibt es auf berufsfotografen.com/best-of-2016 noch viele weitere Lieblingsbilder professioneller Fotografen zum Stöbern und Durchscrollen.

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Im BEST OF 2016 zeigen professionelle Fotografen ihr bestes, persönlichstes oder emotionalstes Foto aus dem letzten Jahr.

Mitgemacht hat auch Tom Bässler mit einem Stillife.

BF: Hallo Herr Bässler, warum ist genau dieses zu Ihrem wichtigsten Bild aus dem Jahr 2016 geworden?

Tom Bässler: Es unterstreicht sehr gut meine Bildsprache und verkörpert meinen Stil. Ich reduziere relativ viel, auch bei den Farben und gehe fotografisch sehr gerne ins Grafische. Es gibt klare Strukturen und klare Farbverhältnisse, knackig, ein bisschen dunkel. Diese grafische Bildsprache gefällt mir. Ich mag den Stil von Analogkameras, den ich mit der Digitalkamera versuche nachzugestalten.

Für mich haben Bilder, die analog gemacht wurden, einen anderes Gehalt. Sie unterscheiden sich von Digitalfotografien und heben sich so von der Masse ab.

BF: Was ist Ihnen bei Ihren Aufnahmen wichtig?

Tom Bässler: Ich möchte ein ausgeglichenes Bild haben und gleichzeitig soll es einen Spannungsbogen in der Aufnahme geben. Dabei berücksichtige ich die klassischen Parameter, wie den Goldenen Schnitt, aber auch Trends. Ich versuche Dinge in diesen Achsen, insbesondere in der Still-Life-Fotografie, anzuordnen, sodass der Spannungsbogen erhalten bleibt.

Für mich ist die Fotografie auch deshlab interessant, weil man zugleich kreativ sein kann, ein Gespür für Licht haben muss, man auch handwerklich geschickt und technikinteressiert sein sollte. Darüber hinaus muss man auch ein solides Verständnis für IT mitbringen. Das hat den Beruf für mich interessant gemacht, weil er nicht klassisch in eine Richtung geht. Innerhalb des Berufes kann man zudem Schwerpunkte setzen. Bei mit ist die Still-Life-Fotografie zur großen Leidenschaft geworden.

Ich werde meistens für Produktaufnahmen gebucht. Da ich diese dann in meinem eigenen Stil ablichte, werden oft Still-Life-Fotos daraus. Das Interesse für Still-Lifes entsteht durch die Ästhetik von Gegenständen an sich. Dinge in ein bestimmtes Genre zu rücken und dann so festzuhalten, mag ich. Für das ausgewählte Bild habe ich beispielsweise einen Eiswürfelbehälter aus den 40er Jahren benutzt, den ich auf einem Flohmarkt gefunden habe. Ich habe mich gefragt, wie ich diesen in Szene setzen möchte und habe ihn dann mit dem modernen Plastiklöffel kombiniert. Das ergibt auch farblich schon Gegensätze.

BF: Dinge einfach nebeneinander legen und schauen wie sie wirken? Wie kann ich mir das vorstellen?

Tom Bässler: Als erstes bestimme ich die Perspektive, ob ich seitlich, frontal oder aus der Vogelperspektive fotografieren möchte. Die Untergründe sind für mich auch sehr wichtig, die müssen einen Charakter haben. Der auf dem Bild ist etwa zerkratzt. Man kann sich vorstellen, dass es sich um eine Baroberfläche handelt, auf der täglich Dinge angerichtet werden. Insgesamt muss alles zusammenpassen, die Kleinigkeiten drum herum, die Ausrichtung der Gegenstände und die Anordnung. In meinen Vorstellungen verschätze ich mich manchmal mit den Größenverhältnissen. In der Realität wirken die Dinge manchmal viel größer. Bei diesem Bild hat alles gepasst. Ich habe nur die Perspektive bestimmt, das Tuch und das Glas zu der Eiswürfelform und dem Löffel gelegt. Aber ich bin eigentlich  nicht der Mensch, der sehr viel Geduld hat und die Dinge tausend Mal hin- und herdreht.

BF: Was ist für Sie persönlich ein sehr gutes Foto, egal, ob es sich um Ihr eigenes oder das von anderen Menschen dreht?

Tom Bässler: Ich muss an dem Bild hängenbleiben, es muss etwas Besonderes ausstrahlen. Manchmal sind es Modefotos, manchmal sind es Foodfotos, die mir gut gefallen. Wenn die Perspektive einen Blickwinkel freigibt, der mich neugierig macht oder sogar irritiert, verweile ich länger. An der Verweildauer allein merke ich, ob mich ein Bild reizt oder nicht.

BF: Hat sich Ihre Motivation als Fotograf in den letzten Jahren verändert?

Tom Bässler: Als es noch keine Bilderfluten gab, habe ich Bilder, die mir gut gefallen haben, wochenlang betrachten können. Ich konnte von ihnen lange zehren. Ich habe sie gedruckt, vergrößert, auf Alu gezogen, eingerahmt und aufgehängt. Durch die Bilderflut in den Medien, im Internet, merke ich, dass mir ein Bild, das mir an einem Tag gefallen hat, mich am nächsten Tag kaum noch interessiert. Ich ertappe mich dabei, schnell das nächste Bild machen zu wollen und damit diesen schnellen Fluss selbst zu erzeugen, immer nachlegen zu wollen oder zu müssen. Es gibt kein Zurück mehr zur Langsamkeit.

BF: Ihr Fokus liegt auf Produkten und weniger auf Menschen.

Tom Bässler: Während meiner Ausbildung mussten wir Auszubildenen samstags Hochzeiten und Familienportraits machen. Das waren Akkordarbeiten an immer den gleichen Positionen. Die Fotografierten waren stets total aus dem Häuschen, aber ich konnte die Bilder  nicht mehr sehen, weil es immer und immer wieder dasselbe war. Es hat mich abgeschreckt, dass die Leute mit so einfachen Sachen zufrieden waren. Komischerweise habe ich in letzter Zeit angefangen Portraits zu machen, aber das sind Künstler oder irgendwelche bekannten Persönlichkeiten. Das ist anders. Die Arbeit wird ganz anders geschätzt. Die Portraitfotografie habe ich bisher nicht beworben, weil ich Angst hatte, dass Eltern anrufen, die Ihre Kinder vor blauem Hintergrund auf einem gelben Strohballen fotografiert haben wollen. Das würde ich nie machen wollen!

Meine Liebe gilt der Produktfotografie, Still-Lifes, Foodaufnahmen und der klassischen Werbefotografie. Das macht mir am meisten Spaß.

Tom Bässler auf BF

Tom Bässler

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Im BEST OF 2016 zeigen professionelle Fotografen ihr bestes, persönlichstes oder emotionalstes Foto aus dem letzten Jahr.

Mitgemacht hat auch Guido Schiefer.

BF: Hallo Herr Schiefer, Sie haben ein ziemlich rotes Bild ausgewählt!

Guido Schiefer: Ja, definitiv! Entstanden ist es auf dem Stand des deutschen Tapeteninstitutes auf der internationalen Möbelmesse. Ich mag das kreative Chaos auf diesem Bild, die vielen Dinge, die es dort zu entdecken gibt und vor allem die verschiedenen Rottöne. Es erinnert mich stark an ein Wimmelbild, die sich meine Tochter öfter anschaut und auf denen es ständig etwas Neues zu entdecken gibt. Das macht das ausgewählte Bild einfach spannend und anders.

BF: Wenn Sie normalerweise fotografieren, gibt es da etwas, was Ihnen besonders wichtig ist?

Guido Schiefer: Ja, natürlich. Ich versuche immer neue Ansichten zu finden, neue Perspektiven zu entdecken. Natürlich ist mir das Licht auch immer sehr wichtig.

BF: Wie war das hier, haben Sie gleich bemerkt, dass dieses Foto gut werden wird?

Guido Schiefer: Ja, weil ich fasziniert war von diesem roten Chaos. Mir war sofort klar, dass es ein besonderes Foto werden wird. Wenn Bilder Geschichten erzählen ist das toll und maßgeblich. Wenn darüber hinaus das Licht zum eigentlichen Motiv passt, ist das noch besser. Gerade schönes Licht liegt mir immer am Herzen.

BF: Was mögen Sie an Ihrem Beruf?

Guido Schiefer: Als Fotograf habe ich die Möglichkeit, in verschiedene Bereiche zu schnuppern. Ich bekomme dadurch viel Hintergrundwissen. In einer Produktionshalle von einem Autohersteller zu sein, ist beispielsweise sehr spannend, wenn man sieht, wie ein Auto zusammengebaut wird. Bei jedem Auftrag lerne ich neue Menschen und ihr Leben kennen. Das ist einmalig. Ich lerne auch eine Bandbreite von Menschen kennen, vom Vorstandsvorsitzenden eines Konzerns bis zum Fließbandarbeiter. Ich habe mit allen in der Firma Kontakt, lerne etwas über ihr Leben und kann mir einen umfassenderen Eindruck verschaffen. Das ist wahnsinnig spannend. Das bietet wahrscheinlich kaum ein anderer Beruf.

BF: Hat sich Ihre fotografische Motivation im Laufe der Zeit verändert?

Guido Schiefer: Ja, ich komme ursprünglich aus dem journalistischen Bereich. Als ich 17-18 Jahre alt war wollte ich mit meinen Fotos die Welt retten. Ich war in Afghanistan und auch in Kambodscha. Das war damals sehr drastisch. In Kambodscha habe ich Straßenkinder begleitet. Dabei sind eindrucksvolle Bilder entstanden, die zwar veröffentlicht wurden, aber nicht wirklich etwas bewegen konnten.

Anfänglich lagen mir meine Reportagen inhaltlich immer sehr am Herzen. Wenn man dann immer wieder bemerkt, dass die Bilder nichts verändern, verändert sich etwas bei einem selbst. Irgendwann habe ich diese jugendlichen Illusionen aufgegeben. Mit meiner Familie ist dann eine andere, auch finanzielle Verantwortung hinzugekommen.

BF: Warum und wie sind Sie Fotograf geworden?

Guido Schiefer: Das ist eine geradlinige und recht kurze Geschichte. Ich bin nach dem Abitur nach Paris gefahren mit einer Handvoll  Schwarz-Weiß-Filme. Vorher hatte ich nie ernsthaft fotografiert. In Paris habe ich mich ausprobiert, ich habe sehr experimentell gearbeitet und etwa Bilder mit Langzeitbelichtungen aus der Hand gemacht. Meine damalige Freundin hatte die Möglichkeit Schwarz-Weiß-Bilder zu vergrößern. Ich kam so zum ersten Mal mit Dunkelkammerarbeit in Berührung und war sofort fasziniert. Für mich war das wie Magie: Man legt das belichtete Fotopapier in den Entwickler und ganz langsam kommt das Bild zum Vorschein. Mich hat das total gepackt.

Ich habe danach zwei Fotokurse bei der Volkshochschule gemacht und habe sofort angefangen sehr intensiv und ernsthaft zu fotografieren. Ich habe mich dann rasch für einen Studienplatz an der Fachhochschule in Dortmund beworben und eine Zusage bekommen.

BF: Wo liegt Ihr Fokus in 2017? Wo wollen Sie hin?

Guido Schiefer: Ich möchte gern wieder mehr freie Arbeiten produzieren, weil ich das auch für meine Auftragsarbeiten inspirierend empfinde. Noch habe ich keine neue Serie angefangen, aber oft scheint es mir auch so, als fänden mich die Themen und nicht umgekehrt.

Ich habe beispielsweise eine Serie von Rhein-Strandgut fotografiert. Das erste Bild entstand, weil ich bei einem Spaziergang am Rhein eine verrostete Dose mitnahm und diese wochenlang im Studio rumlag, bis ich sie dann fotografierte und danach gezielt nach weiteren Objekten gesucht habe.

Guido Schiefer auf BF

Guido Schiefer

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Im BEST OF 2016 zeigen professionelle Fotografen ihr bestes, persönlichstes oder emotionalstes Foto aus dem letzten Jahr.

Mitgemacht hat auch Knut Stritzke mit einem grafischen Architekturbild.

BF: Hallo Herr Stritzke, Sie haben ein grafisches Bild als Ihr wichtigstes Motiv aus 2016 ausgesucht. Was bedeutet es für Sie?

Knut Stritzke: Eigentlich wollte ich darüber keine Worte verlieren, damit die Intensität nicht verloren geht. Die strukturierte Fläche und der offene Horizont verbunden durch ein Megaphon, symbolisieren für mich einen Wendepunkt vor dem ich immer wieder stehe. Eine Klarheit und Ruhe in der Kommunikation, die ich oft suche. 2016 war ein Wendejahr für mich wie für viele andere Menschen. Es ist ein intensives Bild für mich und das auch über das letzte Jahr hinaus.

BF: Würden Sie sagen, dass diese Art der Fotografie typisch für Sie ist?

Knut Stritzke: In gewisser Weise schon, da es auf den ersten Blick sehr viel Ruhe ausstrahlt, sehr auf das Wesentliche reduziert ist, durch die klare Symmetrie eine Ordnung entstehen lässt. Diese Art der Bildsprache mag ich sehr gern. Bei meinen freien Arbeiten, versuche ich grundlegende Fragen zu stellen, die mir in Bezug auf meine Umwelt wichtig sind. Diese Arbeiten spiegeln mich stark wieder. Bei Auftragsarbeiten muss ich mich natürlich stärker nach den Wünschen der Auftraggeber richten. Der Fokus gerade bei der Unternehmensfotografie liegt natürlich auf positiven Aspekten. Themen, die mich und meine Umwelt betreffen, kann ich dabei schwer einbringen. Dies sind meistens zwischenmenschliche Themen. Dabei geht es um Schwierigkeiten die Menschen nur miteinander lösen können , den Umgang von Menschen mit ihrer Umwelt und die Auswirkungen davon. Das beschäftigt mich vor allem in den freien Arbeiten.

BF: Im Text zu Ihrem Best-of-2016 schreiben Sie sinngemäß, dass es sich bei manchen Fotos wie mit Witzen verhält. Wenn man sie erklärt, gehen sie kaputt.

Knut Stritzke: Ich meinte damit, dass die Pointe leicht verloren gehen kann, wenn man versucht, die Bilder zu erklären. Dann konzentriert sich der Betrachter auf die Worte und lässt sich nicht auf das Motiv ein. Ich finde es aber wichtig, dass jeder ein Bild für sich zu interpretieren versucht. Es gibt einige Künstler, die sehr kreative prägnante Bildunterschriften wählen, damit erklärt sich das Bild dann von selbst und im Sinne des Künstlers.

BF: Wussten Sie im Moment der Aufnahme bereits, dass es ein besonderes Bild für Sie wird oder hat das sich erst später ergeben?

Knut Stritzke: Das Bild an sich war schon konzeptionell erarbeitet, die Vielschichtigkeit des Motivs, da es zu einer schwierigen Zeit in Griechenland entstand, hat sich im Nachhinein ergeben.

BF: Was gefällt Ihnen an der Fotografie?

Knut Stritzke: Ich kann frei meine Richtung in der Fotografie bestimmen. Ich erfahre sehr viel über Menschen und ihre Arbeit und kann hinter die Kulissen schauen. Mir gefällt, dass ich Momente festhalten kann, die sonst wahrscheinlich ungesehen an vielen vorüberziehen. Bilder, die ich im Kopf habe, kann ich anderen Menschen zugänglich machen. Das ist ein Privileg des Fotografen. Es verhält sich wie bei einem Maler, der eine Idee davon hat, was er mit seinem Pinsel ausdrücken möchte, wie und welche Farben er dabei verwenden will. Als Fotograf kann ich auch ein Bild von z.B. einem Menschen entstehen lassen, so wie ich ihn sehe. Ich kann Momente und Geschichten auf einem Foto entstehen lassen. Es ist immer eine subjektive Sichtweise, die ich habe. Das Tolle ist, dass ich diese Sicht der Dinge über die Fotos kommunizieren kann.

BF: Was ist, wenn der fotografierte Mensch nicht mit der Art, wie Sie ihn sehen, übereinstimmt?

Knut Stritzke: Ich unterscheide zwischen den freien Arbeiten und den Aufträgen. Bei einer freien Arbeit wissen die Menschen, dass es meine Arbeit ist und haben nicht die Erwartung, dass ihre Vorstellung im Motiv verwirklicht wird. Bei Aufträgen gibt es mehr Vorgaben und dementsprechend plane ich auch. 

Webseite Knut Stritzke

Knut Stritzke auf BF

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Im BEST OF 2016 zeigen professionelle Fotografen ihr bestes, persönlichstes oder emotionalstes Foto aus dem letzten Jahr.

Mitgemacht hat auch Steffen Scheyhing mit dem Bild eines Hundes.

Hallo Herr Scheyhing, ein allein spazierender Hund ist Ihr Lieblingsbild aus 2016.

Steffen Scheyhing: Ja, mittlerweile hängt es auch in meinem Büro. Das Foto ist an einer Strandpromenade in Portugal entstanden. Es war eine skurrile Situation: Erst kam eine große Gruppe angetrunkener Franzosen aus einem Restaurant und dann lief dieser Hund mutterseelenallein, zielstrebig und selbstbewusst an mir vorbei. Offenbar gehörte er zu der Gruppe, schien sich aber bewusst von ihr absetzen zu wollen. Dass dieses Foto mein Lieblingsbild aus 2016 geworden ist, ist eine reine Gefühlsentscheidung. Ich finde es einfach nur schön. Auch deshalb, weil es kein typisches Tierfoto ist und dieser Hund eigenständig wie ein Mensch zu sein scheint. Er ist ein erwachsener Hund, der beschließt an der Küste spazieren zu gehen. Früher habe ich auch manchmal Hunde fotografiert, aber nicht wie man typischerweise ein Tier fotografieren würde, sondern eher wie ein charaktervolles Menschenportrait. In dieser Hinsicht gibt es zu diesem Bild eine gewisse Parallele.

BF: Worauf legen Sie bei Ihren Arbeiten Wert? Was spricht Sie an?

Steffen Scheyhing: Mir ist wichtig, dass es real ist, dass Menschen so fotografiert werden, wie sie sind oder wie ich sie sehe. Die typische Modelfotografie interessiert mich weniger. Toll finde ich Charakterfotografie oder derzeit auch Straßen, die durch Landschaften führen. Architektur- und Landschaftsfotografie machen mir auch Freude. Im Grunde genommen reizen mich Projekte und Motive, bei denen ich mich mit einbringen kann. Mich interessiert, was ich persönlich als schön empfinde. Was das genau ist, kann ich schwer beschreiben. Deshalb bin ich wohl auch Fotograf geworden.

BF: Was hat das eingereichte Bild für Sie?

Steffen Scheyhing: Ich habe das Foto wochenlang auf Reisen nur auf der Speicherkarte gesehen und habe mich gefreut, es Zuhause endlich in groß anzuschauen. Da Bild war also von Beginn an besonders für mich. Beim Auslösen habe ich schon gemerkt, das es ein tolles Bild wird. Das ist für mich ein Merkmal für ein gutes Foto. Man sollte es länger anschauen wollen; man muss daran hängen bleiben. Meist erzählen solche Bilder eine Geschichte oder transportieren Emotionen.

BF: Wie würde die Geschichte zu Ihrem Foto sein, wenn Sie die Situation vor Ort nicht kennen würden?

Steffen Scheyhing: Der Hund wohnt irgendwo am Meer. Er weiß genau wohin er will. Für ihn ist es das Normalste auf der Welt dort selbstbestimmt und frei entlang zu laufen. Das Leben macht ihm einfach Spaß. Dass der Hund relativ klein auf dem Bild ist, hilft der Geschichte. Er hat ja noch einiges zu laufen, bis er aus dem Bild raus ist.
Es sind auch gestalterische Sachen, die mir gefallen. Es ist für mich ein stimmiges Foto. Weil rechts noch ein Stück Land zu sehen ist und links, als Gegenstück, das blaue Meer erkennbar ist, entsteht eine gestalterische Dreiteilung.

BF: Haben Sie ihn eigentlich kommen sehen?

Steffen Scheyhing: Ich habe den Hund tatsächlich vorher gesehen und gewartet bis er da ist und ins Bild läuft. Das Motiv, der Ausschnitt war schon gewählt und der Hund ist dann nur noch ins Bild gelaufen. Es ging relativ schnell, aber es blieb genug Zeit, um das Motiv zu planen.

BF: Wie sind Sie zur Fotografie gekommen?

Steffen Scheyhing: Es war kein Kindheitswunsch und hat sich erst über die Jahre entwickelt. Nach einer technischen Ausbildung bin ich durch befreundete Fotografen immer mehr mit Fotografie in Berührung gekommen. Mir ist dabei bewusst geworden, dass meine Fotos gar nicht so schlecht sind und dann habe ich mich entschieden, eine schulische Ausbildung zu machen und professioneller Fotograf zu werden.

BF: Würden Sie dieses Bild als für Sie typisch bezeichnen?

Steffen Scheyhing: Ich mag es, Geschichten zu erzählen und ich möchte, dass bei meinen Bildern ein interpretatorischer Freiraum erhalten bleibt. Zudem fotografiere ich gerne frontal und mag einen stringenten Bildaufbau, wie die parallelen Linien in diesem Bild. Somit würde ich schon sagen, dass es sich hier um ein typisches Bild für meine Bildsprache handelt. Diese Charakteristika finden sich auch in meinen Architekturbildern wieder.
Die zentrale Sichtweise oder eine geradlinige Anordnung sind wiederkehrende Stilelemente bei mir, egal ob ich Menschen oder Architektur fotografiere.

Steffen Scheyhing

Steffen Scheyhing auf BF

Neben diesem Foto von Steffen Scheyhing gibt es auf berufsfotografen.com/best-of-2016 noch viele weitere Lieblingsbilder professioneller Fotografen zum Stöbern und Durchscrollen.

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Im BEST OF 2016 zeigen professionelle Fotografen ihr bestes, persönlichstes oder emotionalstes Foto aus dem letzten Jahr.

Mitgemacht hat auch Tom Pingel mit dem Bild aus einer Unternehmensreportage.

BF: Hallo Herr Pingel, Sie zeigen ein stimmungsvolles Motiv, das wie ein beiläufig fotografierter Schnappschuss aussieht. Obwohl es unscharf ist, fühlt man die vertrauensvolle Atmosphäre zwischen den beiden Arbeitern.

Tom Pingel: Dieses Foto ist bei einer mehrtägigen Reportage für ein mittelständisches Unternehmen entstanden. Die Offenheit und die Selbstverständlichkeit der Mitarbeiter dort hat mich beeindruckt. Ich hatte diesen Mann bei der Arbeit fotografiert und plötzlich sprang aus dem Nichts ein Kollege heran und polierte ihm die Glatze. Ich empfand diese Szene als außergewöhnlich, dass der Mitarbeiter das Vertrauen hat und lacht. Das geht nur, wenn man sich im Arbeitsumfeld sehr sicher fühlt und wenn Toleranz und Respekt herrschen. Diese Punkte sind mir persönlich und in meiner fotografischen Arbeit wichtig und gerade deshalb mag ich dieses Bild besonders.

Mittlerweile bin ich ja seit 30 Jahren in der Fotografie tätig und habe dabei in unterschiedlichen Bereichen gearbeitet: als Werbefotograf, als Dozent an Hochschulen, als Inhaber einer Bildagentur. Ein für mich wichtiger Punkt ist dabei aber immer eine möglichst authentische Fotografie zu leben geblieben. Ganz gleich, ob es um Dienstleistung oder um Produkte geht, letztlich sind es immer Menschen, die wichtig sind.

BF: Authentizität wird häufig mit Echtheit oder Originalität gleichgesetzt. Wie definieren Sie diese persönlich und in Ihrer Fotografie?

Tom Pingel: Für mich ist Authentizität die Schönheit des Augenblicks, die Wahrheit in dem Realen, das Gegenteil von Inszenierung. Fotografie ist ein Medium des Weglassens. Es fängt mit dem Ausschnitt an, man zeigt ja immer nur einen Teil der Welt. Wenn ich fotografiere, lege ich den Fokus auf etwas fest und blende etwas anderes aus. Daraus entsteht ein narratives Element, dass auf den Moment davor und den Moment danach verweisen kann. Somit erzählt das Bild eine kleine Geschichte. Das ist für mich die Magie der Fotografie. Das Authentische ist dann tatsächlich das Echte. Oft findet man dies eben in Schnappschüssen.

BF: Wussten Sie schon in der Situation, dass dies ein besonderes Bild für Sie wird?

Tom Pingel: Ja, das spürt man eigentlich schon. In diesem Fall war es aber keine Situation, die sich angekündigt hat. Als Fotograf schafft man Grundbedingungen, um dann im Moment intuitiv arbeiten zu können. Das ist ja das Tolle für den Fotografen, dass man dann nur noch seinem Bauch folgen kann. Umso erfahrener man als Fotograf ist, desto besser kann man quasi in die Zukunft gucken. Das hier war jedoch eine Situation, die für mich überhaupt nicht vorhersehbar war. Das Bild ist auch nicht technisch einwandfrei, es hat im Grunde eine zu langer Belichtungszeit, aber die Dynamik kommt durch die Bewegungsunschärfe zum Tragen.

BF: Sie haben gesagt, dass Sie drei Tage in der Firma waren. Wie bewegen Sie sich dort, damit authentische Bilder entstehen?

Tom Pingel: Dafür habe ich im Laufe der Zeit ein gewisses Repertoire entwickelt. Man kann Menschen einerseits natürlich inszenieren und Ihnen die Möglichkeit geben mit der Kamera zu interagieren, man kann Menschen aber auch beobachten und versuchen als Fotograf möglichst unsichtbar zu sein. Wenn ich drei Tage in einer Firma bin, dann plane ich verschiedene Dinge ein. Es gibt inszenierte Sachen wie Businessportaits oder Meetingsituationen. Diese müssen vorbereitet werden. Dazwischen nehme ich mir aber immer auch Zeit, um sozusagen frei zu fotografieren. Meist ist dafür ein halber Tag vorgesehen.

BF: Was ist für Sie ein sehr gutes Fotos, welche Bilder berühren Sie persönlich?

Tom Pingel: Ich mag Bilder, in denen ich etwas entdecken kann, durch die ich etwas erfahre, wo meine Neugierde befriedigt wird. Bilder, die vielleicht auch eine gewisse Schonungslosigkeit besitzen. Wahrscheinlich handelt es sich dabei eher um Bilder aus dem künstlerischen Bereich, Streetfotografie oder sozialdokumentarische Fotografie. Das sind dann die Bilder, die mir etwas bedeuten. Das Tolle in der Fotografie ist somit für mich, dass kein Shooting wie das andere ist. Es gibt immer etwas Neues und man kommt mit so vielen unterschiedlichen Bereichen in Kontakt. Ich habe die Möglichkeit, viel Neues zu lernen. Das gilt insbesondere für die Wissenschaftsfotografie.

BF: Sie haben auch an Hochschulen unterrichtet. Was raten Sie den Studierenden?

Tom Pingel: Im Grunde ist das Wichtigste nur das zu machen, was Spaß macht. Die Fotografie muss Freude machen, ansonsten kämpft man ständig und versucht Erwartungen zu erfüllen, die man nicht erfüllen kann. Ohne Freude, kann man auch nicht intuitiv arbeiten.

BF: Ihre Businessportraits sind selten glatt, oder heroisch. Es sind keine klassisch konservativen Bilder von archetypischen Führungspersonen. 

Tom Pingel: Diese klassischen, heroischen, stereotypen Chefportraits habe ich auch irgendwo in meinem Archiv, aber sie sind nicht auf meiner Webseite zu sehen, weil sie mir selbst nicht so wichtig sind. Mich interessieren eher Kanten und Brüche. Dadurch kommen Auftraggeber zu mir, die eine spezielle Beschreibung haben. Mich interessiert die Wahrheit. Die geleckte, überhöhte und super perfekt fotografierte Darstellung von Führungspersönlichkeiten ist eigentlich vorbei. Nehmen wir etwa den berühmten Kulturstrick Krawatte. Manager, die heute wirklich in Verantwortung stehen, die legen sie bewusst ab. Diejenigen, die wirklich etwas zu sagen haben, müssen sich keine Krawatte umbinden, denn in diesen Bereichen zählen ganz andere Werte und Fähigkeiten. Das ist mein Eindruck, vielleicht auch meine Hoffnung. Diese authentische Art der Darstellung im Businessbereich ist nicht immer konfliktfrei, aber es wird den Menschen gerecht.

BF: Authentizität muss man sich vielleicht leisten können. Menschen in Führungsebene könne sich das vielleicht leisten, andere, die auf dem Weg dorthin sind, können das möglicherweise nicht.

Tom Pingel: Ja, aber sie könnten eine Idee davon haben, dass sie sich das leisten wollen. Das reicht ja auch schon. Wenn jemand diesen Horizont nicht mitbringt, kann man nur hoffen, dass diese Person nie eine hohe Position mit Führungsverantwortung erlangt.

Tom Pingel

Tom Pingel auf BF 

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Im BEST OF 2016 zeigen professionelle Fotografen ihr bestes, persönlichstes oder emotionalstes Foto aus dem letzten Jahr.

Mitgemacht hat auch Anne Wirtz mit einem im Studio inszenierten Gruppenbild.

BF: Hallo Frau Wirtz, erzählen Sie mal, was dieses Bild zu Ihrem Lieblingsbild hat werden lassen.

Anne Wirtz: Neben der organisatorischen Herausforderung mit so vielen Menschen zu arbeiten steckt einfach ganz viel Herzblut in dem Bild. Dass das alles so gut geklappt hat und das Bild letztlich genau so geworden ist, wie ich es mir vorgestellt hatte, ist besonders schön. Besonders mag ich die überrascht und erstaunt schauenden Gesichter, die einen großen Interpretationsspielraum für den Betrachter lassen.

BF: Eine freie Arbeit mit elf Modellen war sicher eine oganisatorische Herausforderung. 

Anne Wirtz: Ja, das Foto ist Ergebnis wochenlanger Vorbereitungen. Alleine die Modelle auszusuchen hat schon recht viel Zeit in Anspruch genommen. Außerdem war es gar nicht leicht eine Stylistin zu finden, die sich dieser Mammutaufgabe annehmen wollte, geschweige denn einen Termin zu finden, an dem alle Zeit haben.
Während des Shootings ging es nun vor allem darum, dass alle möglichst gleichzeitig ein überraschtes Gesicht machen. Ich habe den Modellen eine Situation erzählt und mache dann auch gerne vor, wie die Modelle schauen oder gestikulieren sollen. 

BF: Wie kann ich mir das genau vorstellen? Haben Sie Gesichtsausdrücke vorgemacht?

Anne Wirtz: Ja, genau und die leichte Gestik dazu. Es geht ja darum, dass die Leute total überrascht gucken, als würde jemand vor ihnen stehen, den sie ewig nicht gesehen haben oder irgendjemand ganz besonderes.
Die eine Hälfte der Menschen sind Modelle, die ich bei einer Agentur gefunden habe. Die andere Hälfte sind Freunde. Ich wollte in jeglicher Hinsicht eine bunte Mischung an Menschen und Gesichtern haben. 

BF: Ist das eine typische Arbeit für Sie und wussten Sie schon beim Auslösen, dass es für Sie ein besonderes Bild wird?

Anne Wirtz: Ja, ich mag die inszenierten Sachen, die doch lebendig sind. Das Bild ist so in der Kamera entstanden. Es ist das einzige Bild, auf dem alle zusammen toll aussahen. Nur einmal habe ich geschlossene Augen ausgetauscht.
Auf dem Shooting war die Stimmung toll, die Leute sahen super aus. Da wusste ich schon beim Auslösen, dass es gut werden wird.

BF: Was ist Ihnen eigentlich generell bei Ihren Aufnahmen wichtig?

Anne Wirtz: Dass ich einerseits umsetze, was der Kunde möchte, weil ich mich als Dienstleister sehe. Darüber hinaus ist es immer schön, wenn ich die Möglichkeit habe, die eigene Kreativität mit einfließen zu lassen. Selbst Vorschläge zu machen, die dann im Idealfall den Kunden überzeugen, ist eine großartige Sache. Meine Aufgabe ist es, die Menschen zu verstehen, auf ihre Wünsche einzugehen, sie mit meiner Expertise zu beraten und dann ein gutes Foto zu machen.

BF: Ist es für Sie erstrebenswert, nur noch frei zu arbeiten?

Anne Wirtz: Nein, ich würde nicht nur frei arbeiten wollen, zum einen, weil es auch um´s Geld verdienen geht und zum anderen, weil es für mich eine interessante Konstellation ist, mich mit den Wünschen von Kunden auseinanderzusetzen und die Vorstellungen der Kunden zu realisieren. Abgesehen davon kann ich auch, je nach Kunde, freier arbeiten. Bei Reportagen habe ich zum Beispiel nur das Thema vorgegeben und kann dann relativ frei arbeiten. 

BF: Was denken Sie macht ein richtig gutes Foto aus?

Anne Wirtz: Für mich muss das ein Bild sein, das mich im jeweiligen Moment irgendwie packt. Es muss keine bestimmten technischen oder inhaltlichen Kriterien erfüllen, um ein gutes Foto zu sein.
Um mit meinen eigenen Arbeiten zufrieden sein zu können, brauche ich das Gefühl, dass ich das, was gefordert war, nicht nur passend umgesetzt habe. Das Bild sollte immer zusätzlich ein kleines i-Tüpfelchen besitzen. Letztlich erfreut das dann ja immer auch den Art director oder den Auftraggeber.

BF: Würden Sie sagen, dass Sie eine eigene Art entwickelt haben zu fotografieren?

Anne Wirtz: Ich lege recht viel Wert auf eine konzeptionelle Arbeitsweise. Meist weiß ich vorher schon sehr genau, was ich machen möchte. Das heißt aber nicht, dass ich dabei den Blick nicht nach links und rechts wende. Auf einem Shooting probiere ich immer verschiedene Wege aus, aber generell arbeite ich schon relativ straight.
Oft mache ich mir auch Skizzen, obwohl ich überhaupt nicht gut zeichnen kann. Von diesem Motiv hatte ich mir auch schon vorher Zeichnungen gemacht.

BF: Sie sind mit vollem Herzen Fotografin. Was bedeutet Ihnen dieser Beruf?

Anne Wirtz: Das Schönste daran ist die großartige Freiheit. Ausserdem kommt man immer wieder an neue Orte, an die man sonst nie kommen würde. Darüber hinaus lernt man immer wieder neue Menschen kennen. Ich liebe diese Abwechslung. Man macht eigentlich nie dasselbe, jedes Shooting ist anders und hat neue Herausforderungen. Ich denke das Wichtigste ist die Möglichkeit ständig Neues entdecken zu können. Das ist für mich ein großer Luxus.

Neben diesem Foto von Anne Wirtz gibt es auf berufsfotografen.com/best-of-2016 noch viele weitere Lieblingsbilder professioneller Fotografen zum Stöbern und Durchscrollen.

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Im BEST OF 2016 zeigen professionelle Fotografen ihr bestes, persönlichstes oder emotionalstes Foto aus dem letzten Jahr.

Mitgemacht hat auch Anne Hufnagl mit einem Paarfoto aus einer Hochzeitsreportage in Hamburg.

BF: Sie fotografieren viele Hochzeiten pro Jahr. Was macht gerade dieses Foto zu Ihrem Lieblingsbild?

Anne Hufnagl: Es war von Anfang bis zum Ende ein sehr schöner Auftrag. Bereits das erste Vorgespräch noch vor der Buchung hat Spaß gemacht. Die beiden haben mir zudem wirklich viele Freiheiten gelassen und bei allen Ideen mitgemacht. Dieses Foto ist abends auf dem Hoteldach entstanden, während die eigentliche Feier lief.  Es ist ein Paar zu dem ich immer noch Kontakt habe. Die Chemie hat hier einfach super gut gepasst. Außerdem haben die beiden vom Look und von der Mentalität perfekt zu mir gepasst. Das war mein ideales Kundenpaar. Ich verbinde mit diesem Foto viele positive Gefühle an ein tolles Shooting.

BF: Wie würden Sie selber den Stil Ihrer Bilder bezeichnen?

Anne Hufnagl: Ich würde meine Bildsprache als modern oder als klassisch- schick bezeichnen. Das entsteht auch durch das Hamburger Klientel. Natürlich mache ich auch manchmal eine Gartenhochzeit oder eine Vintagehochzeit, aber die Nachfrage besteht hier in Hamburg eher nach klassisch, modernen und schicken Sachen.
Für mich bedeutet das in erster Linie schöne Farben, schicke und moderne Locations. Oft ist es eher eines der großen Hotels an der Alster als ein Bauernhof.  Das bedeutet,dass es eher hochwertig und professionell zugeht und weniger verspielt.

BF: Ihre Hochzeitsbilder sind meist keine archetypischen Hochzeitsbilder, die man häufig sieht.

Anne Hufnagl: Ja, das ergibt sich meist daher, dass ich wenig versuche einzugreifen und zu dirigieren. Auch wenn ich eher klassische Motive umsetze, gebe ich dem Paar eben keine Anweisungen wie sie schauen oder was sie machen sollen. Ich lasse sie einfach sie selbst sein. Deswegen sieht auch jede Hochzeit anders aus, weil ich die Motive fotografiere, die sich an diesem Tag ergeben und wir nichts vorher planen. Ich habe kein Pinterest-Moodboard in dem die Top-10-Hochzeitsmotive drin sind, die ich fotografieren will, sondern ich gucke einfach wie die Leute sind. Vielleicht ist das auch ein bisschen Klischee, aber die sind wirklich einfach alle anders. Dementsprechend ist auch jede Hochzeit insgesamt und jedes Hochzeitsbild anders. Was gleich bleibt ist mein Bearbeitungsstil, meine Handschrift.  Die Paare haben so das Gefühl, dass sie das selbst auf den Bildern sind. Das ist eine direkte, ehrliche Art der Fotografie.

BF: Klappt diese offene Zusammenarbeit immer bei Ihnen?

Anne Hufnagl:  Für mich ist es wichtig, dass es zwischenmenschlich passt. Ich muss das Gefühl haben, dass die Leute sich auch schon beim Vorgespräch mit mir entspannen können. Das Kennenlernen ist mir sehr wichtig.  Es ist auch völlig in Ordnung, wenn es nach dem Vorgespräch nicht zum Shooting kommt, weil es nicht gepasst hat
Häufig liegen zwischen Buchungstag und Hochzeit Monate. Da ist es wichtig, in Kontakt zu bleiben. Ich treffe mich mit dem Paar zwei Wochen vor der Hochzeit  noch einmal.
Dadurch haben die Menschen das Gefühl, dass ich dazugehöre. Ich interessiere mich auch wirklich für die Geschichten hinter den Menschen, teilweise kenne ich vorher schon die halbe Familiengeschichte. Weil die Paare merken, dass ich keine Fließbandarbeit mache, sondern sie kenne und sie sie selber sein können, entsteht ein vertrauensvolles Miteinander, das andere, schöne Bilder ermöglicht.

BF: Auf Ihrer Webseite beschreiben Sie Ihre Bilder als künstlerische Hochzeitsfotos.

Anne Hufnagl: Ich arbeite wahnsinnig gern mit den jeweiligen Locations. Wenn ich in einem Fachwerkhaus fotografiere, soll es auch deutlich mit auf dem Bild sein. Ich versuche auch immer einen zweiten, anderen Blickwinkel zu finden. Zudem ist die Bearbeitung für mich sehr wichtig. Da arbeite ich meist ohne Photoshop in Lightroom an der Anpassung der Farben, damit eine Art Filmlook entsteht. Es soll ein wenig nach Früher aussehen, ein wenig analog.

BF: Wie kommt es eigentlich, dass Sie sich auf Hochzeiten spezialisiert haben?

Anne Hufnagl: Das war eigentlich ein Zufall. Früher habe ich viel Fashion-Kataloge fotografiert und eines Tages fragte mich einer meiner Kunden, ein Agenturchef, ob ich nicht die Hochzeit seiner Tochter fotografieren könnte.
Ich habe schnell gemerkt, dass mir das Spaß macht und ich den Leuten Bilder geben kann, die etwas Besonderes sind und an denen sie ein Leben lang Freude haben werden. Das zu wissen tut mir natürlich auch gut. Mittlerweile fotografiere ich fast nur noch Hochzeiten. Zudem mag ich es mit echten Menschen zu arbeiten. In der Katalogfotografie arbeiten Modelle und denen ist es nicht wichtig, ob das Foto toll wird, denn sie haben meist schon viele tolle Fotos in der Mappe.

Bei den Hochzeiten habe ich das Gefühl, das ich wirklich etwas Besonderes geben kann. Diese Bilder haben eine Bedeutung. Ein Fashionkatalog ist am Ende der Saison vergessen. Die Hochzeitsfotos bleiben bei den Familien und das ist ein schönes Gefühl. Ich möchte etwas schaffen, was bleibt und das schafft man mit Werbung nicht. Damit verdient man zwar gutes Geld, aber für die eigene Entwicklung, oder wenn man das Gefühl mag, etwas tolles zu machen, sind Hochzeitsfotos die bessere Wahl.
Ich mag zudem die Freiheit, die ich habe. Wenn dann das Ergebnis stimmt und das eigene Auftreten auch ein bisschen cool ist, ist das doch eigentlich eine gute Kombination.

BF: Wusste Sie bei diesem Motiv sofort, dass es ein besonderes Foto wird?

Anne Hufnagl: Ich wusste auf jeden Fall, dass es ein besonderer Moment ist. Auf dieses Hoteldach darf man eigentlich nicht. Ich hatte mich wirklich mehrere Stunden von der Kellnerin bis zum Hoteldirektor durchgefragt, bis wir dort hoch durften. Wir mussten sogar unterschreiben, dass das Hotel nicht haftet, wenn wir herunterfallen würden. Das Licht war dann perfekt, die beide waren entspannt und ich hatte gleich das Gefühl, dass das etwas Besonderes ist. Das klappt einfach nicht bei jeder Hochzeit. Es gibt immer besondere Momente, schöne Fotos, aber Momente, in denen alles passt, das ist selten.

BF: Was ist für Sie persönlich wichtig an einem Foto? Was ist für Sie ein sehr gutes Foto?

Anne Hufnagl: Ein sehr gutes Foto löst im Betrachter etwas aus. Man kann ein Foto haben, das handwerklich tipptopp ist, aber dennoch keine Bedeutung hat oder Gefühle auslöst. So ein Bild überblättert man in einem Magazin oder klickt es online einfach weiter, weil es dann doch nur perfekt ist. Manchmal gibt es aber Fotos, die vielleicht sogar unscharf sind, aber trotzdem eine Stimmung und Emotionen transportieren. Ich glaube, dass der Trend ähnlich wie auf Instagram immer weiter zu emotionalen Fotos gehen wird.

BF: Mit Hilfe von Apps kann mittlerweile jeder Bilder stimmungsvoller machen, wie sehen Sie diese Entwicklung?

Anne Hufnagl: Dank Facebook und Instagram wollen Paare gute Bilder zum Zeigen und Teilen. Natürlich gibt es auch viele, die tolle Handyfotos machen, auch mit Filtern, aber das sind in der Regel Privatleute, die festhalten, was im eigenen Leben passiert und das hat mit dem Beruf Fotograf nicht viel zu tun. Ich habe zudem nicht das Gefühl, dass mir das Aufträge wegnimmt, sondern eher das Bewusstsein für Fotos allgemein erhöht.

Fotografie hat durch die ganzen technischen Möglichkeiten einen ganz anderen Stellenwert bekommen. Hätten wir Facebook und Instagram nicht, würden die Leute wahrscheinlich gar nicht so viel Wert auf hochwertige und einzigartige Bilder legen.

Anne Hufnagl auf Instagram

www.romanticshoots.de

Neben diesem Foto von Anne Hufnagl gibt es auf berufsfotografen.com/best-of-2016 noch viele weitere Lieblingsbilder professioneller Fotografen zum Stöbern und Durchscrollen.

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Im BEST OF 2016 zeigen professionelle Fotografen ihr bestes, persönlichstes oder emotionalstes Foto aus dem letzten Jahr.

Mitgemacht hat auch Torsten Halm mit einem stimmungsvollen Reportagebild.

BF: Hallo Herr Halm, Sie haben dieses Foto als Ihr wichtigstes Foto gewählt. Was ist Ihnen an diesem Bild so wichtig?

Torsten Halm: Aufgenommen ist dieses Bild mitten in Berlin und dennoch strahlt es unglaublich viel Ruhe aus. Eigentlich ist Berlin Mitte immer hektisch und dieser Mann sitzt einfach in dieser Bar und raucht entspannt eine Zigarette, trinkt seinen Wein und ist vollkommen fokussiert auf sein Buch. Es ist die Stimmung in dem Bild, die mir von Anfang an gefallen hat. Durch dieses Bild wurde mir klar, dass ich mehr in Richtung Reportagefotografie gehen möchte.

Dieses Foto ist gerade durch die ruhige Stimmung mittlerweile zu meinem ganz persönlichen Lieblingsbild geworden, das mir sehr viel bedeutet und an dem ich mich einfach nicht satt sehen kann. Es gibt vielleicht öfters Fotos, die ich mag, aber dieses ist wirklich besonders für mich. Der Mann schaut nicht auf sein Handy und auch sonst gibt es keine Technik in dem Bild. Er sitzt allein dort, richtet das Licht der Lampe zu sich. Er liest einfach ein Buch, was viele nicht mehr machen, wenn sie irgendwo hingehen. Dieser Mann war so unglaublich in sich gekehrt, er hat sich durch nichts aus der Ruhe bringen lassen.

BF: Hat Sie den Mann noch einmal getroffen und hat er die Aufnahme gesehen?

Torsten Halm: Der Mann hatte nicht bemerkt, dass ich ihn fotografiert habe und obwohl ich wusste, dass es eine besondere Aufnahme geworden ist, ist mir erst später am Rechner wirklich aufgefallen, wie schön das Bild ist. Ich habe das Foto dann ausgedruckt, bin in die Bar gefahren und habe gefragt, ob irgendjemand diesen Mann kennt. Tatsächlich bekam ich am nächsten Tag einen Anruf und wir haben uns dann auch in der Bar getroffen. Es stellte sich heraus, dass er begeisterter Hobbyfotograf ist. Wir haben ganze acht Stunden zusammengesessen, weil es einfach ein unglaublich interessantes Gespräch war.

BF: Sie sprechen immer wieder von Ruhe. Spricht diese Bild eine Sehnsucht in Ihnen an?

Torsten Halm: Als Nicht-Berliner tue ich mich mit dieser riesigen Stadt und der Hektik manchmal etwas schwer. In meinem Job hingegen mag ich den positiven Stress. Danach sehne ich mich aber auch oft nach etwas Ruhe.

Wenn ich nicht für einen Job fotografiere, bin ich eher der stille Beobachter und versuche für mich besondere, schöne Momente einzufangen. Ich halte dann gerne inne. Das spiegelt meinen eigenen Stil wider. Mich zieht die Reportagefotografie viel stärker an, als eine perfekte Inszenierung.

BF: Dies Aufnahme war somit ein Wendepunkt in Ihrer fotografischen Laufbahn?

Torsten Halm: Ja, das war wie ein Startschuss im Bereich der Reportagefotografie für mich. Ich lege jetzt viel stärker Wert darauf mein Auge zu schulen und wachsamer zu werden, um besondere Momente schnell zu erkennen und zu fotografieren.

BF: Und was hat der Fotografierte eigentlich zu dem Bild gesagt?

Torsten Halm: Er war völlig begeistert und wollte sein Bild von mir signiert haben, das war ein sehr schöner Moment.

Neben diesem Foto von Torsten Halm gibt es auf berufsfotografen.com/best-of-2016 noch viele weitere Lieblingsbilder professioneller Fotografen zum Stöbern und Durchscrollen.

Im BEST OF 2016 zeigen professionelle Fotografen ihr bestes, persönlichstes oder emotionalstes Foto aus dem letzten Jahr.

Mitgemacht hat auch Stefan Boness mit diesem Reportagebild einer Kundgebung.

BF: Hallo Herr Boness, auf vielen Ihrer Bilder spielen politische Themen eine große Rolle. Warum haben Sie gerade diese Aufnahme ausgewählt?

Stefan Boness: Das stimmt, ich fotografiere oft politische Reportagen oder Demonstrationen, mache aber auch Portraits und freie Projekte. Das sind häufig ganz andere, oftmals ruhige Themen wie Landschaften, leer stehende Häuser, oder Straßenfotografie in Japan. Diese gegensätzlichen Arbeiten tun mir gut und helfen mir, auf eine andere Ebene zu kommen. Aus dem politischen Bereich hätte ich auch ein anderes Foto wählen können, etwas Schöneres. Ich wollte aber ein bisher unveröffentlichtes Bild nehmen, das mir wichtig ist. Die Demonstrationen von Pegida, beziehungsweise Bärgida in Berlin, haben für mich dabei eine besondere Symbolik. Diese Demonstration fand jetzt schon über 100 Mal statt. Oft sind dann nur 10 Leute anwesend und trotzdem ist die Innenstadt blockiert, weil zu den Bärgidaleuten etliche Polizisten kommen sowie die Gegendemonstration. Alle sind genervt und dennoch demonstrieren sie jede Woche erneut. Ich gehe da ab und zu als Fotograf hin, um das zu dokumentieren und versuche dann Bilder zu machen, die nicht als Propaganda von denen verwendet werden können.

BF: Welche Symbolik hat dieses Bild für Sie? 

Stefan Boness: Obwohl die Demonstranten einheitlich wirken möchten, ist für mich das Deutschlandbild, welches dort versucht wird zu projizieren, inhaltlich völlig unstimmig. Da wird eine Wirmer-Flagge gehalten, die wie eine “Norwegerfahne” aussieht und die auch bei den Neonazidemos auftaucht. Es gibt eine Art Reichskriegsfahne und ganz link im Bild steht ein Typ, der ein Schild mit der Aufschrift “Freiheit statt Merkelismus” hält. Dieser Mann ist eigentlich Lehrer, dessen Vertrag aufgrund seiner Pegidaffinität und seiner AFD-Mitgliedschaft nicht verlängert wurde. Ein Foto, das ich auf einer anderen Bärgidademonstration geschossen habe, hat dazu beigetragen, dass er Probleme bekommen hat. Dieses Foto hat die AFD wiederum genutzt, um eine Kampagne in ihrem Sinne zu gestalten. Gegen die widerrechtliche Verwendung meines Fotos geht jetzt mein Anwalt vor. In diesem einen Bild stecken so viele Geschichten und deshalb ist dieses Foto wichtig für mich.

BF: Woher kommt der starke historisch-politische Bezug in Ihren Bildern? 

Stefan Boness: Ich bin eigentlich Politikwissenschaftler und beobachte die Entwicklungen in Deutschland schon sehr lange. Persönlich ist es mir unangenehm, gerade auf rechte Veranstaltungen zu gehen. Die Stimmung hat sich zudem radikalisiert, es wird immer brutaler. In Leipzig gab es sogar Steinwürfe und physische Übergriffe. Ich versuche beim Fotografieren in der Rolle eines Beobachters zu bleiben, der eine gewisse Distanz wahrt.

Für mich ist es wichtig, dass man wie bei diesem Foto auch, sehr deutlich meine Position, meine Einstellung als Fotograf erkennt. Auf den Demonstrationen ist es immer ein gegenseitiges Beobachten. Nicht selten werde ich von den Pegida-Demonstranten ebenfalls fotografiert. Ich finde es wichtig, die Menschen, Symbole und Identitäten der Teilnehmer in der rechten Szene zu kennen, um diese Bewegungen verstehen und überhaupt fotografieren zu können.

BF: Wie kommt es, dass Sie sich besonders für rechte Demonstrationen interessieren?

Stefan Boness: Oh, das mache ich nicht nur. Ich habe etwa ein Projekt, das nennt sich “MUTbürger” und beschäftigt sich vor allem mit linken Demonstranten, die ich im Hochformat und ganz einheitlich fotografiert habe. Das ist ein Projekt, mit dem ich mich schon jahrelang beschäftige. Mir geht es beim Fotografieren immer vor allem um die Vielfalt der Protestkultur.

BF: Der Wechsel vom Politikwissenschaftler zum Fotografen, wie kam es bei Ihnen dazu?

Stefan Boness: Nach dem Politikstudium habe ich angefangen, für verschiedene Bildagenturen als Fotoredakteur zu arbeiten. Der Wunsch, einfach selbst zu fotografieren ist dabei immer stärker geworden. Schließlich habe ich in London eine Ausbildung zum Fotojournalisten gemacht. Seit nunmehr 18 Jahren arbeite ich als freier Fotograf in Berlin. Das Tolle daran ist, dass ich nach wie vor selbst bestimmen kann, welche Themen ich machen möchte und wie ich diese fotografiere. Meine Bilder werden über Agenturen weltweit vermarktet und auch hier in Deutschland läuft es recht erfolgreich. In der Branche als Fotojournalist zu arbeiten wird auf jeden Fall nicht leichter, aber es geht, wenn man gute Fotos macht. Es ist schwieriger geworden, aber es klappt noch immer.

BF: Gibt es etwas, dass Ihnen besonders wichtig ist bei Ihren Aufnahmen?

Stefan Boness: Eigentlich ist mir vor allem wichtig, andere Perspektiven zu bekommen und “das andere Foto zu machen”. Letztens etwa, bei dem Treffen zwischen Merkel und Hollande zum Gedenken an das Berliner Attentat, haben sich alle Kollegen an einem Ort geballt. Ich habe mich entfernt von ihnen auf die Treppe gestellt und die beiden von hinten fotografiert mit den Blumen. Keine Ahnung, ob es wirklich gedruckt wird. Ich hoffe das natürlich. 

Fotografie bedeutet für mich, nach wie vor alle Privilegien und Freiheiten der Welt zu besitzen. Ich kann reisen, oder auch Aufträge ablehnen. Ich kann ausschlafen, aber auch viel arbeiten. Ich kann einfach selbst entscheiden, was ich mache. Keiner redet mir rein. Es ist ein sehr schöner Beruf, auch wenn es manchmal hektisch ist.

Manchmal ist es nur etwas schade, dass eher 08/15-Bilder gedruckt werden als Bilder wie dieses hier. Die Fotos, die mir selbst gut gefallen und die ich schön finde, die vielschichtig sind und eine andere Dimension haben, werden leider viel zu selten veröffentlicht.

Foto: Stefan Boness, www.iponphoto.com 

Neben diesem Foto von Stefan Boness gibt es auf berufsfotografen.com/best-of-2016 noch viele weitere Lieblingsbilder professioneller Fotografen zum Stöbern und Durchscrollen.

Wie in den letzten Jahren haben wir auch zu diesem Jahresanfang wieder alle professionellen Fotografen zur großen Jahresbefragung eingeladen. 

Jetzt ist die letzte Chance zur Teilnahme an der anonymen Umfrage teilzunehmen! Also machen Sie jetzt mit und teilen Sie Ihre Erfahrung!

Wir möchten auch in diesem Jahr herausfinden, wie hoch die aktuellen Tagessätze sind, wie die Zukunft in unserer Branche aussieht und welche Chancen sich für jeden einzelnen Fotografen ergeben.

Lassen Sie uns gemeinsam ein repräsentatives Bild der professionellen Fotografie im Jahr 2016 / 2017 erstellen.

Unter diesem Link können Sie jetzt noch teilnehmen: UMFRAGE 2016/2017

Die Ergebnisse werden, wie in den Vorjahren auch, nach der Auswertung natürlich wieder auf berufsfotografen veröffentlicht. 

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Im BEST OF 2016 zeigen professionelle Fotografen ihr bestes, persönlichstes oder emotionalstes Foto aus dem letzten Jahr.

Mitgemacht hat auch Sebastian Hornung mit einem klassischen Portraitfoto einer jungen Frau.

BF: Hallo Herr Hornung, Sie arbeiten recht viel im Bereich People/Portrait, was ist für Sie an diesem Foto das Besondere?

Sebastian Hornung: Ich wollte ein Portrait machen, das nicht banal, sondern stark und aussagekräftig ist. Es sollte das Selbstbewusstsein der Frau widerspiegeln. Oft geht es bei einem Shooting und den Fotos nur um die Kleidung oder das Produkt und die Frau ist quasi eine Statistin und nur Beiwerk. Mir geht es aber um die Persönlichkeit der Personen, die ich fotografiere.

BF: Und wie war dies bei diesem Shooting?

Sebastian Hornung: Entstanden ist es für eine Modelagentur in Mannheim, bei der ich öfter die “new faces” fotografiere. Normalerweise braucht es dann eine gewisse Vorlaufzeit, um gute Bilder zu machen. Eda, das Model auf diesem Bild, kannte ich zwar auch noch nicht und dennoch waren wir sofort auf einer Wellenlänge. Das war ausschlaggebend für dieses harmonische und ausdrucksstarke Bild. Sie hat diesen besonderen, selbstsicheren, selbstbewussten Blick und den wollte ich unbedingt zeigen.

BF: Was ist Ihnen ansonsten wichtig an Ihren Arbeiten?

Sebastian Hornung: Ich mache lieber wenige, dafür aber hochwertige Aufnahmen. Ich will eher wenig zeigen, sodass ein gewisser Spielraum bestehen bleibt, das Geheimnis des jeweiligen Menschen noch bewahrt bleibt.

Möglichst viele Bilder in unterschiedlichen Posen sind nicht meine Arbeitsweise. Diese Bilder sagen oft einfach nichts aus und solche Aufnahmen versuche ich von vornherein zu vermeiden. Stattdessen zeige ich, was mich berührt und anspricht.

BF: Wie entdecken Sie die besondere Seite eines Menschen auf Ihren Shootings?

Sebastian Hornung: Dazu gehört eine gewisse Menschenkenntnis und psychologisches Fingerspitzengefühl. Wenn ich hinter der Kamera verschwinde, verschließt sich der Mensch. Dann haben die Frauen nicht den Gesichtsausdruck, den man vorher im Gespräch gesehen hat. Nur wenn man miteinander redet, entsteht ein authentisches Lächeln. Bei Eda, dem Modell hier, hat es gepasst.

Oft lasse ich die Kamera auch einfach auf dem Stativ, sodass ich den Auslöser nur mit dem Finger bedienen muss. Denn dann kann ich mit den Menschen direkt interagieren. So entsteht dann das bessere Bild.

BF: Was macht Ihnen eigentlich besonders viel Spaß an Ihrem Beruf?

Sebastian Hornung: Ideen und Träume in Bildern für andere auszudrücken, sie anderen zu zeigen und nicht darüber zu sprechen und dabei herauszufinden, wer schnell das Thema des Bildes, die Quintessenz versteht, finde ich spannend.

Ich habe schon sehr früh mit der Fotografie begonnen und schon damals bemerkt, dass ich viel mit meinen Augen wahrnehme, viel beobachte, wie sich Menschen verhalten, wie sich ein Baum biegt, wie Straßenzüge gestaltet sind, wie Obst auf dem Markt aufgebaut wird. Die Kamera ist mittlerweile mein Werkzeug geworden mit dem ich alles, was ich gesehen habe, festhalten kann.

BF: Und was ist Ihnen persönlich im Beruf wichtig und an Ihrer Art zu arbeiten?

Sebastian Hornung: Das Persönliche ist mir wichtig, dass ich nicht nur der Fotograf bin, sondern Sebastian. Gut mit Menschen können, Barrieren brechen, das ist mir alles sehr wichtig. 

Gerade absolviere ich auch den Fotografenmeister und ich bin eigentlich nie zufrieden mit meiner Arbeit. Ich möchte jedes geschossene Bild noch einmal und vor allem besser machen. Ich würde nie von einem Foto, das ich gemacht habe, sagen: “Das ist gut.” Und das motiviert mich und treibt mich immer an.

Model: Eda

Fotograf: sebastianhornung.com

Neben diesem Foto von Sebastian Hornung gibt es auf berufsfotografen.com/best-of-2016 noch viele weitere Lieblingsbilder professioneller Fotografen zum Stöbern und Durchscrollen.

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Im BEST OF 2016 zeigen professionelle Fotografen ihr bestes, persönlichstes oder emotionalstes Foto aus dem letzten Jahr.

Mitgemacht hat auch Florian Kochinke mit dem Portraitfoto eines Trickfilmers.

BF: Auf Ihrer Website zeigen Sie viele geplant arrangierte Aufnahmen. Ihr Best-of-2016 Bild wirkt hingegen wie ein spontanes Portraitfoto oder ein film still.

Florian Kochinke: Ja, das stimmt. Der hier fotografierte ist ein Trickfilmer, der auf seinem Portrait einer seiner Figuren ähneln wollte und deshalb ein wenig old-fashioned und geradezu cowboyeskes rüberkommt. Von allein hätte ich einen Illustrator nicht so dargestellt. Die Vorstellungen des Trickfilmers haben das Foto mitgestaltet, auch wenn diese nicht sehr konkret waren. Das war schön. Das Foto hat deshalb etwas cineastisches. Ich fand es besonders, dass wir von den klassischen Portraitaufnahmen, die im Studio entstehen, Abstand genommen haben und frei in der Landschaft fotografiert haben.

BF: Ein Trickfilmzeichner und ein Fotograf, also zwei Kreative, wie war es mit noch jemanden zusammenzuarbeiten, der aus dem kreativen Bereich kommt?

Florian Kochinke: Das hat gut geklappt. Ich finde es auch immer super, wenn Kunden ihre Vorstellungen mit einfließen lassen. Man legt dann die Rahmenbedingungen fest und der Rest ergibt sich dann spontan in der Ausführung. Wir haben uns einfach ins Auto gesetzt, eine Location ausgesucht und viel ausprobiert. Dieser offene und recht kreative Umgang mit dem setting hat gut geklappt.

BF: Sie haben eine ganze Serie für ihn fotografiert. Was hat dieses Bild zum Favoriten gemacht?

Florian Kochinke: Für mich hat dieses Foto etwas filmisches, szenenhaftes. Man kann sich förmlich vorstellen wie der Cowboy sich gerade seine Pferde anschaut und überlegt, welches Pferd noch die Hufe beschlagen bekommen muss. Auch mag ich den Country-Western-Style in schwarz-weiß, auch wenn es nicht arrangiert, ausgeleuchtet, klassisch hochwertig und gestochen scharf ist.

BF: Dieses Bild wirkt im Gegensatz zu vielen Ihrer Bilder wie ein Schnappschuss. An welcher Art der Fotografie hängt ihr Herz eher?

Florian Kochinke: Mit dem ausgewählten Bild zeige ich eine andere Facette von mir. Das eine sind bei mir die spontanen, freien Arbeiten. Das andere sind die geplanten, qualitativ hochwertigen, gut ausgeleuchteten, sorgfältigen Arbeiten. Ich hätte ein gut ausgeleuchtetes Produktbild als Best-of-2016 auswählen können, das wäre vielleicht eine gute Arbeit gewesen. Dieses hier zeigt aber einfach mehr von mir.

Neben diesem Foto von Florian Kochinke gibt es auf berufsfotografen.com/best-of-2016 noch viele weitere Lieblingsbilder professioneller Fotografen zum Stöbern und Durchscrollen.

Im BEST OF 2016 zeigen professionelle Fotografen ihr bestes, persönlichstes oder emotionalstes Foto aus dem letzten Jahr.

Mitgemacht hat auch Sebastian Knoth mit einem sehr direkten Portraitfoto eines Mannes.

Hallo Herr Knoth, Sie haben viele Portraitbilder und Werbeaufnahmen auf Ihrer Internetseite. Warum haben Sie gerade dieses Portrait als Ihr Lieblingsbild gewählt?

Sebastian Knoth: Eine meiner Arbeiten als Lieblingsbild hervorzuheben finde ich schwierig. Ich sehe dieses Foto nicht unbedingt als Lieblingsbild. Es ist ein Portrait, das aus einer Serie entstanden ist, die ich sehr gern mag. Deshalb habe ich es ausgewählt. Von den Portraits, die ich zuletzt gemacht habe, gehört es zu den ausdrucksstärksten.

BF: Wie würden Sie das Foto beschreiben, was ist für Sie das Besondere an dem Bild?

Sebastian Knoth: Es ist schwer, das so schnell auf einen Punkt zu bringen. Mir gefällt die Stimmung, die Aura und der Ausdruck in dem Bild. Da es die zweite Zusammenarbeit mit Dieter war, bestand bereits eine gewisse Vertrautheit auf beiden Seiten. Dadurch, dass ich so nah dran war und das Licht den Bildeindruck unterstreicht, ist es sehr ausdrucksstark geworden.

BF: So nah an Menschen beim Fotografieren zu sein, ist das typisch für Ihre Arbeitsweise?

Sebastian Knoth: Ja, das ist meine Art der Fotografie. Ich habe viele Portraits in diesem Stil gemacht. Ich versuche immer möglichst nah dran zu sein und so den Fokus auf den Menschen zu legen. Alles, was ablenken könnte, versuche ich zu eliminieren.

Ich suche aber möglichst auch keine 08/15-Models, sondern ausdrucksstarke Charaktere oder Menschen, die nicht einem archetypischen Schönheitsideal entsprechen und eine besondere Geschichte haben.

BF: Woher kommen diese Menschen, wie finden Sie sie?

Sebastian Knoth: Das ist recht unterschiedlich. Teilweise schaue ich gezielt bei Modelagenturen, wer ein bisschen aus dem Raster herausfällt. Dann finde ich besondere Modelle auch über den Freundeskreis. Manchmal spreche ich aber auch Menschen, die mir auf der Straße auffallen, spontan an. Zudem suche ich gern bei Agenturen wie Everyday People, die darauf spezialisiert sind Modelle zu favorisieren, die nicht den normalen Klischees entsprechen, sondern die etwas Eigenes oder sogar etwas Eigenwilliges an sich haben.

BF: Wussten Sie bei dem ausgewählten Bild eigentlich sofort, dass es besonders wird?

Sebastian Knoth: Man hat ja immer eine eigene Vorstellung vom Ergebnis, auch schon bevor man fotografiert. Ich hatte ein klares Konzept im Kopf, aber ich gebe den Dingen bei der Arbeit gerne freien Lauf und schaue wie es sich entwickelt.

Letztlich ist es immer auch das Zusammenspiel zwischen dem Modell und dem Fotografen. Ich gehe sehr ruhig an meine Arbeit heran, so dass ich eine Verbindung aufbauen kann. Das ausgewählte Bild ist eine Aufnahme, die zwischendurch bei der Unterhaltung entstand und nicht, als ich meine eigentlich Serie fotografiert habe. Auch wenn ich vorher weiß, wie ich das Licht einsetzten möchte und wie das Foto aussehen soll, sind es kleine Nuancen, die den ganzen Eindruck verändern können und letztlich den Unterschied machen zwischen einem guten und einem eindrucksvollen Foto.

Neben diesem Foto von Sebastian Knoth gibt es auf berufsfotografen.com/best-of-2016 noch viele weitere Lieblingsbilder professioneller Fotografen zum Stöbern und Durchscrollen.

Im BEST OF 2016 zeigen professionelle Fotografen ihr bestes, persönlichstes oder emotionalstes Foto aus dem letzten Jahr.

Mitgemacht hat auch Julian Beekmann mit dem Portraitfoto einer jungen Frau.

BF: Hallo Herr Beekmann, in Ihren Arbeiten zeigen Sie Menschen häufig natürlich und entspannt. Wie stellen Sie die Nähe zu den Models her?

Julian Beekmann: Ich bespreche im Vorfeld die Location und versuche eine gute Kombination zwischen Location und Model / Thema zu finden. Beim Shooting selbst rede ich recht viel mit den Models; das ist wichtig, um Vertrauen und eine entspannte Stimmung herzustellen. Ich versuche Natürlichkeit auch dadurch zu erzeugen, dass ich abdrücke, wenn sich das Model unbeobachtet fühlt. Zudem ist es immer von Vorteil, wenn es menschlich zwischen allen Beteiligten passt.

Aber es stimmt, dass ich auf allen meinen Bildern, auch bei meinen Hochzeitsfotos, versuche, die Menschen so lebendig und natürlich wie möglich rüberzubringen.

BF: Warum haben Sie dieses Bilds als Ihr Best-of-2016 ausgewählt, was ist für Sie das Besondere daran?

Julian Beekmann: Mir hat dieses Bild von Julia von Anfang an sehr gut gefallen. Es hängt auch in einer aktuellen Ausstellung im Dezernat 16 in Heidelberg. Es gefällt mir vom Ausdruck einfach sehr gut und repräsentiert meine Art der Fotografie.

BF: Wie entstehen Bilder wie dieses bei Ihnen, eher spontan oder geplant?

Julian Beekmann: Bei diesem Bild gab es im Vorfeld es ein grobes Konzept, viel ist aber auch erst am Shootingtag selbst entstanden. Meine Fotosessions sind zwar weitgehend vorbereitet, dennoch habe ich selten einen 100% festen Ablaufplan. Das ist für mich aber auch wichtig, damit das Resultat nicht zu gestellt wirkt. Ohne eine gewisse Spontanität am Set geht es nicht.

Neben diesem Foto von Julian Beekmann gibt es auf berufsfotografen.com/best-of-2016 noch viele weitere Lieblingsbilder professioneller Fotografen zum Stöbern und Durchscrollen.

Weitere Arbeiten von Julian Beekmann gibt es auf: 

www.julianbeekmann.de

https://www.facebook.com/julianbeekmannfotografie

Im BEST OF 2016 zeigen professionelle Fotografen ihr bestes, persönlichstes oder emotionalstes Foto aus dem letzten Jahr.

Mitgemacht hat auch Attila Henning mit dem Foto einer Fotografin in einem Straßencafe in Frankreich.

BF: Hallo Herr Henning, Sie haben über ihr Foto geschrieben, dass die Straßenfotografie eine ehrliche Art der Fotografie für Sie ist.

Attila Henning: (lacht). Ja, wenn man auf der Straße ist oder wie ich bei dem Foto in einem Cafe sitzt, ist man vor allem Beobachter. Letztendlich ist die Szenerie genau so wie sie ist und das ist für mich ehrliche Fotografie. Auf der Straße entsteht das Bild in der Kamera, ohne, dass ich danach noch irgendwelche technischen Hilfsmittel benutze. Ich muß als Fotograf das Auge haben, um das interessante in einer Szenerie zu finden und festzuhalten. Ehrlich bedeutet für mich, dass ich das Bild nicht hinterher 10 Stunden mit Photoshop bearbeite.

BF: Wie empfinden Sie das Fotografiebusiness, vermissen Sie dort manchmal auch eine gewisse Ehrlichkeit?

Attila Henning: Ja und Nein. Mein Hauptschwerpunkt ist eigentlich Industriefotografie, Produkt- und Foodfotografie. Gerade in der Produktfotografie wird mit künstlichem Licht, mit Spiegelungen, mit dem Verändern von Materialien und Hintergründen viel getrickst. Wenn man es genau nimmt, kann man Produktfotografie als nicht gerade ehrlich bezeichnen. Anders verhält es sich bei Industriereportagen. Da bin ich ein Verfechter vom Ansatz “mein Bild entsteht in der Kamera”. Das ist weit weniger manipulativ.

BF: Bei der Fotografin, die Sie hier fotografiert haben, hat Ihnen ihr Gesamtbild und das Styling gefallen. Was fanden Sie an Ihr so faszinierend?

Attila Henning: Ich war zur Eröffnung einer internationalen Modeschau in Paris und habe zufällig diese Frau in dem Cafe gesehen. Ich dachte von Anfang an nur: Wow, die sieht einfach nur klasse aus. Das ist irgendwie cool. Das Stirnband mit der Brille und dem Trenchcoat, das hat etwas. Und sie hatte selbst so eine gewisse Ausstrahlung. Ich habe dann lange überlegt, ob sie Französisch oder Englisch spricht und dann meine perfekt Französisch sprechende Kollegin gefragt, ob sie die Frau fragen könnte, ob ich ein Foto von ihr schießen könnte. Dann schaute die Dame zu uns und meinte: "Du kannst mich auch auf Deutsch ansprechen." Ich bin im Boden versunken, aber darüber sind wir ins Gespräch gekommen. Das, was mich an diesem Bild so fasziniert ist das gewisse Etwas, das sie ausstrahlt. In diesem Zusammenhang hat dieses Foto einen großen Wert für mich.

BF: Würden Sie nach dieser Erfahrung gerne mehr “ehrliche” Straßenfotografie machen?

Attila Henning: Ja und Nein. Straßenfotografie ist kein Auftrag hinter dem ein Kunde sitzt, sondern da gehe ich raus und mache das komplett für mich selber. Wenn ich unterwegs bin, verbinde ich das meistens. Dann nehme ich mir schon ein paar Minuten Zeit, aber klar, das geht nicht immer und nicht immer küsst mich die Muse, so dass ich den richtigen Moment erwische.

Neben diesem Foto Attila Henning gibt es auf berufsfotografen.com/best-of-2016 noch viele weitere Lieblingsbilder professioneller Fotografen zum Stöbern und Durchscrollen.

Egal ob sie auf Jobs oder nebenbei entstehen: Es gibt immer Fotos, die von Anfang an besonders sind, es gibt aber auch Fotos, die einem als Fotograf erst langsam ans Herz wachsen. Oft sind das dann auch nicht die Bilder von den größten Jobs oder die am besten bezahlten Fotos, sondern emotionale Arbeiten, persönliche Bilder oder Zufallsfotos.

Vor einigen Tagen haben wir dazu aufgerufen darüber nachzudenken, welches der eigenen Bilder das wichtigste Bild aus dem Jahr 2016 war, um dieses ganz persönliche Lieblingsbild dann auf berufsfotografen.com/best-of-2016 zu veröffentlichen.

Mitgemacht hat auch Cora Neumüller mit dem Foto eines stolzen Pferdebesitzers und seinem Jockey in Tunesien. Wir haben mit ihr über das Foto gesprochen.

Hallo Frau Neumüller, Sie haben dieses Bild als Ihr wichtigstes und emotionalstes Bild aus 2016 bezeichnet. In welchem Kontext ist es entstanden?

Cora Neumüller: Ich war in 2016 auf einer Reportage-Urlaubaubsreise in Tunesien. Dieses Foto entstand dort sehr spontan und eher zufällig. Ein junger Mann hatte uns mitgenommen und uns auf der Fahrt eingeladen, uns seinen Reitstall anzusehen. Da ich selbst einmal Pferdebesitzerin war, haben wir die Einladung gern angenommen. Er hat die Tiere ganz stolz vorgestellt. Ich sollte natürlich auch einmal drauf, aber ich wollte lieber Fotos machen und dabei ist dieses Bild entstanden. Es war eine sehr intime Aktion, weil es sehr privat in Hinterhöfen war, wo eigentlich keine Touristen hinkommen.

BF: In dem Text zu dem Bild haben Sie geschrieben, dass die Szene für Hoffnung steht. Können Sie dazu noch mehr sagen?

Cora Neumüller: Ich habe “Stolz und Hoffnung” geschrieben, weil diese Männer in diesem Moment sehr stolz waren, uns ihre Tiere zeigen zu können, mit denen Sie auf dem internationalen Markt im Rennsport auch mitspielen können. Sie waren sehr stolz, dass sie uns das als Europäer zeigen konnten. Der Jockey ist mehrfach vor uns hin und her galoppiert. Davon habe ich natürlich noch mehr Bilder, aber es sollte ja nur ein Foto sein. Ich habe das stärkste gewählt.

BF: Wussten Sie bei der Aufnahme schon, dass das ein besonderes Bild oder eine besonderen Strecke für Sie wird?

Cora Neumüller: Ja, das wusste ich. Ich habe die Situation gesehen und wusste, das wird mein Bild. Der Moment der Aufnahme war für mich auch sehr emotional. Ich habe sofort gemerkt, dass das eines der stärksten Fotos aus diesem Reportage-Urlaub wird. Der Mann und Reiter haben beide eine stolze Pose, die sagt: Wir haben es drauf. Das Pferd ist Bewegung. Es passt einfach alles. So einen Schuss kann man nicht inszenieren.

BF: Ist diese Art so zu fotografieren typisch für Sie?

Cora Neumüller: Es ist eine andere Seite von mir, die mich ausdrückt. Emotionen einzufangen ist eigentlich kein Zufall bei mir. Aber meist komponiere ich eher meine Bilder. Davon wegzukommen und wie hier wirklich das Geschehen aufzunehmen und aufzusaugen ist anders. Im Vergleich mit meinen sonstigen Arbeiten tanzt dieses Bild bei mir aus der Reihe.

BF: Was ist Ihnen neben einer emotionalen Bildsprache sonst noch bei Ihren Aufnahmen besonders wichtig?

Cora Neumüller: Der Betrachter soll im ersten Moment schon gefesselt sein. Selbst wenn man es einmal wegklickt, ein gutes Foto sollte doch im Hinterkopf bleiben und vielleicht kommt man später wieder darauf zurück. Die Reportage hat mich jetzt in ihren Bann gezogen, weil diese ganzen emotionalen Momente besser herauskommen, als bei gestellten Fotos.

BF: Kann man sagen, dass diese Reportagestrecke somit ein kleiner Wendepunkt in Ihrer fotografischen Laufbahn ist oder neue Impulse gesetzt hat?

Cora Neumüller: Eindeutig! Ich möchte in den Bereichen Fashion, Beauty, Werbung nach wie vor weiterarbeiten, aber die Reportagefotografie geht mir ans Herz und deshalb möchte ich vor allem auch damit weitermachen. Ich habe bisher viel Mode fotografiert. Es ist schön, man hat ein tolles Bild, aber in diesem Momenten fehlt mir trotzdem etwas. Man kann viel inszenieren, aber natürlich sind die emotionalen und echten Momenten immer noch ein bisschen besser!

Neben diesem Foto Cora Neumüller gibt es auf berufsfotografen.com/best-of-2016 noch viele weitere Lieblingsbilder professioneller Fotografen zum Stöbern und Durchscrollen.

Egal ob sie auf Jobs oder nebenbei entstehen: Es gibt immer wieder die ganz besonderen Fotos, die einfach gut sind oder die einem manchmal auch erst langsam ans Herz wachsen.

Lassen Sie uns einen Feed der besten oder schönsten, persönlichsten oder kommerziellsten, lautesten oder leisesten Fotos aus 2016 zusammenstellen! Denn die Lieblingsbilder aller Fotografen auf einer Seite zum Durchscrollen und Stöbern - klingt nach einer netten Idee, oder?

Machen Sie mit Ihrem persönlichen Liebling mit! www.berufsfotografen.com/best-of-2016/

Oben auf der Seite ist der Link “ich will mitmachen”.

Wenn Sie mögen, schreiben Sie gerne ein paar Zeilen zum Foto: wie das Bild entstanden ist, warum es Ihnen etwas bedeutet oder bedanken Sie sich einfach bei Ihrem Kunden oder Team!

Als Fotograf kann man unendlich viel Zeit darauf verwenden, ein möglichst perfektes Portfolio aus den vorhandenen Fotos zusammenzustellen. Während Fotografen meist dazu neigen, möglichst viele Bilder zeigen zu wollen, wünschen sich Auftraggeber oft nur eine Übersicht für den ersten Eindruck. 30-40 Bilder sind dann somit völlig ausreichend, um den fotografischen Stil zu erkennen und um einschätzen zu können, ob eine Zusammenarbeit passen könnte.

Somit ergeben sich für einen Fotografen einige Herausforderungen. Zum einen ist die Beschränkung auf nur einige, aussagekräftige Fotos schwierig. Zum anderen möchte man natürlich möglichst das ganze eigene fotografische Spektrum abdecken und die einzelnen Bilder sollten dann auch im Portfolio inhaltlich, farblich und stilistisch möglichst gut zusammenpassen. Eine weitere Schwierigkeit ist, dass man ja nicht weiß, was der Auftraggeber wirklich sucht. Ideal ist es, wenn ein potenzieller Auftraggeber, der nach einem Architekturfotografen sucht, gleich am Anfang des eigenen Portfolios ein gutes Architekturbild sieht.

Auf Berufsfotografen ist es deshalb möglich auf der Vorschaukachel des eigenen Profiles für jeden Arbeitsbereich andere Bilder zu zeigen. Somit sieht ein Auftraggeber, der nach Architekturfotografen sucht, auf der eigenen Profilvorschau gleich ein passendes Architekturbild. Das erleichtert Auftraggebern die Einschätzung und erhöht damit natürlich die eigenen Chancen, als Fotograf gefunden und gebucht zu werden.

Diese Einstellung geht kinderleicht. Loggen Sie sich einfach login berufsfotografen.

Für jeden Ihrer Arbeitsbereiche können Sie dann bestimmen, welche Fotos den Auftraggebern angezeigt werden sollen. Das geht ganz einfach per drag and drop unter dem Menüpunkt Suchausgabe.

Diese Vorschaubilder sind der erste Kontakt zwischen Auftraggeber und Fotograf und sind deshalb auch sehr wichtig. Denn egal, wie gut Ihr Peoplemotiv ist, dass Sie auf der Vorschau zeigen - wenn ein Auftraggeber nach einem Architekturfotografen gesucht hat, wird er immer die Fotografen anklicken, die auch gleich ein Architekturbild zeigen!

Ansel Adams gehörte für eine ganze Generation von Fotografen zu einem der bedeutenden Vertreter der Landschaftsfotografie und zu einem Meister in der Dunkelkammerarbeit.

Über Jahrzehnte porträtierte er in kraftvollen Schwarzweißbildern vor allem die unberührte Natur des amerikanischen Westens und hat in einem Drang nach Perfektion mit dem Zonensystem die Grundlagen für überragende Abzüge entwickelt.

Was für viele Fotografen, die mit RAW und HDR aufgewachsen sind, undenkbar zu sein scheint, war damals Realität: Schon bei der Aufnahme musste man die Belichtung des Negatives auf die Entwicklung abstimmen, um ein gewünschtes Ergebnis im Labor erzielen zu können. Da der Kontrastumfang des Motives oft größer ist als der Dichteumfang des Negatives und erst recht größer als der Kopierumfang des Fotopapiers, legte Ansel Adams in seinem Zonensystem mit einer Spotmessung die Bereiche im Motiv fest, die gerade noch durchzeichnet werden sollten und belichtete das Negativ dann entsprechend. Bei der Entwicklung wurde dann jedes Negativ einzeln etwas härter oder weicher entwickelt. Im Idealfall war so der gesamte Kontrastumfang des Motives auf einem Fotopapier mit normaler Papiergradation darstellbar.

Dieser Prozess funktionierte nur bei einem entsprechenden Wissen über das verwendete Material, bei kalibrierten Arbeitsschritten und der Prävisualisierung des späteren Motives, hatte aber in den Zeiten vor dem Aufkommen von Polaroidfilm auch einen finanziellen Aspekt. Es reduzierte die Materialkosten der teuren Großformatfilme erheblich, da weniger Fehlbelichtungen vorkamen.

Für die Generation von Fotografen, die mit dem Zonensystem vertraut sind und die sich noch intensiv mit Schwarzweißentwicklung und Laborarbeit beschäftigt haben, gibt es hier ein besonderes Highlight. Mit Originalfilmaufnahmen von Ansel Adams berichtet sein Sohn über die Entstehung von zwei seiner berühmtesten Bilder: „Moonrise over Hernandez“ und „Moon and Half Dome“. Gerade die Skizzen für die Nachbelichtung und das Abwedeln bei der Belichtung des Fotopapiers beim Motiv "Moonrise oder Hernandez" sind interessant und lassen bei vielen älteren Fotografen sicherlich vertraute Gefühle an längst vergangene Tage und Nächte in der Dunkelkammer entstehen..

Hier nun das zweite sehenswerte Video zum Bild "Moonrise over Hernandez":

Die meisten Auftraggeber suchen auf berufsfotografen selber nach einem Fotografen. Neben der Bildsprache ist die Vita und damit verbunden die Sympathie oft entscheidend, ob ein Fotograf angefragt wird.

Allen Auftraggebern, die wenig Erfahrung in der Buchung von Fotografen haben, oder die den Job möglichst schnell vergeben möchten, bieten wir die "mail an alle" Funktion an. Hier leiten wir das Jobangebot an alle infrage kommende Fotografen mit einem Silber- oder Goldeintrag weiter. 

Wir geben den Auftraggebern dabei die Möglichkeit zu entscheiden, ob der Fotograf aus dem nahen Umkreis kommen sollte, oder ob dies irrelevant ist. Demnach versenden wir dann die Angebote. Bisher hat somit ein Architekturfotograf in München oft nur die Angebote erhalten, die in München im Bereich Architektur angeboten wurden.

Da aber immer mehr Fotografen deutschlandweit arbeiten, sind für viele auch weiter entfernte Jobs interessant. Deshalb veröffentlichen wir seit einigen Monaten auf fotojobs.de alle Angebote, die deutschlandweit versendet wurden. Da diese Liste öffentlich einsehbar ist, sind die Kontaktdaten der Auftraggeber dort aber nicht sichtbar.

Wer sich als eingetragener Silber- oder Goldfotograf bisher für eines dieser Jobangebote interessiert hat, musste uns eine Nachricht senden und wir haben die Kontaktdaten dann zur Verfügung gestellt. Die daraus entstehende zeitliche Verzögerung entfällt jetzt. Jeder Silber- oder Goldfotograf hat ab sofort in seinem Adminbereich auf berufsfotografen.de den Menüpunkt "Jobbörse". Unter dem befindet sich eine Liste aller versendeten Jobs aus den letzten 30 Tagen mit den Kontaktdaten der jeweiligen Auftraggeber.

Nach wie vor versenden wir natürlich die Jobangebote wie vom Auftraggeber gewünscht in der jeweiligen Stadt und dem jeweiligen Arbeitsbereich per E-Mail. Und darüber hinaus sind weiterhin auch alle versendeten Jobangebote auf fotojobs.de sichtbar.

Neu und superpraktisch ist somit nur, dass man als Fotograf die Kontaktdaten aller Jobangebote einfach selber einsehen kann. Sieht man auf fotojobs.de also ein interessantes Angebot, kann man sich einfach hier einloggen und selber schauen, wer der Auftraggeber ist.

Wir haben mit den wichtigsten Fotoschulen in Deutschland Interviews geführt. Um über die Fotoakademie-Koeln zu sprechen, trafen wir Oliver Rausch, den Schulmitbegründer.

Interessenten für eine Ausbildung zum Fotografen haben ganz unterschiedliche Bedürfnisse. Dabei sind nicht nur Ausstattung, Kosten und der Abschluss wichtige Kriterien, sondern auch der Praxisbezug und ob die fotografische Haltung zum Fotostudenten passt.
Deshalb gibt es die Serie "Fotoschulen im Interview" auf Berufsfotografen. Hier erzählen Vertreter von Fotoschulen, worauf es ihnen in der professionellen Fotografie ankommt.

 „Es geht darum, nicht das Erwartete zu zeigen.” - Oliver Rausch, Fotoakademie-Koeln

Der Dozent und Mitbegründer der Fotoakademie-Koeln, Oliver Rausch, erzählt von der Wichtigkeit von Diskussionen und Gruppenprozessen in der Ausbildung und stellt heraus, wie sich die Fotoakademie-Koeln von anderen Schulen unterscheidet. 

Das Thema Ausbildung ist zweifellos wichtig für den Berufsstand. Nur durch eine qualifizierte Ausbildung ist ein hoher Standard in Zukunft gesichert. Deshalb macht sich Berufsfotografen für Aufklärung im Ausbildungsbereich stark. Durch die Interviewserie können sich angehende Fotografen ein viel anschaulicheres Bild machen, was sie an einer Fotoschule erwartet und ob dieser Ausbildungsweg zu ihnen passt.

„Wir wollen keine Massenabfertigung machen.” - Nadine Hofmann, Photoacademy Berlin

Was muss eine Ausbildung für Nachwuchsfotografen bieten, um zeitgemäß zu sein? Auf diese und weitere Fragen hat Nadine Hofmann eine Antwort. Die Photoacademy Berlin hat nämlich gerade einen Markenrelaunch und einen Umzug in ein neues Gebäude hinter sich. Nadine Hofmann berichtet unter anderem vom Unterrichtskonzept der Schule und wie man da drei Abschlüsse gleichzeitig erwerben kann.

Es gibt viele Wege, den Nachwuchs in Fotografie auszubilden. Selbst von Schule zu Schule gibt es große Unterschiede. Das hat Berufsfotografen in Gesprächen mit Dozenten, Schulleitern und Gründern von Fotoschulen erfahren.

„Viele Leute sehen gar nicht, welche Qualität ein Foto ausmacht.” - Jürgen Beyer, Gutenbergschule Frankfurt

Wie bereitet man junge Fotografen auf den Arbeitsmarkt vor und was hat sich im Gegensatz zu früher in der Ausbildung verändert? Solche Fragen kann gerade Jürgen Beyer gut beantworten, da er selber einmal an der Berufsschule ausgebildet wurde. Er ist der erste Vertreter einer klassischen Berufsschule in unserer Serie "Fotoschulen im Interview".

Wie in den letzten Jahren wollen wir auch in diesem Jahr zusammen mit Ihnen als Profifotograf herausfinden, wie die Zukunft in unserer Branche aussieht und welche Chancen sich für Jeden von uns in naher Zukunft ergeben.

Im letzten Jahr haben etliche Medien über die Ergebnisse berichtet, unter anderem die Photopresse mit einem mehrseitigen Beitrag. Ihre Meinung ist also wichtig und hilft, ein realistisches Bild der Situation in der professionellen Fotografie zu zeigen.

Die Umfrage ist anonym und dauert nur ca 3-5 Minuten. Bitte helfen Sie also mit und teilen Sie Ihre Erfahrungen als Profifotograf! Hier der Link auf die Umfrage:

Jahresumfrage professionelle Fotografie

Wie in jedem Jahr werden die Ergebnisse veröffentlicht und in einem Pdf zusammen gefasst. Sie haben im Anschluss der Umfrage die Möglichkeit, dieses Pdf anonym anzufordern. Es wird Ihnen dann nach der Auswertung im März zugesendet.

© THOMAS HOEPKER, MUHAMMAD ALI SHOWING OFF HIS RIGHT FIST, CHICAGO, 1966

»Ich bin so schnell – vergangene Nacht habe ich das Licht in meinem Hotelzimmer ausgeschaltet und lag im Bett, bevor es dunkel war.«  Muhammad Ali

Eine große Fotoausstellung über den berühmtesten Boxsportler aller Zeiten eröffnet am 14. August in Berlin. Die von der Galerie CAMERA WORK kuratierte Ausstellung »Muhammad Ali« zeigt die bekanntesten und berühmt gewordenen Fotografien aus der aktiven Zeit des Profiboxers von 1960 bis 1980.

Der Boxstar Ali gilt als Legende, Vorbild und Popikone. Cassius Clay, der seinen Namen 1964 in Muhammad Ali ändern ließ, hat nicht nur den Boxsport seit Beginn seiner Profikarriere im Jahr 1960 maßgeblich geprägt, sondern auch jenseits des Boxrings vor allem die amerikanische Gesellschaft und Popkultur nachhaltig beeinflusst.

© HARRY BENSON, “CLAY HITS GEORGE” THE BEATLES WITH CASSIUS CLAY, MIAMI, 1964

Es entstanden über die Zeit weltbekannte Fotoikonen von mehr als 15 internationalen Künstlern wie Elliott Erwitt, Volker Hinz, Thomas Hoepker, Carl Fischer, Neil Leifer, Flip Schulke, Steve Schapiro und Albert Watson. Die größten Kämpfe und die bewegendsten Momente sind in den über 70 berühmten Werken zu sehen und lassen die Besonderheit und Einzigartigkeit des »Sportsman of the Century« in sich aufleben. So sind die Spannung, das epische Ausmaß der Kämpfe und die besondere Aura von Muhammad Ali für die Ewigkeit in Fotografien »gezeichnet« und ermöglichen heute, den Ausnahmeathleten und seine Karriere nachzuvollziehen.

Peter Angelo Simon beispielsweise hat Muhammad Ali einen Monat vor dem »Rumble in the Jungle« in den USA mit der Kamera begleitet – das Ergebnis sind stimmungsvolle Fotografien der harten und zehrenden Vorbereitung auf den historischen Kampf.
Der in Chicago lebende Fotograf Steve Schapiro hingegen hat den 21-jährigen Cassius Clay im Jahr 1963 in Louisville besucht, um ihn für eine große Strecke über sein Leben in seiner Geburtsstadt zu fotografieren. Aus noch früherer Zeit stammen die perfekt durchkomponierten Trainingsbilder von Flip Schulke, dessen Werk »Underwater« weltweit berühmt werden sollte.
Ebenfalls Weltruhm erlangten die Fotografien von Harry Benson, der Muhammad Ali über mehrere Jahre porträtierte und neben den Kampfbildern beim WM-Fight 1964 gegen Sonny Liston auch das Gruppenporträt »Clay Hits George« mit den Beatles in Miami erschuf.

© THOMAS HOEPKER, ALI PRAYING IN THE RING, LONDON, 1966

Zur Eröffnung der Ausstellung am 14. August 2015 ab 19 Uhr wird Henri Maske als Ehrengast in der Galerie zugegen sein.
Am am 15. August 2015 um 14:00 Uhr gibt es ein Book Signing mit Thomas Hoepker.

Fotowettbewerbe gibt es mittlerweile wie Sand am Meer. Meist liegt der Fokus relativ weitgefasst auf werblicher, künstlerischer oder journalistischer Fotografie. Im Gegensatz dazu besetzt acatech seit nunmehr 11 Jahren mit dem mit 5000 € dotierten Preis für Technikjournalismus und dem jährlich ausgeschriebenem Fotostipendium eine Nische.

Wer gerne journalistisch arbeitet und dazu noch einen starken Fokus auf technische Themen hat, sollte sich beeilen: Die Frist der Ausschreibung wurde verlängert und somit ist noch bis Montag, den 20. Juli, Zeit zur Teilnahme. Bewerbungen können für die Kategorie "Foto" und für das Fotostipendium online oder als Abzüge eingereicht werden.

Teilnahmebedingungen beim acatech PUNKT Fotopreis:

- Einreichung von bis zu drei Einzelfotos und/oder einer Fotoserie
- Prämiert werden Einsendungen, die durch die Darstellung von Technik den gesellschaftlichen Diskurs über Innovationen und deren Anwendungsmöglichkeiten unterstützen. Besonderen Wert wird auf eine inhaltlich präzise und ästhetische Auseinandersetzung mit technischen Themen gelegt.
- Entstanden sein müssen die Bilder zwischen dem 6. August 2013 und dem 13. Juli 2015
- Die Gewinner erhalten ein Preisgeld in Höhe von 5.000 Euro.

Teilnahmebedingungen für das Fotostipendium:

- Mit dem Fotostipendium wird ein Fotograf bei der Umsetzung einer Reportage mit Technikbezug unterstützt.
- Für die Bewerbung genügt neben einem Exposé, das die Idee hinter dem geplanten Fotoprojekt beschreibt, ein Portfolio mit Arbeitsproben und ein Lebenslauf.
- gesucht werden Fotografen, die die Chance nutzen wollen, spannende und realisierbare Vorhaben mit Technikbezug zu verwirklichen.
- Das Fotostipendium ist mit 5.000 Euro dotiert

Weitere Informationen findet man unter diesem Link

Selten wurde öffentlich so intensiv über eine mögliche Änderung in einer Gesetzgebung gestritten, die auch Fotografen betreffen würde, wie in den letzten Tagen.

Allen voran mobilisierte Wikipedia Menschen, sich für die Panoramafreiheit in Deutschland einzusetzen. Nicht ohne Grund, zum einen wären zehntausende Bilder von Gebäuden bei einer Einschränkung betroffen, zum anderen gibt es derzeit in keine einheitlichen Umgang mit Bildern öffentlicher Gebäude und das macht auch wikipedia das Leben schwer.

Aber was bedeutet die Panoramafreiheit exakt?

Im Gesetz über das Urheberrecht von 1966 steht im § 59: “Zulässig ist, Werke, die sich bleibend an öffentlichen Wegen, Straßen oder Plätzen befinden, mit Mitteln der Malerei oder Graphik, durch Lichtbild oder durch Film zu vervielfältigen, zu verbreiten und öffentlich wiederzugeben.”
Dieses Gesetz stärkt die Allgemeinheit und die Fotografen und schränkt im Gegenzug die Rechte der Architekten oder Künstler ein, die Kunstwerke im öffentlichen Raum schaffen.

In welchen Ländern gibt es die Panoramafreiheit?

Es gibt liberale Länder wie Deutschland, in denen die Panoramafreiheit für Gebäude und Kunstwerke gilt, Länder wie Italien und Frankreich, die keine Panoramafreiheit kennen und Länder wie Norwegen, bei denen die Panoramafreiheit nur für Bauwerke gilt. Island und einige andere Länder erlauben nur eine unkommerzielle Nutzung.

Welche Einschränkungen würden sich für Fotografen in Deutschland ergeben?

Hierzu sagt Tim Hoesmann, Rechtsanwalt und spezialisiert auf das Urheber- und Medienrecht:
“Im Augenblick wird kontrovers über die Panoramafreiheit diskutiert. Hintergrund dessen ist, dass der Rechtsausschuss des europäischen Parlamentes Änderungen im Urheberrecht erwägt. Ziel des Rechtsausschusses ist es, eine in Europa einheitliche Regelung zu schaffen. Dies ist im Grundsatz zu begrüßen. Jedoch sind für Berufsfotografen gravierende Änderungen angedacht, die insbesondere in der Panoramafreiheit einen starken Eingriff in ihre berufliche Freiheit bedeuten.

Ich habe als Rechtsanwalt für Medien- und Fotorecht viel mit Fragen der Panoramafreiheit und dem Urheberrecht bei Berufsfotografen zu tun und sehe in dem geplanten Änderungen folgendes Problem:
Die Panoramafreiheit gibt Ihnen als Fotograf das Recht alles fotografieren zu dürfen, was Sie im öffentlichen Raum sehen. Ohne die Panoramafreiheit ist es für den Berufsfotografen faktisch unmöglich, außerhalb seines eigenen Studios ohne Angst vor Abmahnungen fotografieren zu können.

Wenn - wie jetzt in der EU diskutiert - die Panoramafreiheit eingestellt werden würde, hätte ein Fotograf in Zukunft die Pflicht im 1. Schritt, die urheberrechtlich geschützten Gebäude auf seinem Foto zu identifizieren und dann in einem 2. Schritt vom Urheber eine Erlaubnis zur gewerblichen Nutzung einholen. Der Urheber ist in dem Fall der Architekt oder sein Erbe, es sei denn der Architekt wäre seit über 70 Jahren tot. Sie werden zugeben, dass dies noch nicht einmal im Ansatz praktikabel erscheint.
Aus diesem Grund hat der Centralverband der Deutschen Berufsfotografen über seinen Partneranwalt auch einen offen Brief an die Europäische Union geschrieben, in dem er auf diese Folgen aufmerksam macht. Hoffen wir also, dass der Entschluss gegen die Neuregelung ausfällt."

Der Autor Rechtsanwalt Tim Hoesmann ist selbst Partneranwalt des Centralverbands der Deutschen Berufsfotografen. Gerne steht er Ihnen für Rückfragen zu Ihrer Verfügung. 

Wie kam es eigentlich zu der Diskussion um die Panoramafreiheit?

Die Abgeordnete des Europaparlamentes, Julia Reda, hat sich in einem Initiativbericht an den Rechtsausschuss des Europaparlamentes gewandt und Vorschläge zu einer Urheberrechtsreform innerhalb der EU gemacht. Es gab über 500 Änderungsvorschläge und in dem die Panoramafreiheit betreffenden, konnte sich ein französischer Abgeordneter mit der derzeitigen restriktiven Regelung in Frankreich durchsetzen.

Wie bald kann eine Gesetzgebung kommen?

Die Vorschläge des “Reda Berichtes” münden in einem Beschluss des Rechtsausschusses, der dann im Plenum des Parlamentes behandelt wird. Das Plenum kann alle Vorschläge des Rechtsausschlusses ändern oder verwerfen. Selbst wenn das Parlament den Beschluss so übernehmen würde, hat dieser keine Gesetzeskraft.
Das Parlament würde die EU-Kommission dann bitten, Gesetzesinitiativen vorzulegen. Und auch an diesem Punkt des Prozesses kann die Kommission wieder andere Vorschläge einbringen und Punkte ändern.
Bevor es wirklich eine Änderung in der Panoramafreiheit geben könnte, müsste die EU-Kommission sich dann mit einer neuen Regelung an Parlament und Ministerrat wenden.
Erfolgt eine Einigung, müssten dann noch in vielen Ländern die bestehenden Urheberrechts-Richtlinien geändert werden und im Anschluss noch von den einzelnen EU-Ländern die nationalen Gesetze.
Wenn also am 9. Juli das Parlament den abschließenden Inhalt des Berichtes beschließt, sind wir von einem Gesetzentwurf noch sehr weit entfernt.

Welche Auswirkungen hätte die Einschränkung der Panoramafreiheit letztlich in der Praxis der Berufsfotografen in Deutschland?

Theoretisch wäre dies eine starke Einschränkung für professionelle Fotografen, die zu weiteren Unsicherheiten im Alltag führen würde und überhaupt nicht zu begrüßen wäre. Nimmt man allerdings Frankreich und Italien als praktisches Beispiel, sieht man, dass dort die Fotografen auch ohne Panoramafreiheit arbeiten und leben können.

Welchen Ausbildungsweg soll ich einschlagen? - diese Frage stellen sich viele junge Leute, die den Beruf Fotograf ergreifen wollen. Ist eine betriebliche Ausbildung, ein Studium oder eine Berufsakademie geeignet?
Bei diesem Klärungsprozeß will Berufsfotografen Abhilfe schaffen. So erzählen Vertreter von Fotoschulen sehr anschaulich, wie bei Ihnen der Alltag aussieht. Aber auch aktuelle Fragen, die jeden Berufsfotografen interessieren, werden behandelt.

„Für eine Ausbildung ist das Internet keine geeignete Vermittlungsform.” - Henning Rupp, f/16 Schule für Fotografie

Im Gespräch mit Henning Rupp erfuhren wir von seiner Intention eine Fotoschule zu gründen und warum er einige Inhalte, die früher in der klassischen Fotografenausbildung vorkamen, immernoch für wichtig hält. Außerdem schildert er das große Interesse der Öffentlichkeit für Fotografie und zeigt Chancen auf dem Fotomarkt auf. 

Hier ist das Interview zur F16 Schule für Fotografie in Berlin

Von über 3000 professionellen Fotografen wollten wir wissen, wie sie die Entwicklung in der Fotografie bewerten und wo Chancen und Risiken liegen. Im ersten Teil der diesjährige Jahresumfrage von Berufsfotografen wurden Themen wie Ausbildung und die beliebtesten Arbeitsbereiche oder die Anzahl der Buchungstage im Monat behandelt (zum Nachlesen: Auswertung Umfrage Fotografen Teil 1/2). Hier ist nun ist der zweite Teil. Es ergaben sich erneut spannende Einblicke in den Berufsalltag der Profifotografen (Downloadlink am Ende des Artikels).

WIE WAR DIE AUFTRAGSLAGE?

Ähnlich wie im letzten Jahr bewerten knapp 48 % die Auftragslage des letzten Jahres mit gut oder sehr gut. Auch die übrigen Werte haben sich im Vergleich mit der letzten Befragung nicht signifikant verändert. Das ist ein gutes Zeichen und zeigt, dass viele Fotografen eine Nische besetzt haben und die Auftragslage sich nicht negativ entwickelt hat.

WIE VIEL ZEIT KOSTEN TÄTIGKEITEN JENSEITS DER SHOOTINGS?

Kundenakquise: 14,8 % der Fotografen haben es scheinbar aufgrund einer guten Auftragslage, eines Repräsentanten oder aufgrund eines Angestelltenverhältnisses nicht nötig, Zeit für Akquise einzuplanen. Circa 20 % der Fotografen gaben an, 1 Tag oder 2 Tage im Monat mit Akquise beschäftigt zu sein. 

Weiterbildung: Knapp 60 % planen 1 bis 2 Tage im Monat für Weiterbildung ein. Zudem gaben 48 % an, Fachmessen wie die Photokina zu besuchen und 56 % möchten im Jahr 2015 auch an einem Workshop teilnehmen.

Freie Arbeiten: Freie Arbeiten schulen die Kreativität und helfen dabei, sich als Fotograf weiterzuentwickeln. Auch sind freie Arbeiten oft ein gutes Mittel zur Eigenakquise. Dennoch gaben rund 20 % der Fotografen an, 2015 keine freien Arbeiten machen zu wollen.

WIE HOCH LIEGT DER TAGESSATZ?

Redaktionelle Aufträge: Bei redaktionellen Aufträgen lag der Tagessatz auch in diesem Jahr weit unter dem, was in der Werbung gezahlt wird. Dennoch sind für viele Fotografen redaktionelle Fotoschootings schön, denn hier kann man seine Kreativität oft weit mehr ausleben, als bei werblichen Aufträgen. Auch der Gedanke, in einem bekannten Magazin mit seinen Bildern vertreten zu sein, lässt viele Fotografen für einen geringen Tagessatz arbeiten.

Privatkundengeschäft: Im Privatkundengeschäft waren es vor allem Hochzeiten, bei denen nach Tagessatz abgerechnet wurde. Hier bewegten sich 73,6 % der Fotografen zwischen 300 und 900 Euro.

Werbung: Einen möglichst hohen Tagessatz am Markt durchsetzen zu können, ist für viele Fotografen erstrebenswert und gelingt am ehesten in der Werbung. Knapp 5 % knackten 2014 mit ihrem Tagessatz die 2500 Euro Marke. 

WIE LANGE WIRD FÜR EINEN TAGESSATZ GEARBEITET?

Wie im letzten Jahr haben sich hier die Werte nur unwesentlich verändert. Knapp 30 % der Fotografen gaben an, für einen Tagessatz so lange zu arbeiten, wie es notwendig ist. Die meisten anderen Fotografen berechnen nach 8 oder 10 Stunden Overtime.  

WIE OFT WERDEN NUTZUNGS- RECHTE BERECHNET?

Für gut ein Drittel der Fotografen stellt die Berechnung von Nutzungsrechten einen wichtigen Teil des Verdienstes dar. Durch Entwicklungen wie einem zunehmenden Preisdruck und preislich günstigem Stockmaterial ist das Verständnis für diesen Punkt bei vielen Auftraggebern leider stark gesunken. Immerhin rund 37 % berechnen Nutzungsrechte aber fast immer oder oft. 38,1 % gaben an, Nutzungsrechte zumindest gelegentlich zu berechnen und 25 % der Fotografen berechnen sie nie. 

WIE BEKOMMT MAN ALS FOTOGRAF NEUE KUNDEN?

Die meisten befragten Fotografen verließen sich 2014 auf die Weiterempfehlung von Bestandskunden, um Neukunden zu bekommen. Darüber hinaus setzten viele Fotografen auf klassische Methoden wie den persönlichen Kontakt. So gaben über 50 % der Fotografen an, sich direkt bei Agenturen und anderen potenziellen Kunden persönlich vorzustellen. Knapp 30 % nutzen Social Media für die Kundenakquise und 43 % schalten Werbung bei Google oder Facebook.

WIE SEHEN DIE FOTOGRAFEN DIE LAGE 2015?

Hier sind die Werte sehr erfreulich, denn über 70 % der Fotografen blicken positiv und sehr positiv eingestellt in die nahe Zukunft. Lediglich 6,3 % gaben an, pessimistisch eingestellt zu sein.

RESÜMEE:

Trotz der stärker werdenden Konkurrenzsituation sehen viele Fotografen die Fotografie nicht nur emotional positiv, sondern auch aus rein wirtschaftlichen Gesichtspunkten. So bleibt die Zufriedenheit im Job auch weiterhin hoch und die Fotografie für viele ein Job, in dem man mit vollem Einsatz gerne arbeitet.    

Die ganze Umfrage als PDF gibt es hier als Download: PDF Berufsfotografen Umfrage 2015

Und hier noch einmal der Link auf den ersten Teil der Auswertung: Artikel Auswertung Umfrage Teil 1/2).

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Diese Umfrage und die darin enthaltenen Grafiken dürfen im Zuge einer redaktionellen Berichterstattung honorarfrei - auch in Teilen - unter folgenden Bedingungen verwendet werden: bei online Nutzung: 1) deutliche Nennung von Berufsfotografen.com als Urheber 3) Verlinkung auf "www.berufsfotografen.com" oder diesen Beitrag 4) Beleglink an mail@berufsfotografen.com. Bei offline Nutzung: 1) deutliche Nennung von Berufsfotografen.de als Urheber 2) deutliche Nennung der Domain in dieser Form im Fließtext: www.berufsfotografen.com 3) Belegkopie. Für Fragen stehen wir unter: mail@berufsfotografen.com jederzeit gerne zur Verfügung. Design und Illustration: Anika Kaiser                

Wir haben mit den wichtigsten Fotoschulen in Deutschland Interviews geführt. Für den dritten Teil sprachen wir mit Axel Schäfer, den Leiter des Fotografiefachbereichs an der Lazi Akademie in Esslingen.

Wenn es um die Ausbildung zum Fotografen geht, ist die Verwirrung groß. Junge Menschen, die den Beruf erlernen wollen, haben zumeist keine realistische Vorstellung davon, was sie an Fotoschulen erwartet.
Aber auch für Fotografen, die schon längst fest im Arbeitsleben stehen, ist es wichtig zu wissen, auf welche Fertigkeiten heute besonderen Wert gelegt wird und wo es nach Einschätzung der Fachleute in der Fotografie hingeht.

„Nur durch’s Tun lernt man wirklich.” - Axel Schäfer, Lazi Akademie

Im aktuellen Interview der Reihe geht es um die Ausbildung an der Lazi Akademie in Esslingen am Neckar. Axel Schäfer berichtet von der praxisorientierten Arbeitsweise an der Schule und welche Bilder mit dem Prädikat "marktfähig" betitelt werden. Außerdem gibt er einen Einblick in aktuelle Strömungen in der Fotografie.

Hier geht es zum Interview mit der Lazi Akademie

Von über 3000 professionellen Fotografen wollten wir wissen, wie sie die Entwicklung in der Fotografie bewerten und wo Chancen und Risiken liegen. Die diesjährige Jahresumfrage von Berufsfotografen ergab erneut spannende Einblicke in den Berufsalltag der Profifotografen und zeigt die Entwicklung der professionellen Auftragsfotografie.

Alle Fotografen, die an der Umfrage teilgenommen haben, haben bereits das PDF mit der Auswertung erhalten. Für alle anderen gibt es einen Downloadlink im zweiten Newsbeitrag in einigen Tagen.

UNSERE AUSWERTUNG  

In den Zahlen spiegelt es sich wieder - die professionelle Fotografie ist eine Branche, in der Eigeninitiative zählt, wie in kaum einer anderen. Egal, ob man als Fotograf neu am Markt oder schon ein alter Hase ist, ohne viel Engagement kommt man nicht weit. Aktiv auf Kunden zugehen, sich permanent weiterbilden und die eigene Kreativität durch freie Projekte am Leben halten sind Aktivitäten, die für viele Berufsfotografen mittlerweile einen festen Platz im Alltag haben.
So planen rund 60 % 1-2 Tage im Monat für Weiterbildung ein. Und 70 % der Fotografen verwirklichen jedes Jahr mindestens ein freies Projekt, um selber Ideen umzusetzen und damit Werbung für die eigene Leistung bei potentiellen Kunden zu machen.
Schön zu sehen ist, dass die Zufriedenheit im Job im Vergleich zu den letzten Jahren trotz eines stärker werdenden Konkurrenzdruckes nicht abgenommen hat. Fotograf zu sein ist und bleibt somit für Viele einfach der schönste Beruf, den man ausüben kann.

WELCHE AUSBILDUNG HAT EIN FOTOGRAF?  

Um als Fotograf langfristig bestehen zu können, benötigt man neben etwas Glück vor allem viel Eigeninitiative. Da wundert es nicht, dass mittlerweile immer mehr junge Fotografen keine klassische Ausbildung durchlaufen haben. Der Anteil der Quereinsteiger ist im Vergleich zum letzten Jahr deutlich gestiegen und liegt nun ähnlich hoch wie der der handwerklichen Ausbildung. 34,6 % haben übrigens angegeben, zusätzlich auf ihrem Ausbildungsweg auch als Fotoassistent gearbeitet zu haben. Somit ist das Assistieren bei erfahrenen Fotografen für Viele ein wichtiger Schritt vor der Selbstständigkeit, vor allem um Praxiswissen zu sammeln und Kontakte zu knüpfen.

IN WELCHER RECHTSFORM SIND FOTOGRAFEN TÄTIG?

Rechtlich gesehen sind die befragten Fotografen zu 91% als Einzelunternehmen tätig, bei den übrigen Geschäftsformen ist die GbR am beliebtesten.

WIE VIELE FOTOGRAFEN SIND FREIBERUFLICH TÄTIG?

Für die Allgemeinheit sind Fotografen bekanntlich Einzelkämpfer. Und tatsächlich gaben 92 % der Befragten an, als freier Fotograf unterwegs zu sein. 

SEIT WIE VIELEN JAHREN SIND DIE BEFRAGTEN FOTOGRAFEN IM GESCHÄFT?

Von den befragten Fotografen waren nur 1,5 Prozent seit weniger als einem Jahr aktiv. Zwischen einem und 30 Jahren gab es wie auch im letzten Jahr eine recht gleichmäßige Verteilung. Somit kann man davon ausgehen, dass die Ergebnisse der Umfrage einen guten Einblick liefern, denn sie stammen sowohl von Berufsanfängern, als auch von den “alten Hasen” im Geschäft.

WELCHE ARBEITSBEREICHE HAT EIN FOTOGRAF?

Da sich die wenigsten Fotografen nur auf einen einzelnen Arbeitsbereich spezialisiert haben, war in diesem Themenbereich Mehrfachnennung möglich. People- und Porträtfotografie sind die am stärksten vertretenen Arbeitsbereiche. Die Werbung steht als lukrativer Bereich in diesem Jahr mit 68,5 % auf Platz 2. CHART   SEITE 6 WIE WAR DIE AUFTRAGSLAGE? Ähnlich wie im letzten Jahr bewerten rund 15% die Auftragslage des letzten Jahres mit “sehr gut”. Auch die übrigen Werte haben sich im Vergleich mit der letzten Befragung nicht signifikant verändert. Das ist ein gutes Zeichen und zeigt, dass viele Fotografen eine Nische besetzt haben und die Auftragslage sich nicht negativ entwickelt hat.

WIE VIELE BUCHUNGSTAGE HAT EIN FOTOGRAF IM MONAT?

Der Lohn aller Akquisebemühungen oder des langjährig aufgebauten guten Rufs schlägt sich letztendlich in der Anzahl der Buchungstage im Monat nieder. Wobei man hier noch weiter differenzieren müsste. Ein hoch dotierter Werbefotograf hat bei 5 Buchungstagen im Monat sicherlich ein höheres Einkommen als ein Eventfotograf mit 20 Buchungstagen.

In einigen Tagen folgt Teil 2 der Auswertung. Dort gibt es dann das komplette PDF zum Download sowie die Charts zu folgenden Punkten: 

- Fotografie-Tagessatz im Bereich Werbung, Privatkunden, Redaktionelle Shootings 

- Overtime bei Fotografen

- Berechnung von Nutzungsrechten bei Fotografen

- Neukundenakquise

- Zukunftschancen und Einschätzungen der Fotografen

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Diese Umfrage und die darin enthaltenen Grafiken dürfen im Zuge einer redaktionellen Berichterstattung honorarfrei - auch in Teilen - unter folgenden Bedingungen verwendet werden: bei online Nutzung: 1) deutliche Nennung von Berufsfotografen.com als Urheber 3) Verlinkung auf "www.berufsfotografen.com" oder diesen Beitrag 4) Beleglink an mail@berufsfotografen.com. Bei offline Nutzung: 1) deutliche Nennung von Berufsfotografen.de als Urheber 2) deutliche Nennung der Domain in dieser Form im Fließtext: www.berufsfotografen.com 3) Belegkopie. Für Fragen stehen wir unter: mail@berufsfotografen.com jederzeit gerne zur Verfügung. Design und Illustration: Anika Kaiser        

“Warum gibt es eigentlich kein Fotomagazin für Frauen?” Diese Frage stellte sich Jürgen Lossau, Mitglied im DGPh und Herausgeber des Fotomagazins “Camera” und gründete jetzt mit “Camera Woman” ein Magazin für weibliche Fotografieinteressierte. Im Vorwort der ersten Ausgabe stellt er dann auch gleich die Frage: “Muss das sein?” - Wir haben uns das Magazin mal angesehen.

Die Herausgeber sind sich sicher, dass Frauen ein zunehmend stärkeres Interesse an der Fotografie haben, aber dennoch nicht gerne an die Regale mit den Fotozeitschriften gehen. Nur 10% der Käufer von Fotomagazinen seien weiblich, obwohl generell 60% der Zeitschriften von Frauen gekauft werden.
Daraus folgern die Macher des Magazins, dass Frauen Fotomagazine lesen würden, wenn man Ihnen diese in lifestyleaffiner Aufmachung zwischen Brigitte und Vogue präsentieren würde. 

Zugegeben hört sich dieser Ansatz schlüssig an, offenbart aber auch gleich, dass die Macher männlich sein dürften. Eine Frau würde inhaltlich argumentieren und ein Magazin machen, dass thematisch und optisch so ist, wie sie es sich wünscht, egal von Rechenspielen, wie groß ein potentieller Markt sein könnte und egal, in welchem Regal es präsentiert wird.

Es mag sein, dass Frauen weniger Interesse an technischen Features haben und die aktuell erhältlichen Magazine an ihren Wünschen vorbei gehen. Aber gibt es tatsächlich einen Unterschied in den Ansichten, Themen und Wünschen zwischen Fotografinnen und Fotografen? Camera Woman beantwortet diese Frage in der ersten Ausgabe mit einer verspielten Unterwasserbildstrecke, zwei Reportagen, einem Artikel über Esther Haase, dem Feature einer Foodfotografin, kreativen Fotoideen, Tipps zur Tierfotografie und einigen Technikvorstellungen.

Das sind zwar alles Themen, die auch in jedem anderen Fotomagazin veröffentlicht werden könnten, aber bei Camera Woman geht es noch etwas bunter und verzierter zu. So avancieren die Fotokameras im Heft zu kleinen Shopping-Items und werden abgelöst von Berichterstattungen über Fotostrecken mit eher emotionaler Herangehensweise.

Die Idee, für Frauen ein Lifestylemagazin mit dem Fokus Fotografie zu machen ist sicher einen Versuch wert. Dass “Camera Woman” aber nicht von Frauen für Frauen gemacht wurde, merkt man ziemlich schnell. Warum hat ein Mann das Titelbild fotografiert? Warum ist das Layout in vielen Punkten identisch mit der etablierten aktuellen Ausgabe von “Camera”? Warum schreiben mit Florian Sturm und Jürgen Lossau zwei Männer die meisten Texte für ein Frauenmagazin? Dass diese beiden auch viel für das männliche Pendant “Camera” texten, führt auch nicht gerade zu einer weiblichen, neuen und unverbrauchten Sicht auf fotografische Themen.

Das “Camera Woman”-Magazin wirkt frisch und kurzweilig, aber auch oberflächlich und optisch und inhaltlich wie eine modifizierte Kopie des etablierten “Camera”-Magazins ohne wirklich eigenen Ansatz. Dennoch ist die Idee eines Lifestyle-Fotomagazin interessant und die Herangehensweise tatsächlich ein wenig anders als man es sonst in Fotomagazinen kennt.  

Mit der Serie “Fotoschulen im Interview” auf Berufsfotografen wollen wir auf dem unübersichtlichen Ausbildungsmarkt Orientierung bieten.

Fakten wie Standort, Studiendauer und Ausbildungskosten lassen sich einfach herausfinden. Wir wollen aber vor allem einen persönlichen Einblick bieten, welche Fotoschule welche Besonderheiten und Schwerpunkte hat.
Dieses Mal im Interview: Marc Volk, ein Dozent an der Neuen Schule für Fotografie in Berlin.

„Das Verrückte ist ja, dass man nicht aufhört zu lernen.” - Marc Volk, Neue Schule für Fotografie

Marc Volk erzählt im Interview unter anderem, warum der Wettbewerb unter Fotoschulen derzeit zwar groß ist, letztlich aber gar nicht so ins Gewicht fällt. Wir erfahren von dem Bewerberandrang und warum das Bild seiner Studenten vom Fotomarkt nicht nur realistisch, sondern sogar zu realistisch ist. 

Hier geht es zum Interview: Fotoausbildung an der "Neue Schule für Fotografie" Berlin

Alte Stadtansichten haben ihren ganz eigenen Reiz und so wundert es nicht, dass viele Fotografen und Filmer Gegenüberstellungen aus alten und aktuellen Ansichten charmant finden.

Oft entstehen interessante Zeitrafferaufnahmen oder Überblendungen von einem Kamerastandpunkt aus. Selten allerdings wird sich so viel Mühe gemacht wie in diesem Beispiel aus Portland. Ein Team hat dort über 5000 historische Aufnahmen gesichtet und nach etlichen Locationscoutings 50 Aufnahmen ausgewählt, bei denen eine Gegenüberstellung technisch noch möglich war. Oft war der alte Kamerastandpunkt nicht mehr zugänglich, oder der Blick war durch neue und höhere Häuser verbaut, manchmal waren Bäume zu hoch gewachsen oder hatten Straßenzüge sich völlig verändert. Bedenkt man, dass zwischen einigen der verwendeten Aufnahmen und heute über 100 Jahre liegen, ist das Ergebnis noch beeindruckender.

Unabhängig vom logistischen Aufwand, den ein solches Projekt erfordert haben die Macher auch filmisch ein tolles Werk vollbracht mit interessanten Überblendungen und Zeitzeugeninterviews.

Yesterday's Tomorrow - A Portland Journey from Uncage the Soul Productions on Vimeo.

In 10 Tagen widmet sich das Hamburger Fotofestival Ausstellungen mit Künstlern von internationalem Rang. Außerdem werden unter der künstlerischen Leitung des neuen Kurators, Krzysztof Candrowicz, zahlreiche Programmpunkte wie beispielsweise internationale Konferenzen, Parties, Ted Talks und Portfoliosichtungen geboten. In dieser Zeit haben an der Fotografie und an Kunst Interessierte die Möglichkeit, sich intensiv mit Fotografie auseinanderzusetzen, denn die Triennale der Photographie hat sich auf die Fahne geschrieben für außergewöhnliche Ideen, Begeisterung und Engagement für die Fotografie in Vorträgen, Filmen, Projektionen und Begegnungen Raum zu schaffen. Dieser wird an namhaften Orten stattfinden wie beispielsweise der Hamburger Kunsthalle und den Deichtorhallen, aber auch im Oberhafen, bei Designxport und in zahlreichen Galerien.

Im Zentrum der Triennale und seiner Aktivitäten steht ein Containerdorf vor den Deichtorhallen, in dem zehn europäischen Fotofestivals und zehn europäischen Fotoschulen eine Plattform geboten wird und das damit auch den Austausch zwischen Besuchern und europäischen Fotografen anregt.

Das Motto der Triennale „THE DAY WILL COME“ ist ein Bibelzitat und soll bewirken, über die Zukunft der Fotografie in technischer und vor allem in ästhetischer Hinsicht nachzudenken. In interdisziplinärer Zusammenarbeit mit Kuratoren, Künstlern, Futurologen und Soziologen wird eine Brücke in die Zukunft geschlagen. Dabei sollen verschiedene Aspekte von unterschiedlichen Standpunkten aus beleuchtet werden:

Die Stiftung historischer Museen erforscht unter dem Titel „THE DAY WILL COME WHEN THE PAST MEETS THE FUTURE“ ihre fotografischen Sammlungsbestände in Zusammenarbeit mit fünf zeitgenössischen Künstlern der Gruppe Sputnik.

Im Fokus des Hauses der Photographie/Deichtorhallen stehen unter dem Titel "THE DAY WILL COME WHEN MAN FALLS" verschiedene Werkgruppen des zeitgenössischen New Yorker Fotografen Phillip Toledano, der gesellschaftsrelevante und persönliche Zukunftsvisionen entwickelt.

Das Bucerius Kunstforum thematisiert unter dem Titel "THE DAY WILL COME WHEN WATER MATTERS“ die Ressource Wasser in Fotografie und Malerei, und das Museum für Kunst und Gewerbe wird das Phänomen des Netzwerkens aufgreifen unter dem Titel "THE DAY WILL COME WHEN WE SHARE MORE THAN EVER“. 

Die Hamburger Kunsthalle widmet sich in der Ausstellung "THE DAY WILL COME WHEN THERE IS HOPE“ den ambivalenten und höchst kontroversen Momenten des „Prinzips Hoffnung“ in der zeitgenössischen Photographie, während der Kunstverein in Hamburg unter dem Titel "THE DAY WILL COME WHEN PHOTOGRAPHY REVISES“ sechs Fragen an die Fotografie stellt, welche die Relevanz des Fotografischen innerhalb zeitgenössischer Bilddiskurse umreißen.

Die erste Triennale der Photographie Hamburg, initiiert durch den Fotografen und Sammler F. C. Gundlach, fand 1999 in vier Museen und Institutionen sowie in vierzig Galerien und anderen Veranstaltungsorten statt. Die letzte Triennale der Photographie 2011 hatte doppelt so viele Veranstalter und Veranstaltungsorte und zog über 200 000 Besucher an. Wir sind gespannt, ob ein weiterer Wachstum in diesem Jahr erzielt werden wird.

Bild © Penelope Umbrico, Signals Still, 2011 (zu sehen in der Ausstellung WHEN WE SHARE MORE THAN EVER, Museum für Kunst und Gewerbe)

Die Berliner Kanzlei Holzinger ist spezialisiert auf die Themen Medien, geistiges Eigentum und Kultur. Sie ist bundesweit im Bereich Bildrecht, Internetrecht oder Schutz des Urheberrechts tätig. Die Rechtsanwältin Stefanie Holzinger berichtet exklusiv bei uns über die Rechtslage beim Abbilden von Personen:

"Ihre Fotos sind Ihr Aushängeschild. Daher ist es nur verständlich, dass Sie diese auch Ihren potentiellen Kunden präsentieren möchten. Um Fotos für Ihre Referenzen verwenden zu dürfen, benötigen Sie jedoch in der Regel die Einwilligung der auf den Fotos abgebildeten Personen, da diese das Recht am eigenen Bild haben.
Die Einwilligung ist nur in Ausnahmefällen nicht erforderlich. Entweder handelt es sich dabei um Bilder, auf denen die Personen nur als Beiwerk neben einer Landschaft oder sonstigen Örtlichkeit erscheinen oder um Bilder von Menschenversammlungen (das fängt bei einer Situation im Aufzug an). Hier geht es nicht um die Darstellung der Personen, sondern und die Darstellung der Begebenheit. Beide Ausnahmen haben gemeinsam, dass diese nur vorliegen, wenn die abgebildeten Personen nur zufällig mit fotografiert wurden und das Hauptmotiv ein ganz anderes ist.
Wenn solche Ausnahmen nicht greifen und die abgebildeten Personen auf dem Foto im Vordergrund stehen bzw. diese gezielt fotografiert wurden, dürfen die Fotos nur mit Einwilligung der abgebildeten Personen veröffentlicht werden. Diese Einwilligung ist übrigens auch stillschweigend möglich.
Hier besteht jedoch im Streitfall die Unsicherheit, ob die entsprechende Handlung tatsächlich als stillschweigende Einwilligung angesehen werden durfte, denn das lässt sich nur schwer beweisen. Daher sollten Sie die Einwilligung unbedingt schriftlich einholen.

Veröffentlichen Sie Fotos ohne die erforderliche Einwilligung, hat dies einen Unterlassungsanspruch zur Folge. Gegebenenfalls bestehen auch Schadensersatzansprüche. Die Höhe des Schadensersatzanspruchs hängt dabei vom konkreten Einzelfall ab. Nach Entscheidungen des Bundesgerichtshofs, müsse zur Bemessung der Höhe des Schadensersatzes darauf abgestellt werden, was vernünftige Vertragspartner bei einer entsprechenden Lizenzvereinbarung vereinbart hätten. Entscheidend für die Höhe ist unter anderem die Art der Veröffentlichung. Sofern die Fotos nur auf einer Webseite veröffentlicht werden, die nur von wenigen Hundert Besuchern in 1-2 Monaten besucht wird, ist der mögliche Schadensersatzbetrag im unteren Bereich anzusiedeln.
In einem Fall unerlaubter Veröffentlichung auf einer Webseite mit der genannten Besucherzahl entschied das Landgericht Hamburg (Az. 324 O 59/13) dass ein Betrag in Höhe von 250,00 € als Schadensersatz ausreichend ist. Werden die Fotos jedoch auf einer Webseite veröffentlicht, die deutlich mehr Besucher hat und darüber hinaus auch in Social Media-Profilen verbreitet und geteilt wird, ist von einem höheren Schadensersatzanspruch auszugehen."

Besonders in der Streetfotografie bewegt man sich als Fotograf somit rechtlich gesehen auf dünnem Eis. Ohne die Einwilligung der aufgenommenen Personen ist der Verkauf der Bilder - oder auch nur eine Veröffentlichung auf der eigenen Internetseite - nicht zulässig.

Will man hier rechtlich immer auf der sicheren Seite sein, steht man also im Konflikt zur oft schnellen Arbeitsweise als Fotograf. Es dürfte kaum möglich sein, immer bei allen Menschen die Erlaubnis zur Nutzung einzuholen und somit bewegt man sich wohl häufiger, als einem lieb ist in einer rechtlich grenzwertigen Situation.

Für weitere Fragen und eine rechtliche Beratung hierzu steht Ihnen die Kanzlei Holzinger gerne zur Verfügung. 

Kontakt: Stefanie Holzinger, Rechtsanwältin
www.kanzlei-holzinger.berlin

Wer Fotograf werden will, hat es nicht leicht herauszufinden, welche Fotoschule den eigenen Erwartungen am nächsten kommt. Um hier etwas mehr Orientierung zu bieten, haben wir Vertretern der deutschen Fotoschulen gerade die Fragen gestellt, die helfen, einen Einblick in die jeweilige Fotoschule zu erhalten. Welche Angebote es an der Schule gibt, wo der Fokus liegt und wie groß die Klassen sind waren einige der Themen, die zur Sprache kamen.

In unserem ersten Interview stand für die BEST-Sabel Designschule in Berlin der Fotograf Stefan Berg Rede und Antwort. Er hat im letzten Jahr die Leitung des Fotografiefachbereichs übernommen. Von ihm haben wir erfahren, dass sich die Bedürfnisse der heutigen Studenten verändert haben, was die Art und Weise des Lernens und Arbeitens angeht und wie die Schule darauf reagiert. Außerdem schildert Herr Berg, wie wir uns einen Tag an der BEST-Sabel vorstellen können, warum die Dunkelkammer immer noch eine wichtige Rolle in der Ausbildung spielt und wie er die Chancen für den Nachwuchs auf dem Arbeitsmarkt sieht.

Hier geht es zum Interview: Fotoausbildung an der BEST-Sabel Berlin

In den Wettbewerbskategorien Politik, Wirtschaft, Sport, Kultur und Entertainment, Feature und Vermischtes sowie Porträts wurde aus über 1400 Einsendungen entschieden. Eine unabhängige Jury setzte sich zusammen aus Vertretern der Bildredaktionen von „Der Spiegel“, „stern“, „Focus“, „Zeit Online", „Die Welt“, „Super Illu“ und der Bildredaktion BVG Medien KG.

Bernd von Jutrczenka war erster Preisträger in gleich zwei Kategorien. In der Kategorie Politik durch sein Foto, das den früheren SPD-Abgeordneten Sebastian Edathy beim Verlassen des Bundestagsgebäudes abbildet. Gegen Edathy wurde ein Strafverfahren wegen des Verdachts der Beschaffung von Kinderpornografie geführt. In der Wirtschaft gefiel der Jury ebenfalls ein Motiv von Bernd von Jutrczenka am besten. Es zeigt Bundeswirtschaftsminister Sigmar Gabriel mit den Topmanagern Heinrich Hiesinger und Ulrich Grillo beim BDI-Tag der Deutschen Industrie 2014.

In der Kategorie Sport schaffte es ein Bild von Tobias Hase sich durchzusetzen. Zu sehen ist eine Skeleton-Pilotin beim Training. Für seine Aufnahme eines von Rauchschwaden durchzogenen Fanblocks bei einem Fußball-Zweitligaspiel erhielt Bernd Thissen den ersten Preis in der Kategorie Feature & Vermischtes. Weitere Erstplatzierte sind Jens Kalaene - in der Kategorie Kultur & Entertainment ausgezeichnet für ein Bild von Berlinale-Chef Dieter Kosslick - sowie Uli Deck, der für ein Porträtbild des Dirigenten Sir Simon Rattle geehrt wurde.

Besondere Kreativität und Ausdauer sowie herausragendes fachliches Geschick sind Kriterien, die durch den dpa-Preis ausgezeichnet werden sollen. Er ist eine Anerkennung der erheblichen Mühen, die die Fotografinnen und Fotografen auf sich nahmen, um im entscheidenden Augenblick am richtigen Ort zu sein und den dpa-Kunden eine schnelle, umfassende und anspruchsvolle Fotoberichterstattung bieten zu können. So haben dpa-Bilderdienste durch eben dieses fotografische Engagement im Jahr 2014 über 760 000 Fotos durch den dpa-Bildfunk verbreitet und mehr als 36 Millionen Bilder stellt die dpa-Tochter picture alliance unter www.picture-alliance.com zur Verfügung.

© Bernd von Jutrczenka

© Bernd Thissen

© Tobias Hase

Am 17.4. eröffnet in Berlin eine Fotoausstellung, der viele Fotografiefans schon sehnsüchtig entgegenfiebern. Über 10.000 Menschen haben auf Facebook bisher angegeben, die Veranstaltung besuchen zu wollen. Bis zum 16. August 2015 wird im C/O Berlin “Genesis” gezeigt, die Fotoausstellung des französisch-brasilianischen Fotografen Sebastião Salgado. Seine Arbeit steht in der Tradition der sozialdokumentarischen Fotografie. Früher fotografierte er für die Agentur Magnum, heute ist er mit seiner eigenen Agentur Amazonas Images unabhängig als Fotograf tätig.

Salgado fotografiert seit 1973 professionell und dokumentiert in selbst ausgewählten, weltweiten Langzeitprojekten mittels Schwarz-Weiß-Fotografien das Leben der Menschen am Rand der Gesellschaft. Für sein Werk hat er schon zahlreiche renommierte Preise erhalten. Bisher widmete er sich Themen wie Migration, Arbeitsbedingungen und Unterdrückung, in denen Menschen immer die Hauptrolle spielten. In seiner neusten Arbeit bezieht er nun erstmals die Naturmit ein. Meere und Wälder, Wüsten und Vulkane, Wale, Pinguine und Alligatoren wurden zum Motiv für den sozial engagierten Künstler als eine visuelle Hommage an den Blauen Planeten. In opulenten Schwarz-Weiß-Fotografien erzählt Salgado von überwältigender Schönheit und der Artenvielfalt unberührter Flora und Fauna.
Für “Genesis” reiste Salgado acht Jahre um die Welt in die entlegensten Winkel der Erde, um schließlich mit seiner Frau, Lélia Wanick Salgado, die Ausstellung mit 245 Fotos aus 32 Ländern und Regionen der Erde zusammenzustellen.

Sein Projektziel war es von Anfang an, das Bewusstsein für die Kostbarkeit der letzten unberührten Winkel der Erde zu schärfen. Nun reist die Ausstellung um die Welt und zeigt die Pracht von Orten, an denen die Wenigsten von uns jemals sein werden.


Bild: Southern Right whales (Eubalaena australis), drawn to the Valdés Peninsula because of the shelter provided by its two gulfs, the Golfo San José and the Golfo Nuevo, often navigate with their tails upright in the water. Valdés Peninsula, Argentina. 2004. © Sebastiao Salgado / Amazonas Images

Spaß bei der Bedienung von Canon DSLRs - Pacman im Menü

Ernsthafte Fotografie hin oder her, in jedem von uns steckt der Spieltrieb. Dementsprechend brüstete sich die Fotomarketingplattform Defrozo damit, angeblich ein „Theme” für die digitale Benutzerführung von Canon entwickelt zu haben, das dem Videospiel „Pacman” glich. Der Fotograf ist somit in der Lage, Pacman im Display zu spielen. Ideal für Pausen, wenn der Assistent zu langsam ist oder der Auftraggeber sich nicht entscheiden kann, wie es weitergehen soll. Schade eigentlich, dass es sich um einen Aprilscherz handelte, es gibt wohl kaum einen Fotografen, der zumindest gelegentlich dem Spieltrieb erliegen würde.. 

Meldung von Defrozo.com

Photoshop Feature - „Content Aware Revolve”

Angebliche zehn Jahre Entwicklung hat es gedauert, bis Adobe schließlich am 1. April 2015 dieser Durchbruch gelang: die Software kann Objekte nun eigenständig visualisieren. Wie durch Zauberhand ist sie in der Lage, ein Objekt in 3d umzuwandeln und nicht fotografierte Ansichten zu erahnen. Damit auch niemandem Zweifel kommen, wird sogar extra auf eine Limitierung hingewiesen: Die neue Funktion arbeiten nur perfekt bei homogenem Hintergrund. Na wenn das so ist, glauben wir’s.

Meldung von Fstoplounge.com 

Endlich ich von allen Seiten: die 360° Selfie Vorrichtung

Im Shop von ThinkGeek gibt es für schlappe 199 USD den Do It YourSelfie 360° Selfie Rig. Eine Vorrichtung, die Selfies mit 12 Kameras in Rundumansicht möglich macht. 

Haustier am Stiel - der Selfie Stick

Vielen Menschen ersetzt das Haustier ja bekanntlich den Partner, somit ist die Idee gar nicht so abwegig. Mit Fernsteuerung könnte man somit spannende Einblicke gewinnen. Ob es einen Praxistest gab, ist nicht bekannt.. Meldung von Unleashed by petco 

Derzeit nur für Frauen erhältlich: der Selfie-Schuh

Die Frauenschuhfirma „Miz Mooz” rührte die Werbetrommel für einen ganz besonderen selfie-Schuh. In der Spitze ist ein eingebauter Schlitz, in den man bequem sein Handy stecken kann. Muss man dann nur noch das Bein hoch genug bekommen..

Die Lomo Unterwasser Instant Camera

Lomography rühmt sich in 2015 die erste Unterwasser Sofortbildkamera entwickelt zu haben. Lomo Instant Caribbean:

Introducing The Lomo'Instant Caribbean from Lomography on Vimeo.

Der Fotograf Angelo Gian De Mesa hat sie ins Leben gerufen, die Facebook-Seite “Streettocs Academy”, eine Initiative für Streetfotografen. Das Format gibt sowohl Profis, als auch ambitionierten Nachwuchsfotografen die Möglichkeit, sich fachlich weiterzuentwickeln und Ihre eigene Sichtweise einer breiten Öffentlichkeit zu präsentieren.

Im zweiwöchigen Turnus wird ein neues Thema bekannt gegeben, zu dem Fotografen Ihre Arbeiten einreichen können. Somit handelt es sich um eine Art kurzfristigen Wettbewerb, aber ohne Preisgeld und einzig und allein aus Spaß an der Fotografie.

Gerade die begrenzte Zeit in Zusammenhang mit einem abstrakten Thema fordert die Fotografen und spornt zu Kreativität an. Letztlich muss das Thema ja auch noch parallel zum Alltagsgeschäft bearbeitet werden und dies ist letztlich nur mit viel Engagement möglich.

Die Teilnahmekriterien sehen vor, dass das Thema sorgfältig zu durchdenken und wohlüberlegt und experimentell fotografisch zu behandeln ist. Schließlich werden die Ergebnisse der Challenge dann auf Facebook der Diskussion ausgesetzt. - Potenziell wohlgemerkt, denn die typische Facebook-Mentalität, das bloße Betätigen des "like"-Buttons, ist vorrangig anzutreffen.

Aber was die Community nicht leistet, holt Angelo Gian De Mesa selbst nach. Er kürt und bespricht die besten und interessantesten Ergebnisse auf dem Eric Kim Street Photography Blog. In der Ausschreibung, "Black and White", hat das hier abgebildete Foto gewonnen, es ist von Chilun Leung.

Es gibt drei gute Gründe, warum für das Streettocs Academy-Format ein “like” vergeben werden kann: Erstens hilft es, fachliche Fähigkeiten auszubilden, zweitens als Fotograf nicht einzurosten und drittens bringt es selbst “Zaungästen” die Auseinandersetzung mit der Qualität in der Fotografie näher.

Platz 10: Die personalisierte Fotofußmatte!

Schluss mit langweiligen Einheits-willkommensgrüßen in Sisal am Fußboden. Ab jetzt können wir uns schon vor der Haustürschwelle selbst verwirklichen und die Gäste ganz individuell mit eigener Fotokunst begrüßen. Herzlich Willkommen! Gesehen bei yoursurprise.de für 24,95€

Platz 9: Der pinke Objektivdeckelhalter in Blumenform!

Nie wieder den Objektivdeckel suchen. Auch wenn man als Fotografin wohl eher selten Blumen fotografiert, sind diese hier als Verzierung äußerst praktisch und ein absoluter Hingucker. Gesehen capturingcouture.com für 10USD

Platz 8: Der praktische Kameragürtel

Platz 7: Backförmchen Kameras für die ultimativen Fotografen Kekse - nicht nur zu Weihnachten!

Wie schön wäre das, wenn wir uns unser Traumequipment selberbacken könnten. Die Weihnachtszeit macht es möglich. Gesehen bei monochrom für 18,90

Platz 6: Und noch ein Objektivdeckel - diesmal eher für die männlichen Fotografen:

Mnjam! Eine andere Art den Objektivdeckel nicht zu verlegen klappt mit diesen witzigen Motiven. Zwischen schwarz silberner Technik stechen die farbenfrohen Teile einfach raus. Fragt sich nur noch, ob Burger oder Doughnut. Gesehen bei photojojo für 10 USD

Platz 5: Das Lomographie-Kit für verspielte!

Platz 4: Der Glitter Kameragurt für Diven am Set

Nicht nur Kinder dürfen mit Elfenflügeln herumlaufen. Das Pendant für glitzerverliebte Fotografen ist der pailettenbesetzte Kameragurt. Gesehen bei Bloom Theory für 130 USD

Platz 3: 3D Fotos und Videos mit dem iPhone!

Eine faszinierende technische Spielerei im Gewand eines alten Guckkastens macht dieses Gadget verschenkenswert. Man stecke das Iphone in das Device und schaue durch die beiden Gucklöcher - e voilà: zum Vorschein kommen Photos und Videos im 3D-Format. Absoluter Wow-Faktor! Gesehen auf poppy3d für 59 USD

Platz 2: Eine Kamera als Kerzenständer

Brennweite einmal anders interpretiert. Die Auslegung des Begriffs ist es, die an diesem low budget Designerstück Freude macht. Gesehen bei dawanda für schlappe 10 €

Platz 1: Der geniale Polaroidkamera-Toilettenpapierabroller!

Auch Fuji ist natürlich groß auf der Photokina vertreten, haben sie letztlich mit der X-Pro1 eine Kamera im Programm, die sowohl ambitionierte Amateure, wie gerade auch Profis als "immer dabei Kamera" begeistert.

Auf der Photokina-Ankündigungsseite hat Fuji jetzt die bekannte Evolutionsgrafik, die die Entwicklung des Menschen vom Australopithecus zum Homo sapiens zeigt, auf die Fotografie übertragen und damit sicherlich den Nerv der Zeit getroffen. Immer kleinere und leistungsfähigere Kameras bieten dem Fotografen viele der Möglichkeiten, die früher nur mit großem Equipment möglich waren. 

Sicherlich führt diese Entwicklung zu mehr Konkurrenz in der Fotografie, denn jeder kann mit wenig Aufwand technisch hochwertige Bilder erstellen. Aber es ist auch ein schöner Weg: Weg von einer technischen Art der Fotografie und hin zu dem, was die Fotografie ausmacht. Kreativität, den entscheidenden Moment einzufangen und den besseren Blickwinkel zu finden. Zukünftig werden gerade diese Faktoren wohl immer stärker über Erfolg und Misserfolg entscheiden. 

Denkt man die Evolutionsgrafik weiter, wird auch sicher nicht bei den Kompaktkameras das Ende erreicht sein. Früher oder später werden Produkte wie google glass die Art verändern, wie wir fotografieren. So ist durchaus vorstellbar, dass jeder Mensch, ähnlich wie bei einer dashcam im Auto, all das aufnimmt, was er sieht. Und es wird dann auch nicht lange dauern, bis die Qualität dieser Aufnahmen so gut ist, dass die Datengröße für Prints ausreicht. Kombiniert man das noch mit den Möglichkeiten der lytro, nachträglich Schärfeebenen zu legen, wird die Aufgabe des Fotografen vor allem darin bestehen, aus den Datenmengen die Bilder zu filtern, die ihm gefallen. Eine beängstigende Aussicht für Fotografen? Nicht unbedingt. Denn was all die Technik nie leisten wird, ist die Komposition des Bildes, die Wahl des Standpunktes und die ganz persönliche Entscheidung, welche Pixel es wert sind, zu einem Bild bearbeitet zu werden.

© Bild: Fuji

© Werner Mahler: Hauer unter Tage, Aus der Serie: "Steinkohlenwerk Martin Hoop“, Zwickau, Sachsen, 1975, DDR



© Henning Rogge / Deichtorhallen

Seit den 1990er Jahren hat sich die Forschung zur Photographiegeschichte enorm erweitert, und dies nicht nur quantitativ, sondern auch im Hinblick auf ihre Gegenstände und Methoden. Längst richtet sie sich nicht mehr nur auf technische Bedingungen der Bildproduktion, auf unterschiedliche Präsentationsformen oder das Werk herausragender Photokünstler, deren Bedeutung ohnehin von den wechselnden Konjunkturen eines schwankenden Kunstmarktes abhängig ist. Photographie wird heute vielmehr als konstitutiver Bestandteil vielfältiger Facetten der Gesellschaft gesehen und von der Photogeschichtsschreibung entsprechend reflektiert.

Die Tagung Zeitfragmente. Neue Tendenzen der Photographiegeschichte streift in ihrem Gang durch die Geschichte der Photographie zentrale Themen der Entwicklung von 1850 bis heute, von der Photographie im englischen Königshaus über die Stereoskopie zur Porträtphotographie in Zentralafrika und in Pariser Ateliers, von photographischen Ausstellungen über Photographie als wissenschaftliches Instrument zum photographisch illustrierten Buch, und vom Polaroid über zeitgenössische künstlerische Photographie zu modernen Bildarchiven.

Die Tagungsgebühr beträgt € 20 für DGPh Mitglieder und Studenten und € 25 für andere. Anmeldungen sind bis zum 18. Oktober online möglich unter http://www.dgph.de/sektionen/geschichte_archive